http://www.fabiopenacalgaleria.com.br Arte contemporânea e exposições. http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=329 Esta em cartaz no Palacete das Artes Rodin Bahia, na Graça, a mostra Insustentável Leveza, da artista visual baiana Giovana Dantas.   A mostra reúne cinco trabalhos que integram uma vídeoinstalação sobre dois aspectos opostos da vida cotidiana: o peso e a leveza, representados pelos movimentos produzidos em certos objetos pelo vento e pela água. “Aprofundando a idéia de contraste e inversão, o peso pode nos revelar uma face: a de nos colocar de frente à nossa própria história que é tomada com firmeza e se torna elemento suscetível a mudanças que podemos operar. A leveza por outro lado, pode nos induzir ao estado de letargia”, afirma a artista.   A mostra é resultado de um prêmio de residência  artística do Instituto Sacatar, localizado na Ilha de Itaparica, onde a artista, que foi premiada também em 2008 com o projeto “Imanências do Mar”, desenvolveu seu atual trabalho entre junho e julho de 2010.  A artista  Giovana Dantas é graduada em Artes Visuais e Doutora em Artes Cênicas pela UFBA e professora do Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia. Fez várias exposições individuais na Bahia, Brasília, São Paulo e Curitiba. Insustentável Leveza fica em cartaz até o dia 29 de janeiro de 2012, sempre de terça a domingo, das 10 às 18h, com entrada gratuita.     Insustentável Leveza - Salvador até 29 de janeiro de 2012 Palacete das Artes Rodin Bahia www.palacetedasartes.ba.gov.br   Fonte: Dimus, Palacete das Artes   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=328 Esta em cartaz na cidade, no Instituto Feminino da Bahia mais uma exposição de fotografias de Pierre Verger, artista representado em Salvador pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte.  A mostra reúne 35 fotos em preto e branco de autoria de Verger destacando o universo infantil, particularmente o de crianças da Bahia. Nas imagens é possível perceber a simplicidade com a qual o fotógrafo francês se inseriu na vida dos habitantes desta cidade e o modo de relacionar-se com eles, sem perguntas, observando, fotografando discretamente, tentando perceber a beleza do outro mesmo nas suas aparências mais pobres e doloridas.  A exposição Pierre Verger – Olhares de Crianças foi organizada pela Fundação Pierre Verger e a entidade assistencial Associação Pontos Coração. A temática foi escolhida, conforme o Padre Thierry de Roucy, fundador da Pontos Coração, "pela capacidade de conexão que as fotos de Verger propicia a quem as observa". O mesmo, traduz a identificação de sua experiência com o olhar de Verger: "Desde vinte anos, depois de ter visitado tantas vezes a cidade de Salvador, descobrindo as fotos de Pierre Verger e deixando-me penetrar por elas, só posso reconhecer: estas fotos são verdadeiras! Em um instante eis-me transportado para esta cidade incrível e inserido no seu mistério. Eu vejo sua luz, ouço os gritos e as músicas fortes, admiro a vitalidade das suas crianças, respiro a sua umidade e seus perfumes.   A exposição fica aberta ao público até dia 20 de janeiro de 2012 e para entrada é necessário levar 01 kg de alimento não perecível. As arrecadações serão encaminhadas para a Fazenda do Natal, através da associação Pontos Coração, local que recebe crianças em situação de riscos para ajudar na manutenção das famílias que lá recebem apoio material e afetivo.    O artista  Pierre Verger nasceu em 4 de novembro de 1902, em Paris. Formado no ambiente de uma família economicamente estável, aprendeu a fotografar em 1932. Fascinado por viagens, o artista aprendeu o ofício numa máquina Rolleiflex. De 1932 a 1946 viajou, após a morte de sua mãe, por vários países. Nesse último ano conheceu a Bahia e ficou fascinado pelo ambiente cultural que encontrou - oposto ao clima de pós-Guerra que a Europa vivia.   Ao descobrir o candomblé, passou a pesquisar com profundidade o culto aos orixás. A dedicação nos estudos fez com que ganhasse uma bolsa para conhecer os rituais na África, para onde partiu em 1948. A intimidade com a religião fez com que, em 1953, recebesse o nome de Fatumbi. Como resultado de sua dedicação, Pierre Verger produziu 2 mil negativos e passou também a escrever sobre suas experiências e estudos. Suas viagens se intensificaram em seguida e fez intercâmbios entre países africanos, da Oceania, Europa, América Latina e a própria Bahia, que adotou como o seu lugar, apesar de ser visto como nômade.   Nos anos 60, comprou uma casa em Salvador e, dez anos depois, parou de fotografar. Na década de 80, preocupou-se mais com o estudo do material coletado e, em 1988, criou a Fundação Pierre Verger, para a qual doou toda obra. A instituição mantém 62 mil negativos fotográficos, gravações sonoras, filmes, documentos, correspondências, manuscritos e objetos relacionados ao artista. Pierre Verger morreu em 1996 e pediu que o seu trabalho tivesse prosseguimento. Pierre Verger, Olhares de Crianças - Salvador 24 de novembro - 20 de janeiro Instituto Feminino da Bahia, Politeama. www.pontoscoracao.org www.pierreverger.org   Fonte: Fundação Pierre Verge, Pontos do Coração   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=327 Van Gogh e Gauguin estão em destaque no Palácio Ducal de Gênova na exposição Van Gogh e a viagem de Gauguin.  Esta é uma mostra diferente das habituais, já que reúne obras que nunca foram exibidas antes na Itália. A exposição, com curadoria de Marco Goldin, tem 80 obras de mestres europeus e americanos dos séculos XIX e XX, incluindo 15 desenhos, 8 livros, 40 pinturas e 10 cartas originais do gênio holandês, além da  reconstituição do quarto onde Van Gogh viveu em Arles, em França.  Na mostra está presente tambem, uma das obras mais conhecidas de Paul Gauguin, “Quem somos, de onde vimos, para onde vamos”. O quadro chegou pela primeira vez na Itália, e foi emprestado pelo Museu de Belas Artes de Boston. A configuração que rodeia a imagem é impressionante: com a pintura, algumas imagens da paisagem do Tahiti transportam os espectadores para a natureza exótica da ilha. No chão esta impresa uma carta em que o artista explica a gênese da obra.    Entre outros destaques de Van Gogh e a viagem de Gauguin, encontram-se artistas como Hopper, Mark Rothko, Richard Diebenkorn, Turner William, Morandi, Kandinsky, Monet e muitos outros protagonistas da cena artística dos últimos dois séculos.   Van Gogh e a viagem de Gauguin - Itália 12 de novembro a 15 de abril  Palazzo Ducale www.palazzoducale.genova.it   Fonte: euronews, palazzo du cale   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=326 Os artistas brasileiros estão de volta ao Panorama da Arte Brasileira. Após a polêmica edição de 2009, organizada por Adriano Pedrosa, na qual foi priorizada a participação de artistas internacionais, a 32º edição do evento reúne, desta vez, 33 artistas de diversas partes do país, sendo apenas 3 estrangeiros: o frânces Raphael Grisey, que vive em Berlim, o argentino Nicolas Robbio e o mexicano Hector Zamora, que vivem no Brasil.    A edição 2011 com o título "Itinerários, Itinerâncias", tem organização de Cauê Alves e Cristiana Tejo, e para a curadoria, "não há mais a questão da nacionalidade, já que nossas raízes são mais fluídas e o que percebemos é que existe um fluxo cada vez mais urgente". Com a globalização e a volatilização das fronteiras, os artistas viajam cada vez mais para participar de exposições e residências e em alguns casos passam mais tempo em trânsito do que nas cidades em que vivem.   Para tanto, um trabalho do experiente Cildo Meireles cumpre a função de norte: Arte Física: Cordões/30 km de Linha Estendidos, de 1969, vestígio de um fio estendido por ele numa viagem ao litoral do Rio. Virginia de Medeiros exibe uma Kombi (apelidada de Catarina) em cujo vidro são projetados vídeos gravados no sertão da Bahia. Lourival Cuquinha, por sua vez, apresenta uma bandeira com 1.000 libras em espécie, resultado de uma tentativa de ganhar dinheiro em Londres. Gaio Matos fotografa placas de trânsito nas quais os sinais estão apagados enquanto Alberto Bitar filma apartamentos e quartos de hotel vazios, marcados pela presença humana recente. Chamam atenção ainda dois pintores: Lucia Laguna, que elabora títulos para suas telas com o objetivo de fazer o espectador visualizar alguma figuração onde só há abstração, e Rodrigo Bivar, representado por dois óleos bem-humorados que envolvem sol e verão.  A mostra permanece em cartaz até 18 de dezembro. Panorama da Arte Brasileira - São Paulo 16/10/2011 a 18/12/2011 Museu de Arte Moderna de São Paulo - MAM www.mam.org.br   Fonte: MAM, Folha de SP   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=325 As obras de vários artistas brasileiros e uma imensa escultura de bronze do colombiano Fernando Botero bateram novos recordes de vendas de arte latino-americana, anunciou, na ultima semana, em comunicado, a leloeira nova-iorquina Christie’s.   Dançarinos, forjada em 2007, foi arrematada por US$ 1,76 milhão (cerca de R$ 3,1 milhões). Com 1,6 tonelada e 3,18 metros de altura, é provavelmente a maior escultura de Botero já leiloada, segundo Virgilio Garza, chefe de arte latino-americana da Christie's.   No total, o leilão de terça-feira à noite arrecadou US$ 15,3 milhões (R$ 27,2 milhões). "Os resultados foram excepcionais. O mercado latino-americano de arte está prosperando, nove recordes foram batidos", disse Garza.   Obras brasileiras do pós-Segunda Guerra foram as mais disputadas, refletindo a escassez de trabalhos de artistas importantes do país no mercado internacional. "Acho que a notícia aqui é que a arte brasileira brilha. Cinco recordes foram batidos das décadas de 1960 e 70. A arte brasileira foi extremamente bem", disse Garza.   Bandeirinhas Estruturadas, de Alfredo Volpi, saiu por US$ 842,5 mil (R$ 1,5 milhão), recorde para esse artista. Usando um motivo habitual do artista, a tela faz o olhar do espectador passear por pequenos triângulos vermelhos, pretos e brancos, sobre fundo azul.   Ruas Azuis (1955), de Antônio Bandeira, foi arrematada por US$ 482,5 mil. Estrutura (1969), de Franz Weissmann, alcançou US$ 386,5 mil. Outros recordes foram batidos para as obras de José Pancetti (Abaeté - Série Bahia, no. 28", de 1957, por US$ 362,5 mil) e Hércules Barsotti (Losango-Proposição Multilegível I, de 1966, por US$ 170,5 mil).   "A arte brasileira chegou. Ela não é mais uma categoria emergente de coleção. Os olhos do mundo estão olhando para o Brasil e para a sua fascinante história artística", disse Garza.   Outros destaques do leilão foram Vaca Vermelha (1975), do mexicano Francisco Toledo, arrematada por US$ 902,5 mil, Pintura no. 110 (1948), do argentino Juan Melé, por US$ 134,5 mil, e Apresentação de Lagong Sob Figueira, desenho em papel do mexicano Miguel Covarrubias, por US$ 290,5 mil.   Leilão Christie’s - Nova York Fonte: EFE, IG Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=324 O videoartista paulistano Lucas Bambozzi, criador do Festival Internacional de Arte em Mídias Móveis, o arte.mov, que acontece desde 2006 em diversas capitais do País, expõe a instalação Pêndulo, no Museu de Arte Moderna da Bahia, de 30 de novembro a 11 de dezembro.   A obra consiste na fixação um pêndulo similar ao de Léon Foucault, que em 1851, em Paris, tentou evidenciar a rotação da terra. Da extremidade inferior do mecanismo, instalado dentro do objeto pendular, encontra-se um projetor de vídeo cujas imagens são emitidas em direção ao piso do museu. O pêndulo se movimenta e projeta as imagens de acordo com os ruídos ambientes e a quantidade de pessoas que circularão em torno dele.    Pêndulo foi montado pela primeira vez em 2005, no Centro Cultural Banco do Brasil, de São Paulo e recentemente no México. Na versão apresentada em Salvador, as imagens projetadas representam situações locais. A mostra faz parte a quarta etapa do projeto Networked Hack Lab, voltado para a difusão e experimentação de linguagens audiovisuais. No dia 29 e 30 de novembro, Lucas Bambozzi ministrará, no espaço do museu, a oficina "Contextos Específicos: Da Mobilidade e da Representação Visual".   Nascido em São Paulo, Lucas Bambozzi tem trabalhos exibidos em mais de 40 países. Em outubro passado, recebeu o 9º Prêmio Sergio Motta de Arte e Tecnologia, na categoria meio da carreira. Em 2010 recebeu menção honrosa no Ars Eletrônica e, em 2011, teve uma retrospectiva de suas instalações no Laboratório Arte Alameda (Cidade do México, México). Seus trabalhos recentes tratam das mobilidades e imobilidades do contexto urbano.      Pêndulo, de Lucas Bambozzi 1º a 11 de dezembro Museu de Arte Moderna da Bahia www.mam.ba.gov.br     Fonte:G1, MAM Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=323 Realismo Capitalista e outras histórias ilustradas é uma ótima oportunidade para o público brasileiro conferir os trabalhos deste que é, sem sombra de dúvidas, uma das mais significativas forças criativas da Europa no pós-Guerra: Sigmar Polke.Na primeira exposição internacional póstuma do artista, falecido em junho de 2010, aos 69 anos, o MASP apresenta a série completa das obras gráficas de Polke, produzidas entre 1963 e 2009.    Os trabalhos de Polke , que vão de colagens a gravuras, têm como principal característica a experimentação. Em 1939, Polke esteve no Brasil para participar da 13ª Bienal de São Paulo. Na época, o artista ganhou repercussão por causa de uma colagem, que trazia os seguintes dizeres logo abaixo de uma cabeça de macaco: “Cada banana que eu como apóia a exploração da América Latina.” A mostra deriva de mais uma curadoria feita em conjunto por Teixeira Coelho e pela brasileira radicada na Alemanha Tereza de Arruda que, no ano passado, trouxe a singular Se não neste tempo – Pintura Alemã Contemporânea 1989-2010 ao MASP. Foi um momento importante para o público brasileiro, que pôde entrar em contato com o melhor da arte alemã visitando Gerard Richter  no MASP e a retrospectiva de Josef Beuys no Sesc Pompéia quase na mesma época. Sigmar Polke: Realismo Capitalista e outras histórias ilustradas até 29 de janeiro Museu de Arte de São Paulo - MASP masp.art.br/   Fonte: ig, MASP     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=322 Mais de 200 pinturas, obras sobre papel, fotografias, documentos, vídeos e cartazes que giram em torno do "princípio de prazer" existente na obra de René Magritte estão em cartaz no Museu Albertina em Viena até 22 de fevereiro de 2012.  A exposição do mais famoso surrealista belga em Viena foi concebida em colaboração  com a Tate Liverpool ( Reino Unido) e aborda aspectos até então pouco explorados da vida Magritte e de sua atividade artística. Com base nas obras mais importantes de Magritte e nas peças comerciais do inicio de sua carreira, a mostra examina a relação entre as pinturas do artista e sua produção para a indústria da publicidade, bem como a influência da cultura pop em sua obra.    "Creio que esta exposição leva Magritte a um novo nível, a um novo significado e permite o público redescobri-lo", disse o diretor da Tate Liverpool (UK), Christoph Grunenberg, em entrevista ao Jornal "El Pais". Entre os destaques da exposição encontram-se trabalhos já bastante conhecidos pelo público, tais como: "Os amantes" (1928), "A representação (1937), "Gigante" (1928), " O assassino ameaçado" (1927), entre outros. As obras que integram a exposição chegaram a capital austríaca vindas de diversos países, incluindo Japão, os  Estados Unidos, França, Itália, Inglaterra e Alemanha. Maiores informações sobre a mostra no site:  www.albertina.at/   Rene Magritte (1898 - 1967) – Viena até 22 de fevereiro Museu Albertina  www.albertina.at   Fonte: El pais, Albertina   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=321 Pela primeira vez no Brasil, a exposição Los Caprichos de Goya, do artista espanhol Francisco José de Goya, chega a Salvador. Em cartaz no  Instituto Cervantes, a mostra é um conjunto de oitenta gravuras, onde o pintor satiriza a sociedade espanhola do final do século 18.    "Los Caprichos", primeira série de gravuras de Goya, foi editada em 1799. Sua concepção coincide provavelmente com a grave enfermidade que o pintor contraiu no começo dos anos noventa e que o deixaria surdo por toda a vida. Em seus trabalhos, Goya denunciava as marcas da sociedade de seu tempo e criticava o sistema educacional, chegando a desenhar asnos a fim de recriar a figura do professor e representando estudantes como pequenos burros. Com mensagens cômicas e metafóricas, o espanhol brincava também com os títulos de suas obras, sempre carregadas de ironia, evitando que seus trabalhos fossem censurados. Com técnica expressionista, Goya deformou as fisionomias e corpos de seus personagens, buscando mostrar a vergonha humana em cenários tenebrosos.   Vendo estes trabalhos muitos anos depois, nota-se que alguns comportamentos que foram representados por ele na época ainda persistem em diversas sociedades. Leituras como estas podem ser feitas até 16 de dezembro, na Ladeira da Barra. A passagem da mostra por Salvador faz parte de uma itinerância pelo Brasil (ela já esteve no Rio de Janeiro, Brasília e Recife).A entrada é gratuita. Los Caprichos de Goya chega - Salvador 09/11 a 16/12 Instituto Cervantes http://salvador.cervantes.es   Fonte: Instituto Cervantes, 360º   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=320 Cenários e personalidades da cidade de São Paulo são o tema de uma exposição que a Pinacoteca do Estado apresenta entre os dias 08 de outubro e 15 de janeiro.    Denominada Percursos e Afetos – Fotografias, 1928/2011 – Coleção Rubens Fernandes Junior, a mostra reúne mais de 80 fotografias, coloridas e PB, realizadas entre 1928 e 2011   São obras realizadas por profissionais como German Lorca, Gaspar Gaparian, José Oiticica Filho, José Medeiros, Jean Manzon, Nair Benedicto, Stefania Brill, Hildegard Rosenthal, Mario Cravo Neto, Fernando Lemos, Elza Lima, Bob Wolfenson, Cristiano Mascaro, Cássio Vasconcelos e Boris Kossoy.   Com curadoria de Diógenes Moura, a mostra tem como ponto de partida um retrato de Mário de Andrade, 1928, feito por Michelle Rizzo um dos primeiros fotógrafos a atuar em São Paulo.   A partir desta imagem são apresentadas cenas da cidade de São Paulo, da vida cotidiana e uma série de retratos de personalidades da cidade como Geraldo de Barros, Pierre Verger e Thomas Farkas, entre outros.     Percursos e Afetos – Fotografias, 1928/2011 | São Paulo 08 de outubro e 15 de janeiro Pinacoteca do Estado de São Paulo www.pinacoteca.org.br      Fonte: Arcoweb, Pinacoteca Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=319 A maior exposição de todos os tempos dedicada a Leonardo da Vinci abre as portas em Londres .Em cartaz a partir de 9 de novembro na National Gallery, a mostra Leonardo da Vinci: Pintor da Corte de Milão é uma oportunidade única para ver um grande números de obras do gênio renascentista num só espaço.    Sob a curadoria de Luke Syson,que trabalhou por cinco anos na mostra, a exposição retrata o período em que Da Vinci passou na corte de Milão, nas décadas de 1480 e 1490, a serviço do governador Ludovico Sforza, 'Il Moro', que deu a ele, pela primeira vez, dinheiro, tempo e espaço para se expressar.    A atual mostra em Londres reúne nove das 15 pinturas que restaram dentre as vinte feitas pelo mestre italiano. Não estão na exposição a famosa "Mona Lisa", nem o mural "A Última Ceia", mas há obras importantes como a polêmica pintura "O Salvador do Mundo", que teve autoria atribuída ao pintor apenas este ano. O outro ponto forte é a apresentação inédita das duas versões de "A Madona das Rochas", cuja existência intriga  os especialistas e estudiosos das artes.   Apesar de os organizadores terem decidido limitar o número de visitantes para evitar multidão, a National Gallery espera um público recorde: mais as 300.000 pessoas que foram ao local ver Velázquez, em 2007. "Já vendemos um número sem precedentes de entradas", anunciou o site da National Gallery.   Leonardo da Vinci: Pintor da Corte de Milão - Londres 09/11 a 05/02 National Gallery www.nationalgallery.org.uk   Fonte: National Gallery, G1   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=318 Nesta terça (8), às 19h o Palacete das Artes Rodin inaugura a exposição POP/Bienais, do artista plástico Sante Scaldaferri, ícone das artes plásticas da Bahia, importante representante do Movimento de Arte Moderna dos Anos 40. A mostra reúne um acervo de 85 telas pintadas pelo artista desde a década de 70. Entre os trabalhos que serão apresentados na mostra está “Bacanal” (1966), “Prisioneiros do Pecado” (2000) e “Retrato de Fernando da Rocha Peres” (2002).   “A pintura de Sante Scaldaferri é fé, povo e carne viva. É mão na dor e dedo na ferida. Pé descalço, amputado e curado”, define o artista plástico e diretor do Palacete das Artes, Murilo Ribeiro.   Nascido em Salvador, 83 anos, Sante é um artista nato. Considerado como um dos mais importantes pintores brasileiros contemporâneos, o artista retrata o drama e a tragédia do sertão nordestino, a partir da profunda e profícua fonte do ‘popular’ e do ‘religioso’.  A exposição POP/Bienais fica em cartaz até 6 de janeiro de 2012.   POP/Bienais – Salvador 08/11 a 06/01 Palacete das Artes Rodin www.cultura.ba.gov.br Fonte: Secult, iBahia   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=317 Até o dia 15 de novembro, colecionadores e amantes das artes visuais podem aproveitar uma oportunidade única: comprar na internet um quadro de Marepe. Filho da terra, Marepe é baiano, nasceu em Santo Antonio de Jesus, cidade do Recôncavo Baiano onde vive até hoje, e atualmente, é um dos mais conceituados artistas contemporâneos do país, com reconhecimento internacional e mostras realizadas nos principais museus e galerias do Brasil e do mundo.   A obra “Neura”, de 1993, um acrílico sobre Eucatex com 100 x 100 cm, está sendo vendida pela Corretora de Arte.com com oferta inicial de R$ 10 mil reais. As negociações já foram abertas e a avaliação encontra-se em andamento. Mas, para quem já quer fechar negócio, basta oferecer o lance para aquisição imediata e, por R$15 mil reais, adquirir a “Neura” de Marepe.   Para dar sua oferta e estar apto a comprar obras através da Corretora de Arte.com é preciso realizar o prévio preenchimento dos dados pessoais solicitados para cadastramento. Conheço os outros artistas e obras atualmente em negociação no site da Corretora de Arte.com.     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=316 A Casa da América Latina inaugura em Lisboa uma seleção de 257 fotografias das 6.500 que compõem o acervo da Casa Azul-Museu Frida Kahlo na exposição Frida Kahlo - As Suas Fotografias. Esta é a primeira apresentação internacional da exposição que pode ser visitada de 4 de Novembro de 2011 a 29 de Janeiro de 2012, no Pavilhão Preto do Museu da Cidade.   A exposição que mostra uma série de fotografias que pertenciam ao acervo pessoal da artista, na sua maioria desconhecidas, divide-se em seis núcleos: Os Pais: Guillermo e Matilde; A Casa Azul; O Corpo Acidentado; Os Amores de Frida; A Fotografia e a Luta Política. Não se pretende apresentar uma cronologia da vida e obra de Frida Kahlo, mas antes, mostrar pedaços da sua história pessoal e da sua intimidade, de um país e de uma época, permitindo também descobrir novas facetas de uma das personalidades mais complexas e enigmáticas do século XX.   O valor das imagens como testemunho histórico é inegável, mas também o é pela presença de olhares de outros fotógrafos de renome que a fotografaram e se podem encontrar nesta exposição: Man Ray, Martin Munkácsi, Fritz Henle, Adward Weston, Brassai, Tina Modotti, Pierre Verger, Lola y Manuel Álvarez, entre outros.   Sobre a fotografia Frida escreveu: “Sabia que o campo de batalha do sofrimento se reflectia nos meus olhos. Desde então, comecei a encarar directamente a objectiva, sem pestanejar, sem sorrir, decidida a mostrar que seria uma excelente lutadora até ao final.”   Frida Kahlo - As Suas Fotografias | Lisboa 04/11 a 29/01 Museu da Cidade http://www.casamericalatina.pt/   Fonte: Museu da Cidade; Guia da Cidade Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=315 Considerado o maior e mais bem sucedido evento de arte pública do mundo o Cow Parade chega mais uma vez ao Brasil e modifica a paisagem do Rio de Janeiro e Goiânia.  Em sua atual edição, cerca de 80 exemplares de vacas customizadas já ocupam calçadas, praças, parques e ruas de diversos bairros cariocas. Já em Goiânia o evento só começa no fim do mês.   Esta é a segunda vez que o Rio de Janeiro recebe o evento (a primeira foi em 2007) espalhado por diversos bairros como Ilha do Governador, Jardim Botânico, Lagoa, Barra, Tijuca, Leblon, Botafogo, Laranjeiras, Lapa, Copacabana, Ipanema e Centro. Além disso, comunidades pacificadas também servem de locação para algumas vaquinhas, como Complexo do Alemão, Cidade de Deus, Santa Marta, entre outras.   O bom humor faz parte do Cow Parade e como de costume as charmosas vaquinhas de fibra de vidro, apresentam divertidos nomes: Cowxa de Pandora, Frida Cowlo, Vaca de Elite, Escowregou, Cowversível e Vaca de Familia são alguns dos exemplos. Entre os temas que serviram de inspiração para os artistas destacam-se a cultura pop, a blitz da Lei Seca,  a Web 2.0 e até mesmo o Batalhão de Operações Especiais da PM (Bope).   O Cow Parade surgiu  na Suiça em 1999, criado pelo diretor artístico Walter Knapp.  O evento já passou por mais de 55 cidades em todo o mundo, incluindo Chicago, New York , Londres, Tóquio, Bruxelas  e Milão. Após a exposição em cada cidade, as vacas são leiloadas e o dinheiro é entregue para instituições  beneficentes. No caso do Rio de Janeiro, a arrecadação será revertida para a ONG Rio Inclui.   Cow Parade Brasil - 2011 02/11 a 20/12 e 24/11 a 22/01 Rio de Janeiro e Goiânia http://cowparade.com.br/   Fonte: Jornal do Brasil, Cow Parade Crédito da imagem: Jornal do Brasil   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=314 A Feira Internacional de Arte Contemporânea (FIAC) de Paris, encerrada no dia 23/10, não tomou conhecimento da crise financeira global que muitos temiam. Pelo contrário, surpreendeu e atraiu um grande número de colecionadores, sendo classificada como "a melhor dos últimos anos". "Esta foi a melhor Fiac", afirmou à AFP, Bernard Prazan, dono da galeria de Paris, Applicat Prazan, pouco antes do fechamento da  feira, onde foram vendidas obras cujos preços atingiram milhões de euros.   "Levando em conta tudo o que está acontecendo no mundo e a volatilidade financeira, esta Fiac teve grande êxito", disse Elliot McDonald, da galeria Pace, de Nova York. "O mais interessante foi a grande variedade de nacionalidades dos colecionadores", completou em entrevista à AFP.   A FIAC 2011 aconteceu simultaneamente em dois espaços, o museu do Grand Palais e o Pátio Quadrado do Louvre, onde foram expostas obras de 21 países estrangeiros, entre eles Estados Unidos, Alemanha e Itália. O Brasil foi representado através de  três galerias paulistas: Luciana Brito, Luisa Strina, e a Vermelho.    Picasso, Atlan, Louise Bourgeois, Joan Mitchell, Jean-Michel Basquiat, Kirchner, Magritte, Calder, Eric Baudart, Didier Marcel, Pierre Bismuth e  Daniel Firman foram alguns dos artistas expostos. Entre os brasileiros destacam-se Marina Abramovic, Lucas Bambozzi, Eder Santos, Caio Reisewitz , Regina Silveira, Rosângela Rennó, Marcelo Cidade, Cia. De Foto, Chelpa Ferro, Pedro Motta e Marepe.   Apesar de a FIAC continuar sendo um mercado sobretudo europeu, os colecionadores da China representaram 33% das compras do mercado de arte, passando Nova York e Londres, que também aumentaram participação na FIAC este ano, disseram os organizadores do evento. Feira Internacional de Arte Contemporânea (FIAC) - Paris Museu do Grand Palais/Pátio Quadrado do Louvre 18-21 de outubro http://www.fiac.com/     Fonte: Agência de Notícias AFP e FIAC.  Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=313 O Palacete das Artes - Rodin Bahia recebe até 13 de novembro a exposição Pele, a cor de cor, da fotógrafa Alba Vasconcelos. A mostra expressa a beleza da pele negra, o universo fascinante das luzes, cores e contrastes misturados ao corpo humano.   Pele, a cor de cor reúne ao todo 21 fotografias e imagens de mulheres fortes e profissionais engajadas na nossa sociedade. São jornalistas, estudantes, empresárias e modelos fotografadas para esta exposição, um trabalho que Vauluizo Bezerra, artista plástico, expressou como de “uma delicadeza que percorre de modo exploratório as demarcações próprias do olho feminino”.   Alba tem uma trajetória nas artes que inclui as premiações em 1990 e no ano passado, da Bienal do Recôncavo, e o prêmio da Bienal FotoBahia, no Museu de Arte Moderna. Ela participou da exposição Contemporary Art of Brasil em San Francisco (2000) e da exposição comemorativa do Ano da França no Brasil (2009) na Galeria Canizares, em Salvador, entre outras . Apresentou suas fotografias ainda na Coletiva Artes e Filantropia (2006), na mostra individual “ Retratos” e em 2010, em São Félix, uma exposição individual no Centro Cultural Danneman. Pele, a cor de cor - Salvador até 13 de novembro Palacente das Artes - Rodin Bahia www.palacetedasartes.ba.gov.br Fonte: Dimus, Palacete das Artes   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=312 A Fundação Joan Miró apresenta em Barcelona uma vasta retrospetiva da obra do pintor catalão. A exposição Joan Miró. La escalera de la evasión (A escada da evasão),  reúne 170 obras de Miró, entre pinturas, esculturas e ilustrações, que manifestam o compromisso do artista com o tempo em que viveu.    A exposição, mais importante do artista realizada em Espanha nos últimos 20 anos, reúne obras de colecções públicas e privadas de todo o mundo, e foi organizada em conjunto com a Tate Modern de Londres e a National Gallery of Art de Washington, com um orçamento que rondou um milhão de euros.    La escalera de la evasión é uma panorâmica completa da obra de Miró que ressalta a importância do seu lugar de origem, de como este influenciou a sua obra.    Esta exposição, previamente exposta na Tate Modern, onde foi visitada por 303.000 pessoas, surge agora em Barcelona, não se assinalando grandes diferenças na sua apresentação. La escalera de la evasión é um dos acontecimentos artísticos do ano e, por isso, será acompanhada de jornadas académicas, de itinerários turísticos pela Barcelona de Miró e até de outras exposições, como “Joan Miró. Carteles de un tiempo, de un país”, no Museu d’Història de Catalunya.    Depois da escala em Barcelona a mostra viajará para a National Gallery of Art de Washington, onde poderá  ser visitada a partir de Maio de 2012.     Joan Miró. La escalera de la evasión - Barcelona 6/10/2011 - 18/03/2012 Fundação Joan Miró www.fundaciomiro-bcn.org     Fonte: elpais, fundação joan miró Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=311 Esta em cartaz  em São Paulo a exposição Nelson Leirner 2011-1961=50 anos, que traz mais de 40 obras do artista plástico. A mostra é uma retrospectiva do trabalho de Leirner, com destaque para a inédita instalação "Um, nenhum e cem mil", que reúne trabalhos dos últimos 15 anos.   A exposição tem curadoria de Agnaldo Farias e abarca três momentos decisivos da trajetória de Leirner. O primeiro aborda os anos iniciais do artista, dedicados à pintura e desenho. Após se concentra o período entre 1965 e 1994, em que ele troca a criação pela apropriação e cria happenings e instalações. Na mesma época, a cultura popular brasileira cresce como fonte de inspiração em seu trabalho.   Por fim, a exposição aborda a fase pós-1994, marcada pela utilização de objetos industriais. Desde 2000 ele tem se apropriado de forma bem-humorada de imagens artísticas clássicas como a Mona Lisa, de Da Vinci, e a Fonte, de Marcel Duchamp. A exposição tem entrada gratuita e fica aberta até o dia 6 de novembro na Galeria de Arte do Sesi-SP (Av. Paulista, 1.313).   Nelson Leirner 2011-1961=50 anos até 06 de novembro Galeria de Arte do Sesi-SP http://www.sesisp.org.br Fonte: G1, SESC   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=310 Esta em cartaz em Londres no Royal Academy of Arts a exposicão: Degas and the Ballet: Picturing Movement, que a exibe a paixão de Edgar Degas pela dança e pelo trabalho prático das bailarinas.  É como artista que Degas as observava, desenhando-as sob os mais variados ângulos e acabando por apreender o que o obcecava: o movimento.   Com curadoria de Richard Kendall, a exposição revela a inventividade de Degas e a forma como este integrou as técnicas do cinema e da fotografia ao seu trabalho de pintor. São mais de 85 obras produzidas entre 1870 e 1912, ano em que o artista francês parou de trabalhar devido a cegueira. Além das pinturas e esculturas, a mostra inclui algumas fotografias tiradas pelo próprio Degas.   Edgard Degas é um dos artistas mais admirados do século XXI. O artista francês é geralmente classificado como impressionista, mas sua obra ultrapassa as categorias da história da arte por seu caráter vanguardista.    Degas and the Ballet: Picturing Movement - Londres 17 de setembro a 11 de dezembro Royal Academy of Arts www.royalacademy.org.uk     Fonte: rac, euronews   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=309 A Galeria ACBEU oferece uma ótima oportunidade para o público conferir como anda a produção contemporânea de uma nova geração de pintores baianos. A exposição Pintura Nova, em cartaz até 29 de outubro, apresenta, trabalhos inéditos de Álvaro Machado, Ananda Nahu, Andréa May, Andrés Rubio, Fábio Magalhães, Igor Souza, Izolag, Mike Sam e Naara. Com curadoria de Justino Marinho, o propósito da exposição é refletir sobre a pintura como parte ou meio fundamental na arte contemporânea. Os artistas foram escolhidos após observações das linhas de trabalho e acompanhamento do movimento artístico baiano. O resultado são nove pinturas em grandes formatos, Cada um com seu estilo e tema, uns figurativos como Naara, Mike Sam, Amanda Nahu e Izalog; outros abstratos, Andrés Rubio, Igor Souza e Álvaro Machado; surrealista pop, como HumanAnimals de Andrea May, e hiper-realista, como Fábio Magalhães.   Pintura Nova – Salvador 14 a 29 de outubro Galeria ACBEU – Corredor da Vitória www.acbeubahia.org.br Fonte: atarde, acbeu  Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=308 Vitória é a primeira capital do país a receber a exposição inédita Modigliani: Imagens de uma vida, que reúne obras do artista italiano Amedeo Modigliani.   A mostra internacional traz 188 pinturas em óleo, esculturas em bronze, desenhos, documentos e outros itens do acerto do Instituto Modigliani, situado em Roma. Ela pretende traçar um panorama entre a vida do artista e sua obra, que marcou novas formas na pintura — e na qual se veem quase sempre mulheres, muitas delas suas amantes.   A realização da mostra internacional em Vitória abre oficialmente as comemorações do Ano da Itália no Brasil. Após a temporada no Espirito Santo, a exposição fará um circuito por mais duas capitais: Em janeiro de 2012, vai para o Rio (Museu Nacional de Belas Artes) e em abril chega a São Paulo (Masp).       Modigliani: Imagens de uma vida - Vitória 18 de outubro a 18 de dezembro de 2011 Salão Afonso Brás, no Palácio Anchieta  www.palacioanchieta.es.gov.br   Fonte: G1, Bravo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=307 Uma retrospectiva da obra do artista plástico e fotógrafo brasileiro Vik Muniz, com cerca de 100 trabalhos desde os anos 1980 até à atualidade, esta em cartaz no Museu Colecção Berardo, em Lisboa.   VIK é a maior retrospetiva do artista plástico brasileiro até à atualidade e apresenta ao público icones como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor e Monalisa. Na suas obras, é comum o uso de materiais inusitados: calda de chocolate, pasta de amendoim, caviar e diamantes, são utilizados para recriar grandes mestres da fotografia e da pintura. O resultado são imagens surpreendentes, que parecem a um só tempo familiares e estranhas.   A exposição - que ficará em cartaz até 31 de dezembro resulta de uma co-produção entre o Museu Colecção Berardo e o Estúdio Vik Muniz, em Nova Iorque, onde o artista está radicado há 25 anos. Antes de chegar a Lisboa, VIK passou pelo Rio de Janeiro (no MAM), por São Paulo (MASP), por Nova Iorque (no MoMA), Miami (Miami Fine Arts Museum), México e Canadá.   Vik Muniz, nasceu em São Paulo em 1961, e vem desenvolvendo um trabalho como fotógrafo, desenhista, pintor e gravador. Estudou publicidade na Fundação Armando Álvares Penteado, em São Paulo, e mudou-se em 1983 para Nova Iorque, onde passou a viver e a explorar materiais menos habituais nos seus trabalhos de artes plásticas e fotografia.   VIK - Lisboa até 31 de dezembro Museu Colecção Berardo http://www.museuberardo.pt/   Fonte: Eurorews, Museu Colecção Berardo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=306  A Caixa Cultural Salvador recebe, até 22 de novembro, a exposição de Marcelo Grassman, que reúne 60 gravuras do artista plástico paulista. Dentre as técnicas utilizadas pelo artista estão a xilografia, litografia e gravura em metal. Em suas obras, figuram damas, cavaleiros, crustáceos e mamíferos.   O curador da exposição, Antônio Carlos Abdalla, observa que Grassmann é criador de vasta obra e, por isso, tem sido constantemente reconhecido como um dos nomes mais importantes da gravura, em mais de 60 anos de contínua e intensa atividade. "A visibilidade nacional e internacional, que o artista experimenta é justa e merecida."   Detentor de importantes prêmios nas Bienais de São Paulo, Veneza e Paris, Marcelo Grassman participou de quase 500 exposições coletivas e individuais. Paulista de São Simão, Grassmann residiu em Salvador, nos anos 1950 e 1960. Neste período, trabalhou com Mario Cravo Neto e conheceu sua primeira mulher, a búlgara Sonya Grassmannm, também uma importante pintora.     Sombras e Sortilégios - Marcelo Grassman até 22 de novembro Caixa Cultural Salvador wwww.caixacultural.com.br Fonte: Caixa Cultural, Ibahia Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=305 A primeira exposição individual de Mariko Mori no Brasil tem sido um grande sucesso. Após passar por Brasília e Rio de Janeiro, onde atraiu mais de 300 mil visitantes, a mostra Oneness permanece em cartaz até 16 de outubro no Centro Cultural Banco do Brasil em São Paulo.    Sob a coordenação e curadoria de Nicola Goretti, a exposição é um passeio pela trajetória de  uma das artistas orientais mais famosas no lado de cá do globo. Oneness revela desde os primeiros trabalhos de Mariko, realizados em 1995, até os mais atuais entre instalações, vídeos, fotografias e desenhos.   Para compor sua arte de vanguarda, Mariko Mori inspira-se no conceito budista de conexão entre todos os elementos do universo e utiliza o design, a interatividade e a computação gráfica como forma de expressão. A principal atração da mostra é Wave UFO. Uma nave espacial que pesa seis toneladas e comporta três visitantes por vez. A obra lê e traduz as ondas cerebrais do espectador em figuras, que são projetadas em seu casco.   Com formação em design de moda, no Japão, e artes, no Chelsea College of Art & Design, em Londres, e no Whitney Museum of American Art’s Independent Study Program, em Nova York, Mariko Mori tem obras em acervos de importantes instituições. Seus trabalhos fundem arte e tecnologia, Budismo e a ideia de uma consciência espiritual universal.   Oneness - Mariko Mori | São Paulo até 16 de outubro Centro Cultural Banco do Brasil www.ccbb   Fonte: dasartes, madeinjapan Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=304 Uma exposição em Paris lança um olhar moderno sobre a obra de Edvard Munch. A mostra intitula-se O olho moderno e exibe algumas raridades, entre pinturas, desenhos e fotografias do pintor expressionista norueguês. Em cartaz no Centro Pompidou, até 09 de janeiro, a exposição busca ir além da fama de problemático e atormentado de Munch, destacando telas que mostram um interesse em discutir forma e linguagem e uma curiosidade sobre diferentes formas de representação.     Em 12 seções, divididas em nove assuntos, a mostra aborda as compulsões (há seis versões de The sick child e oito de Vampire); a paixão pelo cinema (era um fã das comédias de Charlie Chaplin); seu interesse pelo teatro (era amigo do sueco August Strindberg) e os problemas oftamológicos no final da vida, entre outros.   Edvard Munch é tido como um dos maiores pintores simbolistas do século 19. É considerado, por muitos estudiosos das artes plásticas, como um dos artistas que iniciaram o expressionismo na Alemanha. Ficou bastante conhecido por sua obra emblematica "O Grito"(1893) .   O olho moderno - Paris até 09 de Janeiro Centro Pompidou http://www.centrepompidou.fr     Fonte: Centre Pompidou, o Globo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=303 O Museu de Arte da Bahia recebe, até 06 de novembro, a exposição Pintoras da Primavera de 2011. Obras de 34 artistas brasileiras, entre elas, Tarsila de Amaral, Maria Bonomi, Djanira, além das baianas Ligia Sampaio, Sonia Castro, Márcia Magno compõem a mostra, que integra a 5° Primavera dos Museus na Bahia. São artistas que atuaram nas seis últimas décadas no movimento das artes plásticas do país.   Pinturas, gravuras e desenhos foram selecionados pela curadora Sylvia Athayde, diretora do MAB, a partir do acervo da própria instituição e do Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM-BA). O evento é coordenado pelo Instituto Brasileiro de Museus (Ibram/Minc), que estabelece a relação ‘Mulheres, Museus e Memórias’ no mês da primavera, em âmbito nacional. Pintoras da Primavera de 2011 - Salvador até 06 de novembro Museu de Arte da Bahia - MAB http://dimusbahia.wordpress.com/mostras/ Fonte: Dimus, G1   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=302 Em 2011, ano em que a bienal de São Paulo comemora seus 60 anos, o público brasileiro tem a chance de entrar em contato, pela primeira vez, com alguns dos maiores nomes da arte contemporânea internacional. Em nome dos artistas – Arte contemporânea norte-americana na Coleção Astrup Fearnley, exposição que ocupa o Pavilhão da Bienal até 4 de dezembro, exibe um conjunto de 219 obras do acervo do Astrup Fearnley Museum of Modern Art, de Oslo, na Noruega.   O recorte da coleção apresentado no Brasil traz, no total, obras de 50 artistas norte-americanos, feitas desde a década de 1980 até os dias de hoje. Crescidos e educados no pós-guerra e em meio à cultura do consumo e do espetáculo que se desenvolvia rapidamente nos EUA e se espalhava pelo mundo, esses artistas foram, uns mais, outros menos, confrontados e influenciados pelas ideias relacionadas ao pop, à arte conceitual e à nova crítica. “O caráter pessoal e único de suas abordagens foi classificado como neoconceitual ou arte da apropriação”, explica o curador Gunnar Kvaran   Nomes como Jeff Koons, Matthew Barney, Richard Prince, Cindy Sherman e Damian Hirst por exemplo, estão representados individualmente em grandes séries de obras inéditas no país. Muitas das obras apresentadas devem levantar polemica durante a exposição, uma vaca e um bezerro cortados ao meio e fotos explícitas da ex-estrela pornô italiana Cicciolina são as mais controversas.   A exposição representa um momento importante na história da Bienal. Após a retomada de seu prestígio no Brasil e no exterior – com a realização, em 2010, da 29ª Bienal de São Paulo – a Bienal passa a promover grandes mostras nos anos em que não realiza o seu principal evento.    Arte contemporânea norte-americana na Coleção Astrup Fearnley Pavilhão da Bienal - Pq Ibirapuera - São Paulo Até 04 de dezembro http://emnomedosartistas.org.br/   Fonte: das artes, Bienal Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=301 A 11ª edição da Bienal de arte contemporânea de Lyon propõe, até o final de dezembro, uma “longa viagem pelo imaginário", através das obras de 78 artistas provenientes de 25 países. A presença de brasileiros é marcante. Ao todo são nove artistas, de diferentes gerações, que oferecem ao público francês uma pequena mostra da arte contemporânea nacional. O projeto curatorial elaborado pela argentina Victoria Noorthoorn,  “fala de uma só vez da incerteza do presente e de um futuro próximo, do status do artista no mundo atual e da necessidade absoluta da arte manter-se aberta a dúvida, a contradição e confusão, a mudança e ao movimento”, comenta Noorthoorn. Sob o tema Uma Terrível Beleza Nasceu e com mais de 200 obras expostas de artistas vindos principalmente do Leste Europeu, África e América Latina, a curadora esclarece que “os artistas da exposição foram selecionados como indivíduos e por sua capacidade de diálogo com outros artistas da mostra e não como representantes de seus países ou regiões de origem”. Apesar disto, é difícil não destacar o time de artistas brasileiros selecionados, composto por Lenora de Barros, Augusto de Campos, Cildo Meireles, Arthur Bispo do Rosario, Laura Lima, Erika Verzutti, Lucia Koch, Daniela Thomas e Jarbas Lopes, que expõem suas obras nos mais de 13.000m², espalhados por quatro espaços da cidade francesa. Este não é o primeiro  desafio profissional internacional encarado por Noorthoorn, que em 2006 já foi curadora geral da Bienal de Arte de Pontevedra, Espanha, e em 2009, da 7 ª Bienal do Mercosul, em Porto Alegre, além de ter organizado numerosas mostras em seu  país.   Cerca de 200.000 pessoas visitam cada edição da Bienal de arte contemporânea de Lyon, criada em 1991, onde, viajam três mil curadores, críticos e colecionadores para as exposições e  Jornadas Profissionais.  O público tem até 31 de dezembro para conferir o grande evento.   Bienal de arte contemporânea de Lyon  15 de setembro a 31 de dezembro Lyon- França www.biennale-de-lyon.org   Fonte: Euronews , Bienal de Lyon       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=300 Histórias e recordações da infância é o que o público soteropolitano encontra ao visitar a exposição Momentos - Esculturas em cerâmica, da artista Consuelo Radclyffe. Em cartaz até 06 de novembro, a exposição da baiana radicada em Londres, apresenta 14 esculturas confeccionadas em cerâmica, que retratam a infância da artista.   Suas figuras infantis, elaboradas a partir de materiais como argila, arame e outros objetos coletados, carregam sempre um semblante melancólico, são expressões da dor da rejeição e da exclusão. Esses sentimentos muitas vezes entram em choque com balanços, pipas e bicicletas: representações típicas do universo infantil presentes em suas esculturas. É interessante perceber que o que ela faz através do trabalho é contar histórias, o que envolve inclusive a construção do ambiente onde se passam e a criação dos figurinos que vestem os seus personagens.   Consuelo Radclyffe estudou na Universidade de Westminster e concluiu uma especialização na Camberwell University. Desde então, tem realizado exposições em Londres e em Glasgow, na Escócia, e conta com reconhecimento e destaque de sua obra em algumas revistas de arte londrinas. Saiba mais no site da artista: http://www.consueloradclyffe.com/   Momentos - Esculturas em cerâmica | Salvador até 06 de novembro Caixa Cultural www.caixacultural.com.br   Fonte: Terra, Caixa Cultural Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=299 Para comemorar seu 10º aniversário, o Museu de Arte Latino Americano - MALBA, organizou uma grande retrospectiva  com obras do seu acervo. Entre os destaques estão obras de Tarsila do Amaral, Diego Rivera, Frida Kahlo e Candido Portinari. Incluindo o quadro Abaporu,  que simboliza o movimento antropofágico, do modernismo brasileiro.    A  curadoria elaborada por Marcelo Pacheco, curador-chefe do Malba, apresenta ao público um roteiro que vai desde o surgimento da  avant-garde na América Latina,  algo em torno de  1910, até as últimas tendências emergentes da primeira década do século XXI.   "A proposta é um dos muitos olhares quanto possível sobre a história da arte moderna e contemporânea da América Latina, que surgiu a partir da combinação de artistas e obras mais representativas que traz acervo do museu e trama de propostas artísticas que caracterizaram a maior parte do destaques escolhido corte cronológica ", diz Pacheco.   Esta exposição busca retratar os contrapontos artisticos em países como Argentina, Uruguai, Brasil, Venezuela, México, Cuba, Colômbia e Chile, pondo em circulação novas leituras e re-escritos de arte latino-americana. Quem estiver por Buenos Aires pode visita-la até 6 de fevereiro. Arte latinoamericano 1910 - 2010 21 de setembro a 6 de fevereiro  Museu de Arte Latino Americano www.malba.org.ar Fonte: MALBA, BBC     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=298 Após passar por São Paulo, a primeira grande mostra individual de um dos mais emblemáticos nomes da arte no século XX chega Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Louise Bourgeois: O Retorno do Desejo Proibido apresenta ao público 113 obras, dentre desenhos, objetos, pinturas, esculturas e instalações, produzidas no período de 1942 a 2009, pela artista franco-americana, nascida em Paris em 1911 e que faleceu em maio do ano passado, aos 98 anos, em Nova York. Com curadoria de Philip Larratt-Smith, a exposição tem como destaque “Maman” (1999) uma imensa aranha de bronze e aço, com ovos de mármore. Com cerca de dez metros de altura, dez metros de diâmetro, e pesando perto de onze toneladas. Devido a sua escala monumental, a obra ficará na área externa do museu, no Parque do Flamengo.    A curadoria buscou vincular a obra de Bourgeois a alguns dos conceitos mais importantes da psicanálise, onde está um arquivo inédito, com mais de mil folhas de papel com correspondências e escritos da artista, de 2004 e 2010, em que ela compartilha traumas e desejos de cura. Composto de notas, registros de sonhos e anotações para esculturas, este repositório de textos, escritos no período em que a artista fez psicanálise, complementa os diários que manteve durante toda a vida. Segundo Larratt-Smith, os trabalhos de Bourgeois são formas que ela encontra para relacionar equivalentes plásticos a estados psicológicos.   "Todas as obras foram escolhidas para destacar a persistente presença da psicanálise como força inspiradora e espaço de exploração em sua vida e obra”, diz o curador. Os textos confirmam ainda a centralidade da memória no processo criativo da artista. A exposição pode ser conferia até o dia 13 de novembro. Louise Bourgeois: O Retorno do Desejo Proibido 16 de setembro à 13 de novembro Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro www.mamrio.org.br Fonte: MAM-RJ, Terra   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=297 Finalmente, chega à cidade um dos mais importantes trabalhos do pernambucano José Paulo, representado em Salvador pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte. Na exposição individual Retratos e Auto-Retratos, aberta no último dia 15 de setembro, no espaço do Centro Cultural dos Correios, 30 trabalhos representam a fase mais atual da produção desse artista. Os usuais objetos e esculturas que permeiam sua poética dividem agora espaço com uma pesquisa pictórica que encontra solução também na fotografia, desenho, pintura e vídeo. A mostra fica em cartaz até o dia 29 de outubro.   Retratos e Auto-Retratos é dividida em diferentes agrupamentos de trabalhos, com obras de arte realizadas com técnicas diversas. O primeiro é dedicado à fotografia, com a representação de amigos, parentes assim como o próprio artista, através das imagens de envelopes de remédios por eles consumidos e imagens de objetos do dia a dia.   Nestes trabalhos, um dos mais provocativos da carreira de José Paulo, ele explora a visualidade do objeto em sua composição real, provocar uma transfiguração dos remédios para a pintura, e buscando, pela ampliação, perceber os conteúdos pictóricos neles existentes: luz e sombra, cheios e vazios, variações cromáticas e de composições. A exposição procura estabelecer vínculos entre a concepção histórica do retrato e uma possibilidade ampliada de criar diferentes caminhos nesta categórica representação. A retratação pretendida não busca expor as  necessidade fisiológicas ou neurológicas dos retratados, mas sim o universo formal presente nessas embalagens - as cores, os formatos e os materiais empregados.   Em outro espaço, com 40 desenhos em grafite sobre papel representam copos de diversas formas (copos de crianças, plásticos, descartáveis, de designers, ordinários, sofisticados), sugerindo a mesma associação, na relação entre os seres humanos e os objetos que utilizam.    Em seguida, José Paulo elabora sete objetos em madeira e espelho, num conjunto entitulado Espelhos para Auto-Retratos. São espelhos de formatos diferentes entre si que foram cortados e foram reduzidos a 3cm de espelhos, provocando no público a dificuldade de se refletir com inteireza.    O último trabalho da exposição é um vídeo (Retrato de Van Gogh com Orelha Cortada), que apresenta um copo com água onde vai sendo depositado lentamente vários comprimidos de vitamina C efervescente.    O artista Nascido em Recife em 1962, José Paulo vem nos últimos anos construindo uma carreira sólida e ascendente. Foi um dos poucos artistas brasileiros convidados para a Décima Bienal de Havana em 2009 e, em 2010 apresenta o trabalho Para Nunca Mais Me Esquecer no SESC Pompeia – São Paulo e na Pinacoteca Universitária de Alagoas – Maceió.   Antes, em 2007 apresenta a instalação Quimera  na mostra “Encuentro entre dos Mares – Otras Contemporaneidades – Problemáticas”, na Bienal de Valencia, na Espanha, através de convite dos curadores Kevin Power (Inglaterra) e Tício Escobar (Paraguai). Em 2005 realizou a mostra Repetir, Repetir, Repetir no Museu de Arte Contemporânea de Niterói, e representou Pernambuco juntamente com outros artistas, na exposição Territoires Transitoires ocorrida em Paris no ano Brasil-França. No ano de 2004 participou da Trienal Poli-Gráfica de San Juan em Porto Rico, através de convite do curador colombiano José Ignácio Roca (curador adjunto da Bienal de São Paulo 2006).    Retratos e Auto-Retratos | José Paulo Centro Cultural Correios Salvador  - até 29 de outubro (Praça Anchieta, nº 20, esquina com a rua Inácio Acioli, Pelourinho, Centro Histórico de Salvador) Visitação: de seg a sex, das 10h às 18h; e sáb, das 8h às 12h Informações e agendamento: (71) 3321 6665   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=296 Cerca de 750 fotos de 26 galerias nacionais e internacionais estão expostas na quinta edição da SP-Arte/Foto, no Shopping Iguatemi, em São Paulo. Thomaz Farkas (1924-2011), Marina Abramovic, Geraldo de Barros (1923-1998), Massimo Vitali, Robert Polidori e Lucia Koch são alguns dos artistas da atual edição do evento. Neste ano, a feira trouxe também obras de jovens fotógrafos de sete novas galerias: as paulistanas Transversal, Fauna, Arterix, Central, Lume Photos, Escritório de Fotografias Luiz Porchat e a espanhola Sendas.     "Há anos sofremos forte demanda das galerias por mais espaços na SP-Arte/Foto, que vem crescendo a cada ano desde sua criação em 2007. Este ano conseguimos um espaço maior e pudemos convidar nove galerias a mais para participar. A movimentação se deve ao fato de o mercado de fotografia ter crescido com vigor e despertado o interesse e a cobiça de muitos colecionadores", afirma a diretora da feira, Fernanda Feitosa, no blog da SP-Arte/Foto.  O evento reúne  importantes galerias de arte que trabalham com fotografia e mostram mais de 700 trabalhos, tendo portanto um forte elemento econômico-comercial. A feira movimenta mais de R$ 2 milhões em fotografias. (Dados oficiais da feira). Além da exposição, a SP-Arte/Foto apresenta um ciclo de debates gratuitos organizados pela artista Denise Gadelha e o lançamentos de livros, como "Imita Bichos" (Cosac Naify), escrito por Serguéi Tretiakov e ilustrado por Aleksandr Rodchenko. Para conferir a lista completa de galerias e artistas, assim como a programação da feira, acesse o site oficial do evento: http://sp-arte.com   SP-Arte/Foto -  São Paulo 14/09 à 18/09 http://sp-arte.com     Fonte: SP-Arte/Foto, O Globo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=295 O Museu de Arte Moderna da Bahia, em parceria com o Instituto Cervantes, inaugura na próxima segunda, 19/09 às 19h, a exposição Dez anos de fotografia espanhola contemporânea - Coleção Fundação Coca-Cola, reunindo alguns dos principais artistas espanhóis dos últimos dez anos.   A mostra contará com a participação de 26 artistas, que expõem no total 33 obras, que investigam diversas possibilidades da imagem dentro da arte . A curadora Lorena Martínez de Corral tem por objetivo mostrar a abordagem destes artistas frente ao mundo, e as visões que resultam de tal contato. "Não se trata de mostrar características próprias de um país, mas sim de confrontar diferentes interpretações forjadas nos universos próprios de artistas com as interpretações que os espectadores de outro país têm de uma realidade que a cada dia é mais e mais comum", declara Lorena no texto de apresentação da exposição.   Segundo Stella Carrozzo, diretora do MAM-BA, “o público local terá esta possibilidade de perceber distintos olhares, comparando a forma como múltiplas percepções encontram meios de responder simbolicamente a diferentes realidades. Esta mostra traz um significativo recorte da produção contemporânea espanhola, e evidencia as aproximações e distanciamentos entre a produção artística brasileira e espanhola, apesar das mais óbvias, e sutis, diferenças entre as duas realidades”.   Dentre os artistas que terão trabalhos expostos estão Santiago Sierra, Lara Almárcegui, Tere Recarens, Pablo Genovés, Maider López, Félix Curto, entre outros.A exposição que permanece no MAM-BA até 20/11, possui caráter itnerante e já esteve em cartaz no Rio de Janeiro e em São Paulo.      Dez anos de fotografia espanhola contemporânea - Coleção Fundação Coca-Cola | Salvador 19 de setembro à 20 de novembro Museu de Arte Moderna da Bahia www.mam.ba.gov.br     Fonte: mam-ba, instituto cervantes Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=294 Está acontecendo no Museu do Cinema de Berlim a exposição Entre Cinema e Arte, que reúne  pela primeira vez no país 80 anos de cinema contados pela montagem de storyboards.   Para quem não conhece, os storyboards funcionam  como roteiros desenhados, com ilustrações e imagens em sequência, semelhantes às histórias em quadrinho, que servem para ajudar na pré-visualização do filme.   Os primeiros storyboards surgiram na década de 1920, mas quem desenvolveu essa técnica da forma como a conhecemos hoje foram os estúdios Walt Disney no começo da década seguinte. O primeiro filme a ter um storyboard completo foi Os Três Porquinhos, em 1933.Já o primeiro filme de ficção totalmente concebido com storyboards foi E o Vento Levou, de 1939. O clássico hollywoodiano também faz parte da mostra.   Além de O Vento Levou e de Os Três Porquinhos, a exposição contém storyboards de outras importantes obras do cinema, como por exemplo:  Os Pássaros (Hitchcock); Taxi Driver (Scorsese) e Inteligência artificial (Spielberg).  Entre Cinema e Arte fica em cartaz no Museu do Cinema de Berlim até 27 de novembro.   Entre Cinema e Arte - Berlim até 27 de novembro Museu do Cinema de Berlim Fonte:dw-world, Brasil-Alemanha news Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=293 De setembro a novembro Porto Alegre abriga um dos principais eventos de arte contemporânea da América Latina, a Bienal do Mercosul.  Em sua oitava edição, sob o título "Ensaios de Geopoética, a Bienal ocupa diversos locais da cidade  - os Armazéns do Cais do Porto, o Santander Cultural, o Museu de Arte do Rio Grande do Sul e alguns espaços ao ar livre da capital gaúcha.   Com curadoria geral do colombiano José Roca a exposição é dividida em sete núcleos e reúne um total de 105 artistas de 31 países, principalmente da América Latina. Entre os destaques estão nomes como: Cao Guimarães, Coco Fusco, Carlos Vergara, Regina Silveira, Anna Bella Geiger, Nick Rands, Gal Weinstein, entre outros. Confira aqui a lista completa.   Esta edição se propõe a uma dupla missão: refletir sobre o espaço, questionando as formas tradicionais de representação dos territórios, e transcender o período de exposições, deixando de ser um megaevento que se encerra nos dois meses de visitação. Em suas primeiras declarações como curador-geral da 8ª Bienal do Mercosul, José Roca disse que desejava "desmitificar a ideia de que o evento seria um espetáculo misterioso, como se alguém simplesmente abrisse a cortina de um teatro para mostrar a peça pronta". Após a abertura da mostra Roca acredita que a equipe de curadores conseguiu criar uma "comunidade em torno do projeto".   Além do grande número de exposições, a 8º Bienal do Mercosul reúne uma série de eventos paralelos na cidade, incluindo performances, residências artísticas, cursos, workshops e seminários.Para saber mais sobre o evento basta acessar o site ou o blog oficial da mostra.      8ª Bienal do Mercosul - Porto Alegre 10 de setembro a 15 de novembro Divesos espaços da cidade www.bienalmercosul.art.br     Fonte: Bienal, Zero Hora Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=292 A exposição Imagens Humanas, em cartaz , na Caixa Cultural Salvador, até 23 de outubro, é uma ótima oportunidade para o público conferir o trabalho do fotógrafo João Roberto Ripper, que em seus 35 anos de carreira sempre colocou a fotografia a serviço dos Direitos Humanos.   "Poucas imagens são tão radicalmente humanas quanto as fotografias produzidas por João Roberto Ripper. Elas são frutos de um olhar humanista sobre os muitos territórios que integram nosso país e constituem um vigoroso painel fotográfico do povo brasileiro", declarou o curador da exposição Dante Gastaldoni.   Com coordenação de Mariana Marinho, a mostra exibirá 70 ampliações selecionadas do arquivo de mais de 150 mil fotos de Ripper.Para fazer um recorte do enorme acervo do fotógrafo, a exposição foi dividida em cinco módulos temáticos: Amor, Alegria, Dor, Superação e Liberdade. Os ensaios que marcam a documentação fotográfica de Riper - índios, carvoeiros, trabalho escravos, etc.- reaparecem caracterizados por sentimentos que transbordam de suas fotos e que conduzem o fotógrafo em sua busca por um mundo socialmente mais justo.   O fotógrafo João Roberto Ripper é formado em jornalismo e já teve seus trabalhos publicados em grandes veículos de comunicação no  Washington Post, New York Times, Le Mond, Herald Tribune, Revista Marie Claire, Revista Caros Amigos, Revista Domingo (Jornal do Brasil), Revista Sem Fronteiras, entre outros.   Recebeu diversos prêmios pelos seus trabalhos, como Prêmio Interpresphoto, Prêmio Waldimir Herzog, Prêmio Nacional de Fotografia da Fundação Nacional de Arte e do Instituto Nacional de Fotografia, Prêmio Agenda Latino-americana, João Canuto – Homenagem da organização “Humanos Direitos”, Prêmio Marc Ferrez, entre outros. O fotógrafo publicou os livros “Imagens Humanas” e “Retrato Escravo”. Além disso, coordena escolas e workshops de fotografia e faz projeções e palestras em favelas, áreas rurais e quilombolas. Imagens Humanas - João Roberto Ripper | Salvador até 23 de outubro Caixa Cultural www.caixacultural.com.br Fonte: Caixa Cultural, A Tarde   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=291 Uma exposição em Berlim apresenta a retrospetiva da obra do famoso mestre japonês Katsushika Hokusai, nascido em 1760 e considerado por muitos como o  "pai do manga".   A exposição reúne mais de 400 obras do artista, dos trabalhos de juventude à sua fase mais madura, incluindo sua obra mais famosa a "Grande Onda de Kanagawa" pintada na década de 20 do século XIX. Está é a primeira de uma série de 36 xilogravuras realizadas por Hokusai em homenagem ao Monte Fuji, no Japão.   Segundo o curador da mostra, Seiji Nagata: "As poucas exposições em homenagem a Hokusai que foram organizadas em diferentes partes do mundo, só mostraram as imagens mais famosas do artísta, mas a atual exposição reúne toda a variedade da produção artista ao longo de 70 anos, começamos com os trabalhos de quando ele tinha 20 anos".   Katsushika Hokusai morreu em 1849, aos 88 anos tendo trabalhado até o fim de seus dias. Sua obra nfluênciou diversos artistas europeus como Gauguin, Van Gogh e Monet. A exposição pode ser visitada no museu Martin-Gropius-Bau, em Berlim, até 26 de outubro.   Hokusai - Retrospectiva | Berlin até 26 de outubro Martin-Gropius-Bau Berlin www.museumsportal-berlin.de     Fonte: Euronews, Berlinerfes   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=290 Uma versão internacional da mostra De dentro para fora / De fora para dentro, que em 2009 e 2010 levou mais de 140 mil visitantes ao MASP, pode ser vista em São Paulo até 23 de dezembro. De dentro e de fora, que está em cartaz no Museu e imediações desde 17 de agosto, traz ao Brasil alguns dos mais importantes nomes da arte urbana mundial, vindos dos Estados Unidos, Argentina, República Tcheca e França.   Iniciativa do curador do MASP Teixeira Coelho, a mostra tem curadoria especial de Baixo Ribeiro, Eduardo Saretta e Mariana Martins e utiliza a arquitetura do MASP como base para o graffiti, fotografia, vídeo, escultura, pintura, muralismo, colagem e instalações.    A curadoria foi especialmente cuidadosa na escolha e no desenvolvimento de cada projeto de cada artista. Destaque em seus países e com reconhecimento internacional, os oito convidados são artistas multimídia que transitam por diferentes linguagens: instalações, pintura, animação, escultura ou desenho.  “Convidamos artistas capazes de expandir a experiência do público para além da plasticidade nessa exposição. Queríamos que o público pudesse aumentar sua participação e interação com a arte apresentada”, diz Baixo Ribeiro.   Os franceses Remed, JR e Invader, o tcheco Point, os argentinos Tec, Defi e Chu e a norte-americana Swoon estiveram em São Paulo por cerca de um mês para desenvolver suas instalações e obras no MASP e vias próximas. Entre os convidados especiais que realizam intervenções durante o período da exposição está o coletivo BijaRi, único grupo brasileiro participando da mostra. De dentro e de fora - São Paulo até 23 de dezembro Museu de Arte Moderna de São Paulo - MASP www.masp.art.br Fonte: Masp, Bravo     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=289 Alice Vinagre vem se destacando na arte brasileira contemporânea desde a década de 80. Com trabalhos que utilizam diferentes meios de expressão, tais como  pintura, desenho e colagem, a artista  paraíbana, radicada em Pernambuco, tem construído ao longo de sua carreira, um potente e expressivo universo poético e imagético.   Em sua mais recente exposição, em cartaz no Recife, Alice apresenta ao público a força do seu trabalho através da instalação pictórica Anotações Sobre Pintura.  Iniciada em 2008, a série está atualmente em sua quarta versão e conta com 90 quadros formando um grande quebra-cabeças, que cobre desde o inicio do mês de agosto, as paredes da Galeria Marcantônio Vilaça, no Santander Cultural.   Quase todas as obras apresentadas no espaço são em tons de azul, cor que acompanha a artista pelo menos desde o final da década de 90. As primeiras obras faziam referência a azulejos, já as mais recentes, trazem elementos circulares que podem lembrar colares, redes e tramas.    Com curadoria de  Fernando Cocchiarale, a instalação revela um intenso tempo de pesquisa sobre a pintura, demarcando uma predileção de fundos monocromáticos com presença sobreposta de formas circulares e orgânicas, interligadas, que favorecem transmutações a partir de sua reordenação modulada. A cada versão, o projeto se transforma, os mesmos quadros individuais passam a ser percebidos de outras formas a partir da disposição coletiva deles, constituindo painéis passíveis de distintas impressões.    Conheça algumas obras de Alice Vinagre, uma das artistas representadas em Salvador pela Fabio Penal Cal Galeria de Arte, visitando o espaço "Artistas" do  nosso site, ou acessem o seu site pessoal: http://www.alicevinagre.com.br/     Anotações Sobre Pintura - Alice Vinagre | Recife até 25 de setembro Santander Cultural http://www.santandercultural.com.br     Fonte: Diario de Pernambuco, Santander Cultural   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=288 Quem estiver pelo Rio de Janeiro tem até 18 de setembro para conferir obras pouco conhecidas de um dos mestres da pintura brasileira na exposição  Di Cavalcanti – do Desenhista ao Pintor em cartaz no Centro Cultural Correios.   Com curadoria de  Jacqueline Finkelstein e Romaric Büel, a mostra reúne 108 desenhos , 6  pinturas a óleo, alguns croquis originais  e 11 joias criadas por Di Cavalcanti, a pedido do amigo e joalheiro, Lucien Finkelstein, também criador do Museu Internacional de Arte Naïf do Rio de Janeiro.   As obras apresentadas ao público, na exposição do Centro Cultural Correios, faziam parte da coleção particular de Finkelstein, falecido em 2008, e revelam a variedade de estilos e tecnicas do pintor brasileiro. Entre os destaques estão as pinturas: Mulher do chapéu amarelo (1964), Retrato de Ivette (1968/9), Mulata com casario (1963) e Carnaval (sem data).   Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, mais conhecido como Di Cavalcanti, foi um pintor, ilustrador e caricaturista brasileiro. Nascido no Rio de Janeiro, em 1897, foi o idealizador e um dos organizadores da Semana de Arte Moderna de 1922 ao lado de Mário de Andrande, Oswald de Andrade, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti entre outros grandes nomes.   Conviveu na Europa com mestres da pintura como Picasso, Braque, Matisse e Léger. Suas obras mais conhecidas abordam principalmente temas nacionais, com grande presença dos trabalhadores e das festas populares.   Di Cavalcanti – do Desenhista ao Pintor   até 18 de setembro Centro Cultural Correios http://www.correios.com.br     Fonte: Centro Cultural Correios       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=287 A Caixa Cultural Salvador costuma reunir boas exposições em seu espaço. Atualmente um dos destaque é a mostra Cor e Luz, que reúne cerca de 92 obras, entre aquarelas, xilogravuras e gravuras, realizadas entre 2006 e 2011, pela artista carioca  Renina Katz,  considerada uma importante referência da arte moderna no Brasil.   Renina Katz cursou a Escola Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro;  influenciada pelo expressionismo, começou sua carreira nos anos 1940, dedicando-se à pintura de retratos e paisagens cariocas. Na década seguinte, quando se muda para São Paulo, sua obra começa a apresentar preocupações sociais, com caráter de denúncia: o mundo dos trabalhadores urbanos e dos marginalizados, como nas várias gravuras com retirantes ou no álbum Favelas, 1956. Nos anos 1960, os temas ligados ao realismo social são abandonados, pela arte abstrata e nos 1980, surgem as superfícies translúcidas que a tornariam conhecida.     Katz dedicou grande parte da vida à gravura, gênero no qual é um dos ícones do país. Problemas de saúde, contudo, obrigaram a artista de 84 anos a abandonar a técnica e dedicar-se cada vez mais as aquarelas. E foi justamente, com uma série de aquarelas, que a artista representou o Brasil na Bienal de Veneza, em 1986.   A exposição Cor e Luz - Aquarelas de Renina Katz tem curadoria de Sérgio Pizzoli e permanece em cartar até 25 de setembro.     Cor e Luz - Aquarelas de Renina Katz | Salvador até 25 de setembro terça a domingo das 09h às 18h Caixa Cultural www.caixacultural.com.br   Fonte: Caixa Cultural, A Tarde Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=286 A exposição O Intervalo Luminoso,  em cartaz  no Museu Guggenheim Bilbao, reúne  obras de mais de 30 artistas procedentes da D.Daskalopoulos Collection, uma das mais importantes coleções  privadas de arte contemporânea do mundo. Na mostra, com curadoria de  Nancy Spector e Katherine Brinson, é possivel ver trabalhos significantes produzidos entre os anos oitenta e noventa, além de obras de jovens artístas. Entre os principais nomes estão: Marina Abramovic (Belgrado, Iugoslávia, 1946), Matthew Barney (San Francisco, EUA, 1967), Damien Hirst (Bristol, 1965), Paul McCarthy (Salt Lake City, EUA, 1945 ) Steve McQueen (Londres, 1969) entre outros destaques das últimas décadas. Representando à arte brasileira está Rivane Neuenschwander (Belo Horizonte, 1967) e seu vídeo Contigent. O título da exposição - O Intervalo Luminoso -  provém de um dos textos do filósofo grego Nikos Kazantzakis (1883-1957), que concebia a vida como o "espaço luminoso intermediário"- no qual a decomposição e a decadência são requisitos necessários para a criação e o renascimento. A mostra, que permanece em cartaz até 11 de setembro, explora esta coexistência de esperança e desespero dentro da condição humana, com especial atenção para conceitos como alienação, trauma, identidade cultural ou o corpo humano.  O Intervalo Luminoso - D.Daskalopoulos Collection até 11 de setembro Museu Guggenheim Bilbao www.guggenheim-bilbao.es Fonte: El Pais, Museu Guggenheim Bilbao   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=284 O Itaú Cultural vai virar rio. Pelo menos essa é a proposta da exposição rio oir, de Cildo Meireles, que fica em cartaz até outubro e leva ao espaço o som e as imagens das correntes de água de quatro rios do Brasil.    Com curadoria de Guilherme Wisnik, o projeto sonoro combina sons de água e risadas humanas captados nas águas da Estação Ecológica de Águas Emendadas, no Distrito Federal; nas cachoeiras de Foz do Iguaçu, no Paraná; no rio São Francisco, no Nordeste; e na pororoca do rio Araguari, no Amapá. Já o projeto cenográfico foi criado pelo curador da ocupação, em parceria com a designer Noni Geiger e apresenta  imagens e vídeos da expedição de Cildo pelo país.   Concebido por Cildo Meireles em 1976, rio oir foi realizado entre os anos de 2009 e 2011 e é pela primeira vez executado e apresentado ao público. A exposição faz parte da série Ocupação do Itaú Cultural que chega em sua 10º edição e já apresentou trabalhos de nomes como: Zé Celso, Paulo Leminski, Haroldo de Campos, Regina silveira, entre outros.   rio oir - Cildo Meireles | São Paulo 21 de agosto a 02 de outubro Itaú Cultural www.itaucultural.org.br Fonte: Itaú Cultural, g1 Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=283 Com sede em Munique, o Urban Art and Media Organização Inc. é um festival de arte que tem como objetivo reunir jovens artistas de diversas areas e experiências.  A edição deste ano se expandiu com UAMO City Tour 2011 e vai acontecer em outras cidades, além de Munique, incluindo:  Amsterdam, Helsinki, Los Angeles, Zurique, Colônia, Breslau, Londres, Rio de Janeiro, até chegar a Salvador.   A edição soteropolitana do evento, que este ano possui o tema Ultra Social, acontecerá no período de 24 a 28 de agosto no Museu de Arte Moderna da Bahia, com a presença dos artistas locais Aline Porto, Elias Wachholz; Lanussi Pasquali e Joãozito.    A abertura será no dia 24 de agosto (quarta) às 19h. Na ocasião, Joãozito gravará depoimentos sobre a iminência do fim do mundo, em 2012. Já a artista Lanussi Pasquali apresentará uma intervenção em pelúcia na área externa do MAM-BA, seguindo suas pesquisas de integração entre obra e público com um tapete vermelho recebendo convidados e visitantes do museu.O casal Elias Wachholz e Aline Porto apresentará uma vídeo-instalação em que o amor é o tema escolhido.   O publico poderá ter acesso ao evento de abertura assistindo à transmissão ao vivo pelo site: www.uamo.info UAMO City Tour 2011 - Salvador 24 a 28 de agosto Museu de Arte Moderna da Bahia www.mam.ba.gov.br www.uamo.info Fonte: MAM-BA, UAMO   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=282 O paulistano Carlito Carvalhosa vive uma ótima fase em sua carreira. Após o sucesso da impressionante A Soma dos Dias na Pinacoteca de São Paulo em 2010, Carlito foi convidado para expor seu trabalho no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), a partir do dia 24 de agosto.    O trabalho que ocupará o atrio do MoMA é uma adaptação expandida do apresentado na Pinacoteca, sendo composto por fitas de alumínio que sustentam grandes pedaços de tecido, envolvendo o espaço do Museu e tomando a forma de um grande labirinto branco translúcido que pende do teto ao chão.   A parte sonora de A Soma dos Dias  merece destaque, já que Carlito preparou um sistema complexo. Em um primeiro momento o som ambiente da instalação é captado, no dia seguinte este som é jogado novamente dentro da instalação revelando diálogos e impresssões do público, construindo uma memória auditiva inerente à experiência cotidiana. Para completar, estão programados no interior da instalação, apresentações musicais de artistas como Lisa Bielawa, David Crowell, Jon Gibson, Philip Glass, Carla Kihlstedt, Michael Riesman, Mick Rossi, e Andrew Sterman.   A Soma dos Dias vem coroar a carreira de aproximadamente 30 anos de Carlito Carvalhosa. Formado na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da USP, o artista iniciou a carreira na Casa 7, um ateliê em São Paulo da década de 1980. Nos últimos anos, o artísta vem cada vez mais chamando a atenção com a sua capacidade de transformar radicalmente os locais onde cria suas instalações. Participou de inúmeras exposições, incluindo: Bienal de São Paulo; Bienal de Havana; a Bienal Brasil Século XX, e a Art Contemporain du Brésil, na França. Em 2010 fez uma elogiada exposição Roteiro para visitação, no Palácio da Aclamação, em Salvador. A Soma dos Dias - Nova York Museu de Arte Moderna de Nova York 24 agosto - 14 novembro www.moma.org Fonte: O Globo, MoMA Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=281 Está em cartaz no Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de Janeiro a exposição Queremos Miles, mostra que homenageia a lenda do jazz Miles Davis.   Concebida pela Cité de la Musique de Paris, organizada com o apoio da família, a exposição está dividida em oito sequências temáticas e traz numerosos documentos, objetos, canções e videos de apresentações do artista, desde a cidade de sua infância, East St. Louis (Illinois), até os últimos anos de sua vida. Com esta proposta, o CCBB realiza a primeira exposição em homenagem ao músico no Brasil, que deve passar ainda por outras cidades, incluindo São Paulo e Brasilia. Queremos Miles, foi apresentada em 2009 na Cidade da Música do Parque de la Villette, em Paris e alcançou grande sucesso de público.   Morto em 28 de setembro de 1991, assassinado pelo próprio pai, Miles Davis foi responsável pela criação e desenvolvimento de diversos sub-gêneros do jazz, como o bebop e o fusion. Trabalhos como Kind of Blue (1959) e Birth of the Cool (1957) são citados frequentemente como influência não só para o jazz, mas para a música no séc. XX, incluindo o rock. Queremos Miles - Miles Davis | Rio de Janeiro 1 de agosto a 28 de setembro Centro Cultural Banco do Brasil- CCBB www.ccbb.com.br Fonte: CCBB, O Globo   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=280 Inserir o Rio de Janeiro no mercado de arte internacional e desenvolver um intercâmbio cultural é o que pretende os organizadores da primeira edição da Art Rio - Feira Internacional de Arte Contemporânea do Rio de Janeiro,  que acontecerá na cidade, entre os dias 08 e 11 de setembro.   O evento que pretende destar-se como o maior do setor de artes no Brasil, apresenta uma programação que inclui, além das feiras, uma grande exposição com artistas reconhecidos no cenário internacional, um espaço dedicado à publicações de arte, palestras e workshops. Os organizadores esperam que este seja também “um importante estímulo para a formação de novos artistas e colecionadores”.   Cerca de 80 galerias já confirmaram presença no evento. Renomados espaços internacionais, como Tristian Koenig (da Austrália), Mario Sequeira (de Portugal), Crone (da Alemanha), Bendana-Pinel (da França) e Magnan Metz (dos Estados Unidos) estarão presentes na Art Rio. Entre as galerias brasileiras participarão A Gentil Carioca, Silvia Cintra + Box 4, Anita Schwartz, Vermelho, entre outras.   São esperadas para esta primeira edição mais de 20 mil visitantes, entre  colecionadores, jornalistas e apreciadores que poderão adquirir arte moderna e contemporânea, entre pinturas, esculturas, instalações, fotografias e vídeos. "As pessoas terão a oportunidade de conferir obras de Picasso, Volpi, John Baldessari, Lygia Clark, Helio Oiticica, Waltercio Caldas, Carlos Vergara e outros artistas consagrados”, afirma a jornalista Elisangela Valadares, uma das idealizadoras do evento ao lado da artista plástica Brenda Valansi Osorio.     Art Rio - Feira Internacional de Arte Contemporânea do Rio de Janeiro 08 a 11 de setembro Píer Mauá http://www.artriofair.com.br/ Fonte: Arte Rio, Ig     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=279 Para comemorar o centenário de dois dos maiores expoentes artisticos da Bahia, o Teatro Castro Alves apresenta em seu foyer a exposição 100x100, com ilustrações que o artista plástico Carybé fez para a obra de Jorge Amado.  A mostra, apresenta os trabalhos realizados por Carybé para 04 obras do amigo Jorge:  “Jubiabá”, “O sumiço da Santa”, “O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá” e “A Morte e a Morte de Quincas Berro d'Água”, livros nos quais Carybé criou a arte para as capas e fez uma série de ilustrações internas.   Solange Bernabó, filha do artista, é quem assina a curadoria da exposição e revela que “Carybé e Jorge Amado eram irmãos, por escolha própria e dos orixás, além de compadres. Como artistas, seus temas e interesses também coincidiam”. Por conta disso, ela aponta que não há nada mais adequado do que celebrar o centenário de Carybé com uma mostra das ilustrações que ele fez para Jorge, em um evento que anuncia exatamente o próximo centenário deste, em 2012. Esta é a segunda exposição comemorativa aos 100 anos de Carybé que acontece em Salvador. Entre abril e junho de 2011 esteve em cartaz no Solar Ferrão a exposição O Ateliê: Carybé 1911-2011 que reuniu pinturas, peças de mobiliário e objetos do artista. Já as comemorações pelo centenário de Jorge Amado estão apenas começando e devem continuar até o dia 10 de agosto, data na qual o escritor baiano completaria 100 anos.       100x100: Carybé ilustra Jorge Amado - Salvador 10 a 21 de agosto das 12 às 18 horas Teatro Castro Alves www.tca.ba.gov.br     Fonte: Tca, G1 Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=278 Nos últimos anos a arte contemporânea brasileira tem se destacado no cirtuito internacional. Cada vez mais novos artistas vem ocupando espaços dedicados a arte e alcançando o reconhecimento de galeristas, críticos, colecionadores e do público em geral. No inicio de setembro é a vez do paulista Henrique Oliveira apresentar sua primeira exposição individual na Europa, mais precisamente, na Galerie Georges-Philippe e Nathalie Vallois, em Paris.   Na exposição que esta por vir, Henrique apresentará pinturas, esculturas e instalações de forte impacto visual. Em seus trabalhos, o artista emprega materiais recolhidos pelas ruas - lâminas de madeira e tapumes usados estão entres seus materias preferidos. A colagem e a modelagem desta matéria "abandonada" e rudimentar, resulta em obras organicas que seduzem o espectador com suas formas e relevos.   Natural de Ourinhos (1973), Henrique Oliveira vive e trabalha em São Paulo. Cursou a Faculdade de Artes plásticas na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo e tem na pintura, a origem e a maior referência de sua obra.  A partir da pintura, o artista desenvolveu uma exploração programática relacionada à sua matéria e execução, que progressivamente se destacou da tela e demandou a conquista de uma espacialidade fora dela. Já participou de diversas exposições no Brasil e no exterior. Em 2010 participou da 3ª Edição  do Prêmio CNI SESI Marcantonio Vilaça para as artes plásticas no  Museu de Arte Moderna da Bahia. Henrique Oliveira - Paris 09/09 a 12/10 Galerie Georges-Philippe e Nathalie Vallois http://www.galerie-vallois.com/   Fonte: Bravo, Mapa das Artes   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=277 Se você mora em São Paulo ou vai estar na cidade pelo mês de agosto, aproveite para visitar a exposição USAnatomy, do fotógrafo Steven Klein, em cartaz no Museu Brasileiro da Escultura - MuBe.   A exposição inédita no pais, é uma grande oportunidade para se apreciar uma  panorâmica do fotógrafo americano, cujo trabalho faz o mundo da moda e o universo da arte se encontrarem em um ponto especial: audacioso, erótico, transgressor e comercial ao mesmo tempo. USAnatomy terá 87 obras de Klein: 40 de celebridades e 47 polaróides originais, incluindo retratos de Madonna, Justin Timberlake, Britney Spears, Natalie Portman,  casais Angelina Jolie e Brad Pitt  e do fotógrafo Helmut Newton.   Steven Klein nasceu em Nova York em 1961. Formado em pintura pela Escola de Design de Rhode Island, Klein tornou-se um dos fotógrafos mais requisitados do mundo ao clicar as campanhas de empresas do porte de Calvin Klein, Dolce & Gabanna, Alexandre McQueen, entre outras.  Colaborou durante muitos anos para a realização de vídeos, shows de Madonna e recentemente dirigiu o videoclipe Alejandro, de Lady Gaga.Seu trabalho já foi mostrado em grandes galerias de arte nas principais cidades do mundo.     USAnatomy - São Paulo 10 a 28 de agosto MuBe - Museu Brasileiro da Escultura www.mube.art.br/    Fonte: Uol, MuBe Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=276 Um novo mundo criado a partir da relação entre O Livro de Areia, de Jorge Luís Borges, e Alice no País das Maravilhas de Lewis Carroll, é o que a artista carioca Alessandra Vaghi apresenta ao público do Museu de Arte Moderna da Bahia na exposição Quem conta um conto aumenta um ponto.   Linhas, crochês e areia são as matérias primas do site specif (instalação preparada especialmente para um determinado espaço) que ocupa a galeria 3 do museu. Segundo  Renato Rezende, em seu texto de apresentaçao da exposição, "o elemento básico da instalação Conta um conto aumenta um ponto é o traço, a linha. Sua relação com a escrita – principalmente com a poesia – é fundamental, e um dos pontos mais marcantes da obra de Vaghi."   Um outro elemento importante no site specific é a areia, material que remete ao tempo e tambem à memória e à escrita, criando um lugar de experimentação da origem da poesia. Esta é a primeira vez que Alessandra Vaghi expõe em Salvador e a mostra permanece em cartaz até 04 de setembro.   Quem conta um conto aumenta um ponto- Salvador até 04 de setembro Museu de Arte Moderna da Bahia www.mam.ba.gov.br   Fonte: MAM-BA   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=275  O imediatismo e as pinceladas deslumbrantes do pintor belga Frans Hals (1582/83-1666) protagonizam uma exposição no Museu Metropolitano de Nova York, que conta com uma das coleções mais importantes do mundo das obras deste artista.   "A técnica de Hals é excepcional, suas pinceladas soltas foram muito admiradas por pintores impressionistas como Claude Monet, e em seu próprio país por Van Gogh", disse à Agência Efe o responsável pela exposição e pela área de pintura europeia do museu, Walter Liedtke.    A mostra se completa com uma seleção de obras de outros mestres belgas, entre eles, Peter Paul Rubens (1577-1640) e Anton Van Dyck (1599-1641), para pôr em contexto o "excepcional" trabalho de Hals naquele momento.    As obras do naturalista foram muito famosas em seu tempo, mas deixaram de ser no século 18, "quando a estética pedia detalhes mais marcados", afirmou Liedtke.   No entanto, desde 1860, os impressionistas voltaram a reivindicar o trabalho de Hals, e além de Monet (1840-1926) e Van Gogh (1853-1890), outros pintores como Gustave Courbet (1819-1877) e Édouard Manet (1832-1883) se tornaram fãs do mestre belga e realizaram obras que evocam as de Hals.   Entre as telas mais famosas, Liedtke destacou "Jovem Homem e Mulher em uma Taberna " (1623), um quadro de caráter alegre que retrata um casal de jovens que acabaram de se conhecer em uma taverna. Frans Hals in the Metropolitan Museum - Nova York Metropolitan Museum Até 10 de outubro http://www.metmuseum.org/ Fonte: EFE   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=274 Os trabalhos que o icone da pop art, Andy Warhol (1928-1987), produziu para a televisão são os objeto da exposição Warhol TV, em cartaz no Sesc Pinheiros em São Paulo. A mostra exibe filmes e vídeos gravados entre os anos 60 e 80 e que integram o acervo do Museu Andy Warhol, em Pittsburgh, nos Estados Unidos.   Durante sua carreira, Warhol produziu três programas dedicados respectivamente à moda, às artes e às entrevistas com celebridades: Fashion, Andy Warhol's TV e Andy Warhol's Fifteen Minutes, exibidos em canais a cabo norte-americanos. Além disso, escreveu três novelas, que nunca chegaram a ser exibidas, mas que agora poderão ser conferidas pelo público. Ainda fazem parte da mostra, atrações televisivas que contaram com a participação do artista, tais como Saturday Night Live e Love Boat.    Com curadoria de Judith Benhamou-Huet, Warhol TV procura ressaltar a versatilidade do representante da pop arte, que experimentou vários meios de expressões artísticas, do cinema à pintura. "Nós reencontramos ao longo dessas produções feitas para a TV, os temas recorrentes de seu universo, como a beleza e o sexo, o caçador de talentos, os artistas, a transformação dos seres e as celebridades", explica Judith no texto de apresentação da mostra. Warhol TV - São Paulo De 29 de julho a 25 de setembro Sesc Pinheiros  Entrada gratuita     Fonte: Band, Mapa das artes   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=273  “Minha Terra é o Planeta, Meu teto é o Universo, Minha Religião é a Liberdade”. É com este pensamento que o Márcio Lima apresenta seu mais novo projeto fotográfico Povo Cigano fruto de um trabalho de pesquisa, documentação e registro dos hábitos e costumes de quatro comunidades ciganas situadas na Bahia.   Durante os meses dedicados a produção do ensaio, o artista representado pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte, registrou o cotidiano, a beleza e as cores dos bandos nômades pela Chapada Diamantina, Ilha de Itaparica e Recôncavo Baiano. Márcio destaca que para os ciganos a palavra bando não tem nenhum sentido pejorativo, mas sim representa “um conjunto de famílias vivendo juntas, seguindo princípios igualitários e buscando se organizar de forma simples, num sistema de liderança pouco formalizado. Os conflitos existem, mas o senso de comunidade fala mais alto.”    Sobre a experiência de convivio e registro das comunidades ciganas Márcio Lima declara ainda: “Em geral, o cigano é vaidoso, e não se deixa fotografar de qualquer jeito. Essa característica é ainda mais presente nas mulheres. É quase impossível registrar um instantâneo do cotidiano feminino, aquele famoso “flagra” que muitas vezes produz belas e inesperadas fotos. Todas as vezes que tentei essa abordagem, elas gritaram, puseram a mão no rosto e me rogaram pragas. Por sorte, elas me perdoaram mais tarde”, brinca.   Povo Cigano  foi um dos vencedores do XI Prêmio Funarte Marc Ferrez de Fotografia, uma iniciativa que cria condições para que pesquisadores e artistas possam se dedicar ao desenvolvimento de trabalhos inéditos no campo da fotografia. O Resultado final do projeto pode ser conferido através do site http://www.arcapress.org/opovocigano/. Povo Cigano - Márcio Lima www.arcapress.org/opovocigano/ Fonte: arcapress   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=272 O Museu de Arte Moderna da Bahia abre suas portas para receber o trabalho de uma das precursoras da videoarte no Brasil.A exposição Letícia Parente, traz à Capela e ao Casarão do Museu  vídeos e fotografias da artista baiana (1930 – 1991) que viveu, entre Salvador, Fortaleza e Rio de Janeiro e construiu, a partir daí, um mapa particular de várias sensações de Brasil.   Com curadoria de Katia Maciel e André Parente, filho de Letícia, a mostra é uma grande homenagem a artista que fez de objetos de seu cotidiano, tais como cabide, tábua de passar, armário, linha e agulha, seringa e tubo de ensaio matéria prima de sua arte. Professora e química, Letícia decompõe e recompõe seu cotidiano no que os curadores, da atual exposição, convencionaram a chamar de um "laboratório inaugural" na arte brasileira.    “Reconhecida pelo forte caráter político de sua obra, Letícia Parente expandiu as fronteiras formais e conceituais do fazer artístico, radicalizando experiências através do seu corpo numa atitude permanente de crítica lúcida, confronto e transgressão”, declara a diretora do MAM-BA, Stella Carrozzo.   Entre os trabalhos que integram a exposição Letícia Parente, estão os vídeos "Marca Registrada", "O homem do braço e o braço do homem", "Quem piscou primeiro", a instalação "Ora Pro Nobis", além de fotografias e outros vídeos. A exposição permanece em cartaz até 04 de setembro.     Letícia Parente - Salvador Museu de Arte Moderna da Bahia até 04 de setembro www.mam.ba.gov.br Fonte: MAM-BA, Atarde Imagem: Série -De Aflict, Ora pro Nobis, 1979   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=271 A exposição Monet a Picasso, em cartaz no Albertina Museum de Viena, explora a pintura clássica moderna, a partir de grandes nomes da arte, tais como Monet, Renoir, Cézanne, Degas, Modigliani, Matisse e Picasso. As obras apresentadas na mostra fazem parte de uma das mais importantes coleções privadas da Europa dedicadas ao modernismo clássico.  Rita e Herbet Batiliner emprestaram permanentemente ao Albertina Museum as 500 obras do seu acervo pessoal, das quais, uma parte pode agora ser conferida pelo público. Monet a Picasso não apresenta conceito subjacente, a proposta é apenas apresentar uma exposição cronológica e bem documentada de alguns dos artistas mais conhecidos do século 20. O período abrangido na mostra passa pelo impressionismo, fauvismo, expressionismo alemão e da Bauhaus à vanguarda russa. Inaugurada no mês de julho a exposição permanece em cartaz até 13 de setembro. Monet a Picasso- Viena Albertina Museum Até www.albertina.at Fonte: Euronews, ElPais Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=270 Quem estiver por São Paulo tem até 01 de agosto para visitar a exposição Mulheres Negras - A Irmandade da Boa Morte de Cachoeira, com fotografias de Pierre Verger e de Adenor Gondim. A exposição em cartaz no  Museu Afro Brasil - Parque do Ibirapuera, apresenta diversas  fotografias da Irmandade da Boa Morte de Cachoeira retrando aspectos culturais e religiosos da cidade histórica do Recôncavo Baiano.   Com a curadoria do artista plástico Emanoel Araújo, a exposição traz, ainda, pinturas, esculturas, jóias crioulas, arte sacra e vestimentas tradicionais da irmandade. Ao todo são mais de 90 peças, além da imagem original do séc. XIX, da Nossa Senhora da Boa Morte. Mulheres Negras - A Irmandade da Boa Morte de Cachoeira - São Paulo Museu Afro Brasil - Parque do Ibirapuera Ate 01 de agosto www.museuafrobrasil.org.br   Fonte: Terra, Museu Afro Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=269 A arquiteta e artista visual Eneida Sanches inaugurou, recentemente na Caixa Cultural Salvador, a exposição Transe Deslocamento de Dimensões que permanece em cartaz até o dia 04 de setembro.   Para a realização da mostra, a artista elegeu um elemento ritualístico, o olho de boi, utilizado na religião afro-brasileira, como objeto de proteção. A proposta possibilita ao espectador a transposição dos limites da percepção-forma e a criação de novas perspectivas visuais, libertando os sentidos.   O transe, como um estado alterado de percepção e consciência, e a religião afro-brasileira com seu universo simbólico, têm sido objeto de estudo, investigação, influência e criação nos trabalhos de Eneida Sanches, que após dedicar vários anos de pesquisa sobre a temática, transpôs seu conhecimento e aprendizado para a realização de suas obras.   Transe Deslocamento de Dimensões reúne trabalhos realizados entre 2002 e 2010, utilizando técnicas e meios que se incorporam e interpenetram. Transe Deslocamentos de Dimensões - Salvador até 04 de setembro Caixa Cultural www.caixacultural.com.br Fonte: Caixa Cultural, Eneida Sanches Blog       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=268 O Museu Nacional Reina Sofia de Madri, uma das instituições mais atuantes da Europa, apresenta ao público espanhol, uma exposição individual da artista brasileira, Lygia Pape (1927-2004) reunindo cerca de 200 obras.    A mostra Espacio Imantado (Espaço Magnético) apresenta pinturas, xilogravuras, registros de performances, poemas, colagens, documentos e a produção cinematográfica da artista, tanto de criações próprias como  Eat Me (1975) até suas colaborações com o Cinema Novo brasileiro, já que desenhou, por exemplo, o cartaz do filme Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964), de Glauber Rocha.    A mostra é a oportunidade do espectador de contemplar algumas das peças mais conhecidas de Lygia Pape, como “Tecelares” e “Livros”. Mas também poderão ser vistas algumas de suas obras menos difundidas, como "Ballets Neoconcretos".   A obra de Lygia Pape (1927-2004) vem de um dos ambientes mais inovadores da arte na segunda metade do século XX. Importante representante da arte contemporânea no Brasil, Lygia possui uma trajetória artística que se inicia com o abstracionismo geométrico. Já na década de 1950 possuia renome na cena artística carioca e, em 1957, é uma das signatárias do manifesto neoconcreto, encabeçado por Ferreira Gullar e Hélio Oiticica.   Espacio Imantado permanece em Madri até o dia 03 de outubro, depois, a exposição viajará para a Serpentine Gallery em Lodres e posteriormente para a Pinacoteca de São Paulo.     Espacio Imantado - Madri até 03 de outubro Museu Nacional Reina Sofia www.museoreinasofia.es   Fonte: El País; Museu Nacional Reina Sofia Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=267 O Museu de Arte Moderna de São Paulo inaugurou na ultima quinta feira (14 de julho), a exposição No ateliê de Portinari (1920-45) que aborda o período de formação do ícone da pintura modernista brasileira através da reunião de aproximadamente 90 obras. Com curadoria de Annateresa Fabris, o público poderá conferir entre os trabalhos do artista, retratos, cenarios do cotidiano, de sua cidade natal e raros frutos de uma breve incursão pela arte abstrata.   A exposição é dividida em cinco blocos que contemplam trabalhos realizados por Portinari nas mais diferentes temáticas e sua busca de um estilo ainda indefinido no momento de formação, mas que veio se consolidando com o tempo até atingir uma feição própria, reconhecida pela crítica nacional e internacional. A tensão entre o diálogo com diferentes artistas, dentre os quais Picasso, e a busca de uma linguagem própria é o fio condutor da exposição.   Os cinco blocos são: Da Escola Nacional de Belas-Artes a Paris; Um modelo constante; Cenas brasileiras; Projetos monumentais e Abstração. A mostra não é uma retrospectiva do pintor. Foi concebida a partir de alguns recortes no âmbito de sua produção, que contemplam o período de formação, entre o Rio de Janeiro e Paris; a prática de um gênero como o retrato; a decisão de dedicar-se à criação de “grandes telas, com muitas figuras agrupadas em enormes composições, com estruturas variadas”, provocada pela visão das obras de Paolo Veronese (1528-1588) na National Gallery de Londres em 1929; a realização de trabalhos de porte monumental para o Ministério da Educação e Saúde (Rio de Janeiro, 1936 – 1944), a Fundação Hispânica da Biblioteca do Congresso (Washington, 1941), a igreja de São Francisco de Assis da Pampulha (Belo Horizonte, 1944-1945); algumas experiências com a abstração, apesar das críticas feitas por Portinari a uma arte que fugia do assunto.   Ao lado de trabalhos bastante conhecidos do pintor, como Retrato de Maria (1932), Domingo no morro (1935), Paisagem de Brodowski (1940), Sapateiro de Brodowski (1941), Criança morta (1944), a mostra apresentará obras pouco divulgadas como Meu primeiro trabalho (c. 1920), Retrato do poeta Olegário Mariano (1926), Nu (1930), Ronda infantil (1932). Serão ainda expostos três conjuntos significativos de estudos preparatórios para os projetos monumentais, pouco conhecidos pelo grande público, sobretudo no caso da Fundação Hispânica e da igreja de Belo Horizonte. No ateliê de Portinari (1920-45) - São Paulo Museu de Arte Moderna de São Paulo 14 de julho a  11 de setembro www.mam.org.br Fonte: Terra Magazine, MAM-SP Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=266 O público soteropolitano tem ate o dia 31 de agosto para conferir a primeira exposição de Niobe Xandó em terras baianas. A mostra Florestas Fantásticas e Máscaras Imaginárias reúne dezenas de obras da artista plástica paulista na Galeria Arcos da CAIXA Cultural.   Niobe tem uma produção baseada em símbolos gráficos, seu trabalho representa a influência das culturas africana e indígena na arte brasileira. Na mostra, são destacadas suas séries de pinturas florais e uma sequência de representações de máscaras.   A seleção das 42 pinturas e desenhos dessa exposição é assinada pelo curador independente Antonio Carlos Abdalla, que pesquisa e cataloga a obra da artista há mais de 10 anos. Em 2007, foi realizada grande retrospectiva de Niobe Xandó na Pinacoteca do Estado de São Paulo e, em 2008, outra grande mostra da artista foi feita no Museu Oscar Niemeyer, em Curitiba.   Niobe Xandó nasceu em 1915 e faleceu há pouco mais de um ano. Nos quase 60 anos de carreira, ela criou uma vasta obra, incorporando diversas tendências e movimentos. Em 1978, participou da 1ª Bienal Latino-Americana de São Paulo e dali para frente ganhou notoriedade. Florestas Fantásticas e Máscaras Imaginárias - Salvador CAIXA Cultural até 31 de agosto www.caixacultural.com.br Fonte: Caixa Cultural, IBahia   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=265 Veneza é sempre Veneza. Há séculos a cidade italiana encanta moradores e visitantes com a beleza e o charme de suas ruas, arquiteturas e paisagens.  No leilão realizado pela Sotheby's, em Londres, no inicio do mês, Veneza encantou mais uma vez. Na ocasião, uma importante obra do pintor  veneziano Francesco Guardi (1712-1793) bateu o recorde mundial em um leilão para uma vista da cidade, ao ser vendido por 42,8 milhões de dólares.   Vista da Ponte de Rialto, quadro avaliado inicialmente em no máximo 25 milhões de libras, foi adquirido por um comprador anônimo por telefone, no final de uma dura disputa entre dois candidatos.A obra, uma das únicas feita em grande escala pelo artista, executada no fim dos anos 1760, estabeleceu o preço mais alto para uma obra de arte em um leilão até agora este ano.   Francesco Guardi foi um dos últimos representantes da clássica escola de pintura veneziana, e um dos rivais mais significativos de Giovanni Antonio Canal, mais conhecido como Canaletto, na última etapa de sua vida, apesar de em sua obra dar mais importância à atmosfera do que à topografia.   "As obras monumentais do artista raramente vão a leilão, e o preço estabelecido esta noite fixa um novo ponto de referência, não apenas para este artista importante, mas também para os quadros de vistas venezianas", disse Alex Bell, presidente da Divisão de Velhos Mestres da casa Sotheby's.   No total, o leilão arrecadou um total de 47,64 milhões de libras (76,49 milhões de dólares). Leilão Sotheby's - Londres 5 de Julho Fonte: AFP   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=264 A Bienal de Cerveira chega à 16a edição com exposições que se estendem às cidades de Porto, Braga e Vigo. O diretor artístico Augusto Canedo dividiu o evento português em mostras, concebidas por curadores convidados. Carlos Casteleira, Fátima Lambert, João Mourão, Luís Silva, Orlando Britto Jinorio, Lourenço Egreja, Paulo Reis e Solange Farkas são os curadores presentes na mostra de arte contemporânea.    Tempos em Suspensão, a mostra organizada pela ex diretora do Museu de Arte Moderna da Bahia, Solange Farkas, apresenta aos portugueses obras de artistas brasileiros e sul-americanos que têm em comum uma ideia particular de cidade como lugar de tempos e memórias sobrepostos.    Entre os brasileiros destacam-se : Cesar Meneghetti; Jonathas de Andrade;; Armando Queiroz; Dirceu Maués; Pablo Lobato e os baianos Caetano Dias e Gaio Matos que meditam sobre as cidades, entendidas como lugares onde os tempos se sobrepõem.  A curadoria abrange a dimensão política da presença humana, no trabalho de Cesar Meneghetti; a ideia de incomunicabilidade em oposição à sensação de identidade, em Jonathas de Andrade; as traduções arquitetônicas e espaciais do pertencimento cultural, na obra de Gaio Matos; a contribuição individual anônima para a construção da memória coletiva, em Pablo Lobato; o olhar de Caetano Dias sobre o soterramento de um microcosmo cultural; um cotidiano de identidade transfigurada nas imagens de Dirceu Maués; e a invisibilidade da matriz cultural, em Armando Queiroz.   O evento integra ainda um conjunto de atividades complementares como as residências artísticas, ateliês, workshops, debates, conferências, concertos, visitas guiadas entre outros.A Bienal de Cerveira vai de  de 16 de julho a 17 de setembro.   Bienal de Cerveira – Portugal até 17 de setembro http://www.bienaldecerveira.pt   Fonte:Revista Muito, VideoBrasil   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=263 Uma exposição em cartaz no Recife  apresenta ao público algumas obras relacionadas a carreira  do pintor, arquiteto, poeta e escultor italiano Michelangelo. São seis desenhos originais e 25 esculturas de diferentes tamanhos, períodos e artistas  que ajudam a entender a grandiosidade da obra de Michelangelo Buonarroti, considerado um divisor de águas na história das artes.   Em cartaz  atualmente no Instituto Ricardo Brennand, A beleza na escultura de Michelangelo é apresentada pela primeira vez no Nordeste após passar pelos estados de São Paulo e do Espírito Santo.  Esta é a primeira exposição itinerante do novo salão do instituto, de 1021,89 m², onde também está exposta a réplica da escultura O Pensador, de Auguste Rodin.    A cenografia da exposição é complementada por fotografias gigantes, assinadas pelo único fotógrafo autorizado a reproduzir, em imagens, as obras de Michelangelo, Aurélio Amendola. Na galeria do IRB o público poderá conferir trabalhos de artistas como Virrotira de Samatrocia, que inspirou o renascentista quanto à tridimensionalidade e de outros escultores que se basearam na concepção criada após os seus trabalhos. O público ainda poderá participar de palestras e assistir a um filme que mostra como as esculturas foram produzidas.   A beleza na escultura de Michelangelo - Recife Instituto Ricardo Brennand 06/07 a 04/09 www.institutoricardobrennand.org.br Fonte: Diario de Pernambuco, 360º   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=262 A mostra inedita Anonymous, de Antonio Gatto, artista plástico e poeta italiano da Calabria, será aberta ao público de Salvador a partir de 07 de Julho às 19h na  Galeria EBEC O público vai ver nessa mostra fotos processadas por colagem digital que mixam imagens de magazine de moda com sua linguagem crítico-poética, bem como trabalho de fundição em alumínio, imagens construídas, vistas através de tubos e óculos negros, sem nenhuma luz: um mundo onde a ficção é perigosa para qualquer tempo real.Como bem podem imaginar, é uma mostra absolutamente inédita.   Em 1960 o artista começou a participar de exposições, procurando ao mesmo tempo aprofundar sua mística existencial em estudos teóricos de reflexão e à analise crítica da arte e suas funções.   Esses estudos o levaram em 1966, a abandonar a tela como suporte passivo, encontrando nela campo de ação ativa para objetos e novas solicitações para as lacunas conceituais da linguagem visual.   O artista acredita que o tempo virtual, paradoxal e ambíguo, não é o mesmo tempo da realidade que marca o presente, passado e futuro, e busca na arte uma síntese baseada em espaço e tempo juntos: o sempre e agora do instante eterno. Anonymous - Salvador EBEC  abertura: 07 de julho às 19h visitação: 08 de julho a 05 de agosto www.ebec.com.br Fonte: Ibahia, Ebec   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=261 Rembrandt e Degas; dois jovens artistas, recém inaugurada no museu Rijksmuseum, Amsterdã, revela proximidades e ligações entre a obra de do pintor  francês Edgar Degas com a do pintor e gravurista holandês Rembrandt van Rijn.   Embora seja sabido que o impressionista Degas foi inspirado por Rembrandt, esta pode ser considerada a primeira exposição que transpõe as barreiras físicas e temporais entre estes dois ícones da pintura, colocando lado a lado o século de Ouro holandês  da França do século 19. A mostra apresenta uma série de auto-retratos dos dois artistas quando jovens.  Os auto-retratos mostram os pintores em torno da idade de 23 anos, num momento em que ambos estavam começando a ilustre carreira. Cansado da monotonia da academia de artes o jovem Degas se aventurou por Roma e Florença para estudar artistas do passado. A inspiração em Rembrandt pode ser observada, particularmente em seus experimentos com várias poses e  da forma que utiliza a luz e sombra. A mostra Rembrandt e Degas; dois jovens artistas, faz parte de uma série de exposições organizadas pelo Rijksmuseum mostrando como os mestres da Idade de Ouro Holandesa inspiraram  artistas de um período posterior.  Um dos grandes sucessos do museu foi a exposição que comparava os trabalhos de Miró com Jan Steen em 2010. Após o Rijksmuseum, a exposição vai passar a The Art Institute Clark em Williamstown (Novembro de 2011 - fevereiro 2012) e The Metropolitan Museum of Art, em Nova York (fevereiro-maio 2012). Rembrandt e Degas; dois jovens artistas Rijksmuseum - Amsterdã Até 23 de outubro http://www.rijksmuseum.nl/ Fonte: rnw brasil Imagem: Edgar Degas, Self-Portrait en face, c. 1857.     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=260 Uma exposição em São Paulo reúne obras de arte cibernética em cerca de dez instalações, em trabalhos que interligam poesia e tecnologia, das mais diversas formas possíveis, tendo a arte como pano de fundo. Trata-se da exposição Rumos Arte Cibernética, que acontece até 4 de setembro no Itaú Cultural, em São Paulo. A interatividade é ponto forte dos trabalhos, com a participação do público em todas as instalações. Entre os trabalhos está 'I, Hamlet', um robô que interpreta e declama textos com base na obra de Shakespeare, enquanto o público manipula elementos cenográficos como espadas e cálices. Uma das obras que mais trabalha o real e o virtual é 'Corpo Digitalizado', que discute os limites entre o corpo e as máquinas, em que o público é escaneado por partes em uma cabine, fragmentados e unidos numa projeção no ambiente.O som está muito presente na mostra, com a obra 'IDance', uma pista controlada pelo público em que os movimentos mudam a obra em tempo real. A exposição tem apoio do Itaú Cultural. Instituição que financiou todos os trabalhos através do programa Rumos 2006-2009, dedicado a arte e tecnlogia.  Rumos Arte Cibernética - São Paulo 30 de junho a 04 de setembro Itaú Cultural - Avenida Paulista http://www.itaucultural.org.br/ Fonte: Itaú Cultural, MTV Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=259 O público soteropolitano pode conferir, até 16 de julho, o olhar do capixaba Antonio Mari sobre a cidade de Nova York na exposição New York Street Scenes, em cartaz na Galeria Acbeu.   A mostra inédita no Brasil reúne ao todo 24 fotografias das ruas, arquitetura, trânsito e, sobretudo das pessoas que habitam a cidade mais cosmopolita do mundo.  Para compor a exposição, Antonio Mari procurou as fotos que, ao longo de sua carreira, foram as mais marcantes, ou pela estética ou pelo inusitado da situação. Está presente, por exemplo, a foto que conseguiu fazer, na época do Natal, de um grupo de quase 60  “Papais Noeis” que foram obrigados a tomar o metrô conjuntamente pelo não comparecimento do ônibus que os deveriam conduzir para a sede da ONG Volunteers of America, para a qual trabalhavam. Antonio Mari construiu sua carreira de fotógrafo nos Estados Unidos.  Ainda nos anos 80, viajou para cursar mestrado em fotografia, encantou-se pela efervescência de Nova York e por lá fixou residência durante 27 anos. Neste período, dedicou-se ao registro do cotidiano da cidade e de suas múltiplas facetas, às vezes de forma independente, e outras como fotográfo contratado dos jornais New York Times e New York Post.      New York Street Scenes-Salvador Até 16 de julho Galeria Acbeu- Corredor da Vitória   Fonte: Ibahia, Atarde Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=258 O mês de junho foi extremamente importante para Braz Marinho. E não apenas do ponto de vista artístico, mas também da utilização da arte como um instrumento de transformação social. Uma grande exposição de sua obra foi realizada a partir de uma parceria com uma ONG que trabalha com crianças, em Recife - experiência que deve ser novamente repetida. Neste período, o artista representado pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte expôs no Recife Antigo uma retrospectiva com o resultado da sua produção artística nos últimos cinco anos, incluindo trabalhos que investigam a tridimensionalidade da arte. A exposição, surgida a partir de uma oficina ministrada para crianças, adolescentes e jovens do Movimento Pró Criança, reuniu 43 esculturas, pinturas e gravuras, entre peças inéditas e outras que participaram de exposições institucionais e mostras coletivas no Brasil e na Itália.    O público que visitou a exposição, além de conferir as obras de Marinho, pode contribuir financeiramente com o Movimento Pró-Criança, já que parte da renda obtida com a venda das obras foi convertida para essa instituição, que atua em Recife. Braz Marinho e o Movimento Pró-Criança planejam agora manter a parceria e viabilizar uma oficina permanente de escultura destinada a jovens atendidos pela instituição e para alunos dos cursos de artes plásticas, design, desenho, arquitetura e urbanismo, além de arte-educadores.    Exposição Braz Marinho-Pró-Criança - Recife 31 de maio a 30 de junho Galeria Franz Post -Espaço Cultural Maria Helena Marinho www.espaçomariahlenamarinho.com.br             Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=257 As obras do artista plástico modernista Victor Brecheret (1894 -1955) são expostas pela primeira vez no Nordeste e o Recife é a cidade escolhida para receber a mostra que apresenta um panorama da 3ª fase do artista, inspirada no imaginário da Ilha do Marajó, no Pará.   A Arte Indígena de Victor Brecheret em cartaz no Centro Cultural Correios, apresenta 23 esculturas e 22 esboços e desenhos do artista. Além destes trabalhos, podem ser conferidos pelo público fotografias do acervo pessoal do escultor, ferramentas que ele utilizava em seu ateliê e um especial em vídeo sobre Victor Brecheret, feito pela TV Cultura.   Dono de uma personalidade introspectiva, Brecheret  é considerado um dos mais importantes escultores do Brasil. O artista, nascido na Itália, fazia esculturas em pedra, terracota, bronze patinado, sempre pontuadas por grafismos e incisões, lembrando a escrita cuneiforme dos indígenas.    Quem estiver por Recife tem até o dia 31 de julho para visitar a exposição.     A arte indígena de Victor Brecheret – Recife até 31 de julho Centro Cultural Correios  www.correios.com.br   Fonte: Diário de Pernambuco,  Globo. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=256 René Magritte (1898-1967), um dos artistas mais respeitados e populares do século 20,  é destaque da programação de verão da galeria inglesa Tate Liverpool.     Sob o título de René Magritte: The Pleasure Principle,  a mostra exibe obras de diferentes períodos da carreira  do surrealista belga incluindo mais de 100 pinturas, uma seleção de fotografias, filmes caseiros e trabalhos comerciais. Entre os destaques estão as pinturas icônicas  "O Assassino Ameaçado", "A Condição Humana" e "Golconda" (foto).   Famoso por imagens espirituosas retratando objetos do cotidiano tais como maçãs, chapéus-coco e tubos em contextos incomuns, a arte de Magritte joga com a idéia de realidade e ilusão. Seus trabalhos tiveram  um efeito duradouro sobre o mundo da arte, inspirando artistas que vão de John Baldessari, Ed Ruscha, Jasper Johns a Andy Warhol. René Magritte: The Pleasure Principle - UK 24 de junho a 16 de outubro Tate Liverpool www.tate.org.uk Fonte: Folha SP, Terra   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=254 Em cartaz no Instituto Valenciano de Arte Moderna (IVAM)  a exposição coletiva Gigante por la propia naturaleza, oferece aos espanhóis um panorama da produção moderna e contemporânea do Brasil.   A mostra busca uma reflexão sobre a arte brasileira, desde a década de 40  até a atualidade e os aspectos que diferenciam a arte nacional da demais produções contemporâneas da américa do sul.   Para Wilson Lázaro, um dos curadores da exposição, a arte brasileira está em alta, acompanhando o cenário do País internacionalmente. "Isso se reflete na exposição, que exibe um Brasil atual, de misturas, surpresas e nuances." Ele optou por olhar a partir da própria história brasileira, mesmo que recente, "um caminho para entender e descobrir surpresas muitas das vezes bem guardadas. Gigante por la própria naruraleza, que permanece em cartaz até o dia 17 de julho, reúne obras de 52 artistas, entre eles Anna Maria Maiolino, Adriana Varejão, Alfredo Volpi,  Arthur Bispo do Rosário, Beatriz Milhazes,  Caio Reisewitz, Cao Guimarães, Carlos Vergara, Cildo Meireles,  Hélio Oiticica, Ivens Machado,  Lygia Clark, Marcos Chaves, Marepe, Maria Leontina,  Os Gêmeos, Tunga, Vik Muniz, entre outros.   Gigante por la propia naturaleza – Valência IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno 31 maio a 17 de junho www.ivam.es Fonte: Mapa das artes, IVAM Foto: instalação Arroz e feijao, 1979-2011, Anna Maria Maiolino   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=253 Desde o dia 15 de junho, a Art Basel 2011 tem movimentado bilhões de dólares na cidade Suíça da Basiléia. Considerada como a maior feira mundial de obras de arte moderna e contemporânea do mundo, a Art Basel reúne em sua 42ª edição, galerias de 35 países, em uma exposição com mais de 2500 artistas.    Os estandes da feira são disputadíssimos e apenas 300 galeristas (de 1000 candidatos, segundo os organizadores) tiveram a “sorte” de poder pagar somas absurdas por tão poucos metros quadrados.   O país com maior número de galerias, na edição 2011, é os Estados Unidos com 73, seguido pela Alemanha (50) e pela Suíça (32). O Brasil participa do evento com 4 galerias: Galeria Fortes Vilaça; Galeria Millan; Galeria Luisa Strina e A Gentil Carioca.   Percorrendo a feira, é possível encontrar obras-primas de Fernand Léger, Giorgio Morandi, Pablo Picasso, Juan Gris e Henri Matisse. Já a seção mais espetacular da atual edição é a Art Unlimited, onde são exibidos trabalhos de grandes dimensões, projeções de vídeo, esculturas monumentais e todo tipo de instalações de artistas como Daniel Buren, Anish Kapoor e Robert Rauschenberg.   Art Basel - Suíça 15 a 19 de junho www.artbasel.com.br Fonte: Terra, Artbasel   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=252 Estreou neste mês, no Sesc Pinheiro, a mostra Paulistana, composta por trabalhos do artista Alex Flemming. Apresentando uma espécie de crônica visual, em que são revelados flagrantes do dia-a-dia, o artista mostra registros, em fotogravura, da população da grande metrópole e suas mais diversas profissões. Vivendo há mais de 10 anos em Berlim,  Flemming é hoje considerado pela crítica, como um dos mais férteis, provocadores e criativos artistas brasileiros contemporâneos. As experiências artísticas de Alex Flemming com fotografias e gravuras começaram ainda na época em que era estudante da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (USP). Paralelamente a isso, ainda nos anos 70, o artista cursou cinema na Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP)  e estudou serigrafia com Regina Silveira. Foi essa mistura que o levou a ser um dos primeiros artistas no Brasil a utilizar a fotogravura artística. Paulistana - São Paulo Sesc Pinheiros terça sábado de  10h30 às 21h30 até 18 de julho www.sescsp.org.br Fonte: Catraca Livre, Sescsp   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=251 O artista britânico Hush mostra suas gueixas criadas com grafite na exposição Twin, que acontece em uma galeria na Califórnia, EUA. Nos murais e telas presentes na exposição, o artista combina técnicas do grafite com elementos da cultura visual japonesa como animes (desenhos animados) e imagens tradicionais de gueixas.   As obras do ilustrador e designer gráfico britânico frequentemente retraram o corpo feminino e já foram comparadas às imagens de mulheres criadas pelo pintor austríaco Gustav Klimt.   Segundo os curadores da exposição, os trabalhos exploram os contrastes entre novo e velho, passado e futuro e a fusão das culturas ocidental e oriental.   Para a série Twin, Hush criou diversas imagens de gueixas gêmeas espelhadas, que são diferenciadas usando cores e técnicas de claro e escuro.   A exposição fica aberta ao público até o dia 18 de junho na galeria New Image Art, em West Hollywood, que também já expôs trabalhos da dupla de artistas brasileiros Osgêmeos. Twin - Califórnia New Image Art, até 18 de junho www.newimageartgallery.com Fonte: BBC, Euronews   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=250 Acontece atualmente na capital carioca a edição 2011 do FotoRio - Encontro Internacional de Fotografia do Rio de Janeiro. A programação do evento, sempre voltada para a produção de fotografia contemporânea nacional e internacional, inclui exposições, projeções, intervenções, cursos, seminários, oficinas, mesas-redondas, palestras e conferências.   Um dos destaques da atual edição é a exposição inédita Eu me desdobro em muitos  em cartaz no Centro Cultural do Banco do Brasil - CCBB.  Fruto de uma parceria entre o FotoRio  e a MEP - Maison Européenne de la Photographie de Paris, a mostra reúne 69 obras de sete artistas brasileiros e 14 estrangeiros, dentre os mais importantes autores da vanguarda da fotografia no mundo.    Reunidos sobre a proposta da autorrepresentação como realização artística estão os brasileiros Alisson Gothz, Helenbar, Luisa Burlamaqui, Fernanda Magalhães, Rodrigo Braga e Sofia Borges;  o mexicano Gerardo Montiel Klint;  a argentina Tatiana Parcero, o norueguês Bjorn Sterri e uma série de artistas europeus e norte-americanos da coleção da Maison Européenne de la Photographie, de Paris. São eles: Martial Cherrier, Gilbert & Georg, Robert Mapplethorpe, Duane Michals, Pierre Molinier, ORLAN, Philippe Perrin, Pierre & Gilles e Cindy Sherman.   Para conferir a programação completa do encontro que acontece até 10 de Julho basta acessar o site oficial do FotoRio disponível no endereço fotorio.fot.br/. FotoRio 2011 - Rio de Janeiro 30 de maio a 19 de agosto www.fotorio.fot.br Eu me desdobro em muitos - Rio de Janeiro 30 de maio a 10 de julho Centro Cultural do Banco do Brasil - CCBB Terça a a domingo, de 9h às 21h www.bb.com.br Fonte: FotoRio, das artes Crédito da Imagem: Luisa Burlamaqui  Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=249 O público baiano tem até 10 de julho para conferir o trabalho de importantes fotográfos contemporâneos que fazem parte do acervo do Museu de Arte Moderna da Bahia. Ao todo, doze artistas, entre baianos e de outros estados brasileiros, estão representados em fotos que ajudam o espectador a refletir sobre as relações entre o espaço e o sujeito, e suas transformações na sociedade contemporânea.   Entre os fotógrafos expostos estão Márcio Lima, Caetano Dias, Caio Reisewitz, Cinthia Marcelle, Cristiano Mascaro, Ding Musa, Frederico Câmara, Janaína Tschape, Luiz Braga,  Pedro Motta, Milena Travassos, Danillo Barata e Rogério Canella.   A mostra está dividida em dois momentos: no Casarão do MAM-BA, espaços diversos, amplos e muitas vezes vazios, que trazem forte significação simbólica; e na Galeria 3, obras que remetem a questões de identidade, mostrando a relação do homem com o meio que o cerca de forma intimista. Fotografia Contemporânea no Acervo do MAM-BA - Salvador Museu de Arte Moderna da Bahia - até 10 de julho Horários: 13h às 19h, de terça a domingo, e das 13h às 21h, aos sábados www.mam.ba.gov.br Fonte: MAM, Atarde Crédito de imagem: Márcio Lima Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=248 Joan Miró-Poème, é o título da exposição sobre o pintor catalão em Forte di Bard, Itália.  A mostra reúne uma coleção de 188 obras, entre pinturas a óleo, esculturas, desenhos, gravuras, litografias  e cerâmicas. Os trabalhos expostos foram criados entre 1947 e 1980 e pretendem evocar a revolução surrealista, característica dessa época, e da qual Miró foi um dos grandes expoentes.    A exposição oferece uma visão completa do artista e dos temas que o inspiraram: a mulher, o pássaro, a estrela, o céu, as constelações, o sol ou a lua  e o anonimato dos grandes mitos fundadores, estão no imaginário do artista. As imagens mostram um Joan Miró brincalhão, perturbador e que gostava de se colocar desafios.    Entre as obras presentes na mostra estão: Naissance du Jour I, II e III,  Femme Oiseau I e II e e Le Chant de La Prairie. Ao visitar Joan Miró-Poèm em cartaz até 1º de novembro, o público  poderá perceber a importância e a influência  do artista na arte do século XX.   Joan Miró-Poème | Itália 25 de maio a 01 de novembro Forte di Bard www.fortedibard.it Fonte: Euronews   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=247 Junções é o tema adotado pelo artista visual Elias Santos para sua mais recente exposição. Nesta mostra, o artista que iniciou sua carreira  nos anos 90, apresenta uma série de trabalhos realizados a partir de pequenas cabeças esculpidas em giz, somadas a componentes retirados de sucatas eletrônicas. Tais esculturas são resultado de uma experimentação iniciada há mais de uma década, mas que só agora são apresentadas ao público.   Segundo o artista, a proposta que norteia sua produção é a de “juntar coisas, juntar processos, produzir novos agregados a partir de elementos encontrados ao acaso. Reunir linhas de criação, gerar novas sínteses conectivas como numa polifonia”.  O público terá até o dia 18 de junho para visitar a exposição  na Galeria Acbeu. O acesso é gratuito.   Junções – Elias Santos | Salvador 01 a 18 de junho seg a sex, das 14h às 20h; sáb, das 16h às 20h Galeria Acbeu   Fonte: Acbeu, atarde Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=246 O traço vivaz, a sagacidade e o humor de Saul Steinberg pode ser conferido pelo público carioca na exposição As Aventuras da Linha em cartaz até 28 de agosto no Instituto Moreira Salles.   A mostra conta com 111 desenhos do artista romeno radicado nos EUA que é considerado um dos maiores gênios da ilustração editorial. Apesar de ser bastante conhecido por suas ilustrações para a revista The New Yorker, na qual foi colaborador por quase 60 anos, a exposição traz a diversidade de sua obra, incluindo trabalhos de três importantes exposições que o projetaram internacionalmente: Fourteen Americans, coletiva organizada pelo MoMA, em 1946; a mostra individual em Nova York, em 1952, nas galerias Sidney Janis e Betty Parsons e a montada no Museu de Arte de São Paulo, também em 1952.   Usando às vezes uma única linha, Steinberg necessita apenas de caneta e naquim para sugerir muito sobre o ser humano. Entre seus trabalhos encontramos constantemente figuras de cowboys, trens, monumentos fictícios, pássaros, gatos e bichos sem nome, mulheres em casacos de pele, desfiles, entre outros. Segundo a curadora da mostra Roberta Saraiva, “Steinberg costumava trabalhar um tema ou motivo até esgotá-lo, produzindo longas séries de variações gráficas”.   A maior parte desse acervo pertence ao museu The Saul Steinberg Foundation, nos Estados Unidos. A mostra funciona de terça a sexta, das 13h às 20h e também de sábados, domingos e feriados, das 11h às 20h.   Saul Steinberg  - As Aventuras da Linha – Rio de Janeiro 28 de maio a 28 de agosto Instituto Moreira Salles www.ims.com.br Fonte: IMS, Bravo!     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=245 A partir do mês de junho, a artista plástica mineira Adrianne Gallinari (1965) passa a integrar o staff da galeria Fábio Pena Cal ao lado de importantes nomes da arte contemporânea nacional, como Eudes Mota e José Patrício.     Entre as 26 obras da artista disponíveis no acervo da galeria encontram-se esculturas pinturas e desenhos nas quais Gallinari utiliza tecidos com nanquim, giz de cera e grafite, explorando a trama e a transparência por meio de formas que remetem ao corpo, paisagens e elementos orgânicos. Segundo Fábio Pena, a iniciativa "visa aproximar Gallinari, já bastante reconhecida no sudeste, do mercado de arte baiano ainda não tão familiarizado com a qualidade de sua produção artística". Nesse sentido, Gallinari destaca a importância de ser representada por uma galeria como a Fabio Pena Cal, “que vem atuando há mais de 10 anos no mercado de arte local. Gallinari que viveu um período da infância em Salvador e começou a desenhar sob os cuidados da artista plástica baiana Sônia Castro, “considera uma honra este retorno a cidade que sempre lhe foi familiar e a influenciou de maneira positiva.”. Formada pela Escola Guignard, em Belo Horizonte, Adrianne Gallinare atualmente vive e trabalha em São Paulo. Entre suas principais mostras individuais estão as apresentadas no Drawing Center de Nova York, no Centro Cultural Borges, em Buenos Aires, e no Museu de arte da Pampulha, Belo Horizonte.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=244 O colombiano Fernando Botero foi a grande estrela do leião de obras primas latino-americanas na Sotheby's, em Nova York. Seu quadro "Uma família" (1972), foi arrematado por cerca de US$ 1,4 milhão, sendo a obra mais cara do evento que, também incluiu obras de clássicos como os mexicanos Diego Rivera e Frida Kahlo, mostrando a riqueza e a diversidade da arte latino-americana. O quadro de Botero faz parte de uma série de famílias que o artista iniciou na década de 1970 e que retomou ao longo de sua carreira. "Botero é um artista que tem um poder de reconhecimento instantâneo, e é um dos que mais marcaram a arte do fim do século XX", explicou à Agência EFE o vice-presidente da Sotheby's, Axel Stein. Sob o título Fernando Botero: Uma celebração, o leilão comercializou outras obras do artista, como a monumental escultura em bronze "Hombre a Caballo" (1992), de dois metros e meio de altura, pela qual seu comprador pagou US$ 1,17 milhão e outras 17 obras também vendidas  por cerca de US$ 1 milhão, fato que demonstra o fascinio que o artista colombiano exerce sobre os colecionadores de arte. Entre os brasieiros o destaque foi o escultor Cildo Meireles. O único a receber aplausos durante o leilão, depois de vender sua obra em madeira "In-Mensa" por US$ 518.500, um recorde para o artista.  Leião de obras primas latino-americanas - Nova Iorque 25 de maio Sotheby's international realty www.sothebys.com/ Fonte: Agencia EFE, G1   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=243 A exposição Expressionismo alemão – o impulso gráfico é destaque no Museu de Arte Moderna em Nova Iorque. São mais de duzentas e cinquenta obras de cerca de 30 artistas, incluindo trabalhos em pintura, desenho, escultura e serigrafia.   O impulso gráfico é traçado a partir da formação do grupo de artistas Brücke, em 1905, e perdura até 1930, já no período do pós-guerra.  A exposição tem uma visão ampla do Expressionismo, destacando um conjunto diversificado de indivíduos, como Oskar Kokoschka, Vasily Kandinsky, Erich Heckel , Emil Nolde, entre outros.   Suas obras refletem um período de turbulência social e intensas transformações estéticas e politicas na Europa. Estes artistas incluem em seu trabalho um foco na experiência urbana, no corpo, na sexualidade e uma preocupação permanente com a natureza, religião e espiritualidade. Mais crucial para esses nomes, no entanto, foi à experiência da Primeira Guerra Mundial.   A guerra e suas consequências são objecto de obras de uma gama de artistas, incluindo Otto Dix, cuja série de cinquenta gravuras escaldante, a guerra, foi baseada em seu próprio serviço nas trincheiras; Käthe Kollwitz, em uma carteira de sete xilogravuras enfocando a devastação sentida pelas famílias deixadas para trás, e Max Beckmann, cuja série litográfica, Inferno (1919), enfrenta a violência e a decadência em Berlim durante o pós-guerra imediato período.   Nesta mostra foram reunidas pela primeira vez as dezenas de doações realizadas pela Fundação Annenberg para o MoMA, que atualmente apresenta uma das mais importantes coleções internacionais do expressionismo  com cerca de 3000 obras.   Expressionismo alemão – o impulso gráfico - Nova Iorque 27 de março a 11 de Julho Museu de arte Moderna - MoMA http://www.moma.org/ Fonte: MoMA, Euronews   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=242 Quem estiver em São Paulo tem uma ótima oportunidade de conhecer um pouco da produção artística contemporânea do Peru. A exposição Arte al paso em cartaz na Pinacoteca de SP reúne cerca de 100 trabalhos,  entre pinturas, esculturas, fotografias, vídeos e instalação, de 36 artistas cujas obras integram o acervo do Museo de Arte de Lima – MALI. Arte al passo exibe temas ligados à prática coletiva da gravura e da fotografia, com obras que demonstram as primeiras aproximações peruanas ao conceitualismo e às vanguardas internacionais dos anos de 1960 e 1970.  Esta iniciativa pioneira - já que é a primeira vez que parte da coleção de arte contemporânea do MALI é exposta no exterior - apresenta ao público um importante panorama da arte peruana  com trabalhos representativos da realidade do país seja do ponto de vista, político, social e cultural. A realização de Arte al passo é uma parceria da Pinacoteca com o Museo de Arte de Lima que busca consolidar o intercambio entre instituições latino americanas, fazendo circular seus acervos e permitindo que diversos públicos tenham acesso à obras importantes da História da Arte das Américas. Arte al passo - Coleção Contemporânea do Museo de Arte de Lima  - São Paulo 28 maio a 31 de julho Terça a domingo das 10h às 18h Ingressos: R$ 6,00 e R$ 3,00 - Grátis aos sábados. Pinacoteca do Estado de São Paulo www.pinacoteca.org.br   Fonte:  Pinacoteca do Estado de São Paulo, Podcultura   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=241 Traços, cores, equilíbrio, técnicas e formas modernistas são características marcantes do trabalho de Maria Leontina. Considerada uma das mais importantes referências da pintura moderna brasileira, a artista tem sua vida e obra contada na exposição Desenho em Risco, atualmente em cartaz na Caixa Cultural Salvador. A exposição que já passou por cidades como Rio de Janeiro e Brasília, apresenta aos  soteropolitanos mais de 200 obras da artista paulista, incluindo desenhos, estudos preparativos e cadernos de anotações. Com a mostra, o público tem a oportunidade de observar o processo criativo, o passo a passo do atelier, desde os primeiros esboços até os desenhos finalizados e assinados em quatro décadas de atuação, passando do figurativismo expressionismo à geometria sensível.   Com curadoria de Sérgio Pizzolli, a exposição apresenta ainda obras que  participaram de eventos especiais no currículo da artista: os desenhos da Bienal de São Paulo, 1955, e de sua atuação anterior, em Paris, quando recebeu prêmio da crítica com bolsa de estudos no exterior. Já os mais adeptos ao audiovisual podem conferir um documentário poético sobre a artista, de 15 minutos, produzido e dirigido por Alexandre Dacosta, seu filho.     Desenho em Risco – Salvador 04 de maio a 19 de junho Terça a Domingo – 10h as 18h Caixa Cultural Salvador www.caixacultural.com.br   Fonte: Caixa Cultural, Ibahia   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=240 Perfomances em cabarés, filmes, videoclipes, campanhas publicitárias, turnês, fotografias, entrevistas…Um panorama completo sobre a carreira de David Bowie é o que a exposição David Bowie, Artist oferece ao público de Nova York. A mostra em cartaz desde o dia 09 de maio no Museum of Arts and Design (MAD)  tem como objetivo transcender a música e expor a diversidade da carreira de Bowie, que com seu personagem  androgéno Ziggy Stardust revolucionou a cena do rock nos anos 1970.   "Muitas vezes nos focamos apenas no campo pelo qual um artista é famoso, mas a metodologia e o trabalho de Bowie nascem de uma formação realmente diversa, baseada na mudança contínua, na experimentação, na necessidade de fazer algo inovador", explicou à Agência Efe o diretor do programa desta retrospectiva, Jake Yuzna.   Bowie é  tão vanguarda que sua carreira serve serve de inspiração para uma série de artistas até hoje. Atualmente podemos ver seu legado em diversas apresentações como a da cantora Lady Gaga, por exemplo. David Bowie, Artist- Nova york Museum of Arts and Design 09 de maio a 15 de julho www.madmuseum.org Fonte: Folha de S. Paulo, O Estado de S. Paulo       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=239 Nen Cardim faz dos detalhes do seu cotidiano a sua relíquia particular. Pedaços de madeira, vidros, metais, couro de peixe e o que mais conseguir coletar pelas praias o artista reúne em seu acervo. A partir disto, cria esculturas de formas originais e sem compromissos com a figuração. Em sua primeira mostra individual intitulada Relíquias do Terceiro Extrato o artista compartilha toda esta sensibilidade com o público baiano.   A mostra em cartaz somente até o dia 27, na galeria do EBEC, revela a cultura pesqueira e o olhar peculiar do artista sobre embarcações  antigas do Baixo Sul da Bahia. Em suas obras, Cardim demontra intimidade com a matéria prima escolhida. Fator que pode ser entendido através de sua biografia: Natural de Valença, filho de um pescador e uma artesã, desde criança circulou pelos estaleiros e acompanhou o trabalho dos carpinteiros navais na fabricação de embarcações.   O artista fez várias exposições individuais e participou de diversas mostras coletivas em São Paulo, México, Salvador, São Félix, Valença, Alagoinhas, Itabuna, Juazeiro, Porto Seguro, Feira de Santana e Itaparica, tendo recebido diversos prêmios. O projeto Relíquias do Terceiro Extrato é vencedor do edital Matilde Matos – Apoio à Curadoria e Montagem de Exposições, da Fundação Cultural do Estado da Bahia (FUNCEB). Relíquias do Terceiro Extrato - Salvador até 27/05 EBEC, Galeria de Arte - Pituba Seg a Sex de 9h às 19h Fonte: Ascom Funceb, Ibahia   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=238 Audácia e inovação integram o cenário da exposição Retrospetive Guy Bourdin, em cartaz no Museu de Arte Contemporânea de Porto Alegre. Misturando fotografias de moda, filmes e editoriais em movimento, a exposição de um dos precursores da fotografia de moda no mundo, reúne peças produzidas entre 1950 e 1990, cujos temas envolvem sempre humor, surrealismo, fantasia e situações inusitadas.   O artista que influenciou outros fotógrafos como Terry Richardson e David La Chapelle, criou imagens únicas, nas quais histórias, composições e cores saturadas remetem  ao imaginário coletivo. Em vida, nunca participou de uma exposição. Acreditava que seu trabalho deveria ser apresentando apenas dentro do contexto em que foi concebido.Grande parte de sua produção fotográfica pode ser encontrada nas páginas da revista francesa Vogue, publicação para a qual Bourdin colaborou durante 30 anos.   Seu filho, Samuel Bourdin e a curadora responsavel pela da obra de Guy Bourdin, Shelly Verthime, estiveram na capital gaúcha, na abertura da mostra no dia 13/05. Paralelo a exposição, acontece um ciclo de palestras investigando elementos e enlaces presentes na obra de Guy Bourdin, entre eles o surrealismo, o corpo feminino e a fotografia de moda contemporânea.     Retrospetive Guy Bourdin - Porto Alegre 13/05 a 10/06  MAC- Casa de Cultura Mario Quintana visitação: Ter a sexta de 09h às 12h | Sab e Dom de 12h às 21h www.ccmq.com.br   Fonte: Casa de Cultura Mario Quintana, hagah   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=237 A arte fototográfica da Bahia é o destaque na exposição em cartaz no Caixa Cultural. Até 26 de junho, o público baiano poderá conhecer os 30  trabalhos selecionados no 1º Salão de Fotografia do Salvador Foto Clube.  A mostra apresenta o resultado de uma premiação para os trabalhos mais representativos de fotógrafos residentes na Bahia há pelo menos três anos. O júri composto por Marcio Lima, Oliva Patrícia Rego, Armando Ribeiro e Xando Pereira, buscou entre os trabalhos inscritos um olhar diferenciado sobre a cultura baiana e as diversas regiões do estado, valorizando a criatividade dos fotógrafos.   O 1º Salão de Fotografia do Salvador Foto Clube busca contribuir para a articulação do segmento e a formação de novos coletivos de fotografia na Bahia, incentivando os novos talentos a se inserirem no circuito das artes visuais. Além do Salão, serão realizados dois cursos durante o período da exposição: Fotografia para Iniciantes e Aprimoramento Técnico em fotografia. Esse último será ministrado por Cristiano Moscoso. As inscrições podem ser realizadas presencialmente na Caixa Cultural Salvador ou pelo telefone (71) 3421-4200.   A lista dos artistas selecionados pode ser acessada através do site http://salvadorfotoclube.com.br/ 1º Salão de Fotografia do Salvador Foto Clube-  Salvador Caixa Cultural Salvador 17 de maio a 26 de junho - 10h as 18h www.caixacultural.com.br Fonte: Salvador Foto Clube Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=236 Dia 18 de Maio é o Dia Internacional dos Museus e para celebrar tal data o IBRAM (Instituto Brasileiro de Museus) promove em todo o país a Semana Nacional de Museus entre os dias 16 e 22 de maio.  Participarão da 9º edição do evento, museus, galerias e outros espaços culturais, tais como bibliotecas e casas de cultura.   O evento de 2011 tem recorde de participação: 994 museus e instituições culturais presentes em 502 cidades brasileiras. Deste total, mais de 350 instituições participam pela primeira vez do evento. A programação nacional objetiva ser o mais diversa possível despertando o interesse do público para as atividades que acontecem no espaço museológico. Com mais de 3 mil atividades, a programação 2011 inclui cursos, seminários, exposições, feiras, exibição de vídeos e shows musicais.   Na Bahia, a Diretoria de Museus da Secretaria de Cultura também criou uma programação especial, com destaque para a 1º Feira de Museus da Bahia que acontecerá na Praça Municipal de Salvador.  A feira com participação de 28 museus colocará a disposição do público grande parte da produção gráfica produzida nos espaços culturais da cidade. Catálogos e livros de arte poderão ser adquiridos por preços bem mais em conta do que os praticados no mercado.   Quem não quiser se aventurar na feira, pode aproveitar a semana para visitar os acervos e exposições em cartaz, dentre elas: O Ateliê: Carybé 1911-2011, em cartaz na Galeria do Centro Cultural Solar Ferrão, no Pelourinho; Grito! Ano Mundial da Árvore, na Sala de Arte Contemporânea do Palacete das Artes, na Graça; a 29° Bienal de São Paulo – Obras Selecionadas, no Museus de Arte Moderna (MAM); além da mostra Life Style, de David Gerstein, no Museu de Arte da Bahia (MAB).   A programação Nacional do evento, assim como a lista de instituições participantes esta disponível para consulta no site do IBRAM. Já a programação local Semana Nacional de Museus pode ser conferida no blog da DIMUS.                  Semana Nacional de Museus – Brasil 16 a 22 de maio http://www.museus.gov.br   Fonte: Ibram, Dimus   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=235 A exposição Alexander McQueen: Savage Beauty, aberta no começo deste mês de maio, já atraiu para o Metropolitan Museum of Art um dos maiores públicos de todos os tempos da instituição nova iorquina. Apenas no primeiro dia de visitaçãopassaram pelo local mais de 5 mil pessoas, número que ultrapassou outras exposições emblemáticas do museu como a dedicada a Chanel e a Jaqueline Kennedy.   Savage Beauty celebra os 19 anos de carreira do estilista britânico falecido em 2010 aos 40 anos de idade.  Entre as peças expostas estão aproximadamente 100 trajes e 70 acessórios desenhados por McQueen, entre 1992 e 2010. A cenografia da exposição inclui labirintos de espelhos, hologramas, projeções em vídeos e manequins que se mexem, tudo organizado para mostrar ao público o máximo de detalhes das criações do estilista.   As exposições anuais inauguradas após o baile de gala (2 de maio) do Metropolitam Museum of Art são tradicionalmente muito aguardadas e celebradas pelo público de Nova York. Este ano a exposição ganhou folego extra pela qualidade do trabalho e popularidade de McQueen que já desenhou roupas para inúmeras celebridades como Bjork, Sarah Jéssica Parker, Cameron Dias, Cate Blanchett e Lady Gaga.  Quem estiver por Nova York tem até 31 de Julho para conferir Savage Beauty. Alexander McQueen: Savage Beauty - Nova York- EUA 04 de maio a 31 de julho Metropolitam Museum of Art http://www.metmuseum.org/ Fonte: BBC Brasil   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=234 A 7º edição da SP-Arte – Feira Internacional de Arte de São Paulo começou no dia 12 deste mês, em São Paulo e até o dia 15 ocupa o Pavilhão Ciccillo Matarazzo no Ibirapuera. O evento que este ano conta com 89 galerias participantes (14 internacionais) apresenta ao público mais de 2.500 obras de arte moderna e contemporânea, incluindo trabalhos de nomes como Tarsila do Amaral, Marina Abramovic, Sergio Camargo e Cildo Meireles.   A maior e mais importante feira da América Latina acontece desde 2005 e vem a cada ano se expandindo. Em 2010 teve um aumento de 15% de vendas em relação à edição anterior, totalizando R$32 milhões de comércio direto de obras artísticas. Segundo Fernanda Feitosa, diretora e criadora da SP-Arte, este número deve ser ultrapassado na atual edição do evento, já que o mercado brasileiro vive um bom momento.    Uma das novidades da 7º Edição é a criação de um espaço para instalações e obras de grande porte com o objetivo de atrair compras institucionais. São 22 obras localizadas no segundo piso do pavilhão, os destaques são Luiz Zerbini, Iole de Freitas, Marepe e Regina Silveira. Neste mesmo pavimento, existe ainda uma sala para exibição de vídeos selecionados pela crítica Paula Alzugaray.   A edição 2011 da feira contará ainda com um programa de Ciclo de Encontros, dos quais entusiastas de arte poderão participar para debater temas contemporâneos do mercado. Esta programação gratuita acontecerá  no Auditório Lina Bo Bardi do MAM-SP. Artistas pernabucanos e baianos representados pela Galeria Fabio Pena Cal tambem participam da feira, entre eles José Patricio, Eudes Mota, Florian Reis e José Paulo. A lista das galerias participantes, assim como os artistas representados e a programação do Ciclo de Encontros pode ser acessada no site oficial do evento http://sp-arte.com.   SP-Arte - São Paulo - SP 12 a 15 de maio Pavilhão Ciccillo Matarazzo - Ibirapuera Visitação: QUI-SEX |14h as 22h e SAB-DOM | 14h as 20h Preço: R$ 30,00 www.sp-arte.com. Fonte: O Estado de S. Paulo   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=233 Produtores, galeristas e responsáveis por espaços culturais voltados para as artes visuais têm a oportunidade de participar de um projeto de mapeamento pioneiro em Salvador. O VISIO MAPPING pretende formar um banco de dados online contendo informações básicas, fotos ilustrativas e sites de espaços culturais, com o objetivo de facilitar a realização de exposições e eventos de artes na cidade. A criação desta rede visa contribuir de forma efetiva para o fortalecimento da cena de artes visuais soteropolitana, transformando-se em um canal de divulgação e suporte para eventos e produções artísticas - valiosa tanto para os profissionais quanto para o público.   Os interessados em participar do projeto, podem se cadastrar através do endereço: http://visioponto.blogspot.com/p/visio-mapping.html   Fonte: Coletivo Visio Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=232 De 05 a 11 de maio acontece nas ruas do Rio de Janeiro a primeira mostra itinerante dedicada a vídeoarte em espaços públicos (I VIDE URBE). Durante o período, Eder Santos, Simone Michelin, João Penoni e Chico Jofilsan  irão explorar as ruas e fachadas de prédios históricos da capital carioca projetando importantes trabalhos da vídeoarte nacional.   O projeto, com curadoria da videoartista Moana Mayall, explora o espaço urbano como suporte e interface artística e busca aproximar o público da linguagem do vídeo. Exibidos diretamente na rua, os trabalhos artísticos intencionam chamar a atenção da população transeunte que muitas vezes não está habituada a este consumo cultural.    Além das projeções, o festival conta ainda com uma série de oficinas de vídeo para jovens de comunidades populares do Rio de Janeiro. O objetivo de tais atividades é “resgatar experiências pessoais ou compartilhadas, a partir do próprio cotidiano dos participantes e de seus percursos dentro do Rio”, afirma Moana Mayall.     Programação:   Oi Futuro Ipanema – 5 de maio, quinta-feira: Dogville, de Eder Santos, inaugura a mostra a partir da fachada art déco do Oi Futuro Ipanema.  Localização: Rua Visconde de Pirajá, 54, Ipanema  (ao lado do Metrô de Ipanema – saída Visconde de Pirajá).   Lapa – 7 de maio, sábado: Chico Jofilsan reveste com Janelas Habitadas a empena de um grande edifício garagem da rua das Marrecas, na Lapa. Localização: Rua das Marrecas 39, fundos, Lapa, Centro    Centro – 9 de maio, segunda-feira: Circuito, de João Penoni, situa o corpo na superfície concreta da empena de uma casa noturna na Lapa, . Localização: Travessa Mosqueira, 13, Lapa, Centro UERJ – 11 de maio, quarta-feira: Projetada sobre uma das empenas do campus da UERJ, no Maracanã, voltada também para as comunidades da Mangueira e Parque da Candelária, “Fogos de artifício” faz acender um diálogo poético em combustão; Localização: Campus Maracanã (portão situado próximo a saída do Metrô, na entrada onde fica o anfiteatro). I VIDE URBE - Rio de Janeiro 05 a 11 de maio www.videurbe.com.br   Fonte: Revista Trip Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=231 O austríaco Franz West e a americana Elaine Sturtevant são os dois grandes homenageados da 54ª Bienal de Veneza. A decisão foi anunciada pelo diretor da Bienal, Paolo Baratta, e pela curadora desta edição, a suíça Bice Curiger. No dia 4 de junho, em cerimônia após a abertura oficial da mostra os artistas receberão o prêmio Leão de Ouro pelo conjunto de suas respectivas obras.     Nascido em 1947 em Viena, Franz West é considerado um dos mais importantes escultores da Europa, além de se destacar pela relevância de suas colagens e instalações. Sua produção artística que começou como uma reação ao chamado Viennese Actionism (movimento independente dos anos 60 que procurou desenvolver a chamada “arte de ação” - Fluxus , Happening , Performance , Body Art, etc.) vem sendo exibida por mais de três décadas em importantes museus, galerias e festivais.   Já Sturtevant, natural de Ohio, problematiza em seu trabalho a questão da originalidade através de cópias de obras dos mais diversos artistas contemporâneos, como por exemplo Andy Warhol, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Frank Stella e Felix Gonzalex-Torres.   Criada em 1895, a Bienal de Veneza é a mais antiga das grandes mostras internacionais de arte. A cada dois anos uma grande exposição coletiva e dezenas de pavilhões nacionais trazem à cidade italiana centenas de artistas de diversas nacionalidades. Na atual edição, o pavilhão brasileiro, com curadoria de Moacir dos Anjos e Agnaldo Farias, será ocupado pelo artista Artur Barrio.   54.ª Bienal de Veneza - Veneza 04/06 a 27/11  Visitação: 10h as 18h http://www.labiennale.org/    Fonte: O Estado de S. Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=230 O Museu de Arte da Bahia apresenta pela primeira vez em Salvador o trabalho do artista David Gerstein, considerado um dos mais importantes pintores e escultores contemporâneos de Israel. Na exposição Life Style, ele apresenta 36 obras feitas em metal, cortadas a laser e pintadas com cores vibrantes, que formam espécies de “esculturas de parede”.     Em Life Style, o público pode ver uma pequena mostra do que David Gerstein realizou nos últimos anos.  Seus trabalhos mais marcantes surgiram após uma pesquisa de sete anos, quando, em 1995, Gerstein descobriu a tecnologia a laser e começou a criar esculturas de parede em três camadas de aço cortado com esta tecnologia, mas pintadas à mão com tintas para automóvel. “Embora eu as considere como esculturas, ainda me vejo como um pintor que estendeu os limites da pintura para o espaço.”   Esta nova técnica gerou uma série de trabalhos realizados com a mesma técnica, mas com temas diversos. Desde obras inspiradas no meio ambiente, passando pela publicidade, música popular, grafites, entre outros. “Minha inspiração também deriva de minha experiência pessoal e memórias de infância, como as de minha mãe andando de bicicleta com sua saia voando ao vento, ou as das vacas que os meus avós criavam em Jerusalém”. David Gerstein nasceu em Jerusalém (Israel), em 1944. Estudou na Academia Bezalel de Jerusalém, na Ecole Superieur des Beaux Arts de Paris (França) e na Liga dos Estudantes de Artes de New York (EUA). Pós-graduado pela Faculdade de St. Martin’s of Arts de Londres (Inglaterra) foi, entre 1971 e 1985, Professor Sênior da Academia Bezalel de Jerusalém, onde estudou entre 1965/1966.   LIFE STYLE - David Gerstein Museu de Arte da Bahia (MAB) – até 19 de junho de 2011 Av. Sete de Setembro, 2.340, Vitória. Tel. (71) 3117-6902. Visitação: De terça a sexta das 14h às 19h. Sábados e domingos das 14h30 às 18h30.   Fonte: Plug Cultura   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=229 Um dos mais importantes mestres do cinema soviético, ao lado de Sergei Eisenstein, Vsevolod Pudovkin, e Grigori Aleksandro, o grande Dziga Vertov (1896–1954) é apresentado pelo MoMA de Nova York em toda a sua radical experimentação visual. Suas criações com a imagem e o som, seus elaboradíssimos cartazes realizados em colaboração com Aleksandr Rodchenko e a influência que exerceu sobre artistas como Jean-Luc Godard e Steve McQueen, podem finalmente ser apreciadas numa grande exposição. A retrospectiva do MoMA sobre Vertov é a maior já realizada sobre este artista nos Estados Unidos e apresenta desde os seus filmes mudos, trilhas sonoras e trabalhos realizados por seus colaboradores e até mesmo rivais. Pesquisadores, artistas e cineastas, incluindo William Kentridge, Peter Kubelka, Guy Maddin e Michael Nyman, apresentam o trabalho de Vertov e seu legado sob perspectivas contemporâneas em vídeos e debates realizados no dia 07 de maio. A exposição fica em cartaz até o dia 04 de junho.   Dziga Vertov nasceu Denis Abramovich Kaufman na Rússia, em 2 de janeiro de 1896, e faleceu no dia 12 de fevereiro de 1954. Foi cineasta, documentarista e jornalista e o grande precursor do cinema direto, na sua versão de cinema verdade. Dziga Vertov foi um dos primeiros cineastas russos a usar técnicas de animação e desenvolver certos princípios fundamentais da montagem no cinema. Estabeleceu o ABC das linguagem cinematográfica. Para Vertov a montagem é a alma do filme, o motor da sua estética e do seu sentido. O trabalho de Dizga Vertov foi fundamental para o desenvolvimento da construção dramática e melhoria do cinema e para o surgimento do cinema direto nos anos sessenta, com o desenvolvimento das técnicas de filmagem com câmaras leves com som síncrono. O seu filme O Homem com uma Câmera é um marco na história do cinema. Para associar o olho humano ao da câmera, usa, por exemplo, planos de uma persiana, numa metáfora da retina, do diafragma da objetiva, do cinema-olho, capaz de apreender o real. A sua teoria do Kino Pravda, a do cinema-verdade, é fundadora de futuras teorias e práticas numa área fundamental do cinema: o contato direto do olho da câmera com o evento filmado, a verdadeira realidade, ao contrário da ficção.  "Eu sou o cinema-olho, eu sou o olho mecânico, eu sou a máquina que mostra o mundo como só ela pode ver. Doravante serei libertado da imobilidade humana. Eu estou em movimento perpétuo, aproximo-me das coisas, afasto-me, deslizo por sobre elas, nelas penetro; eu me coloco no focinho do cavalo de corrida, atravesso as multidões a toda velocidade, coloco-me à frente dos soldados em assalto, decolo com os aeroplanos, viro-me de costas, caio e me levanto ao mesmo tempo dos copos que caem e se levantam..."   (Manifesto dos Kinoks [cinema-olho] de 1923)   Dziga Vertov The Museum of Modern Art NY – até 04 de junho 11 West 53 Street Visitação: das 10h30 às 20h30 (fechado às terças)   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=228 Poucas pessoas conhecem seu trabalho no Brasil, mas basta entrar na exposição montada na Pinacoteca do Estado de São Paulo para entender por que Paula Rego é uma das mais importantes artistas contemporâneas portuguesas. Na mostra, que leva o nome da artista, estão exibidas 110 obras, entre pinturas, gravuras, desenhos e colagens, percorrendo os últimos 56 anos da carreira da artista nascida em Lisboa, em 1935. A artista constrói com suas cores, pinceis e sensibilidade uma narrativa visual da condição humana, abordando temas como violência, jogo de poder, crueldade e a sobre a situação da mulher.    Segundo Marco Livingstone, curador da mostra, “Paula produziu de maneira consistente uma obra que se comunica de forma poderosa e direta com todos que possuem um sentido de compaixão e justiça social”. A exposição está organizada de maneira cronológica, possibilitando ao visitante conhecer todas as fases da produção de Paula Rego.    Paula Rego já expôs em diversas mostras individuais e coletivas como retrospectivas na Tate Gallery Liverpool (Inglaterra), no Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Espanha) e no National Museum of Women in the Arts (Estados Unidos) entre outros. No Brasil, participou da 10ª (1969) e13º (1975) edições da Bienal Internacional de São Paulo, representando Portugal, e na 18ª edição (1985) representando a Inglaterra, onde vive. Sua obra integra importantes coleções como as da Fundação Gulbenkian, Lisboa, Portugal, Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque, Estados Unidos, Tate e Victoria & Albert Museum, ambas em Londres, Reino Unido.   Paula Rego Pinacoteca do Estado – até 05 de junho Praça da Luz, 2, Luz, tel. (11) 3324-1000.  Visitação: Terça a domingo, das 10h às 18h.  Ingressos: R$ 6.     Fonte: Assessoria de Imprensa Pinacoteca    Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=227   Começa agora, no início do mês de maio, em Nova York, a temporada 2011 da Affordable Art Fair (AAF), importante evento do mundo das artes criado há 12 anos com o objetivo de subverter o modelo tradicional das feiras de arte – que têm seus resultados medidos menos pelo número de obras vendidas, e mais pelas altas cifras que movimentam. A AFF, ao contrário, tem como objetivo principal fazer a arte contemporânea acessível a todos. A Affordable Art Fair um lugar para descobrir e comprar trabalhos de alguns dos mais promissores e jovens artistas, além de nomes já conhecidos da arte mundial, com valores que variam de $100 a $10.000 mil dólares. Por esta variedade de preços, a AAF pretende atingir a um público amplo, do colecionador mais econômico, ao comprador de primeira viagem. A AAF quer provar que não é preciso ser um expert em arte ou um milionário para ter nas paredes de casa ou escritório obras de importantes artistas vivos. E mesmo que para isso a organização busque estabelecer com as galerias um preço justo, a feira movimenta perto de 250 milhões de dólares. Criada por Will Ramsay na Inglaterra, atualmente, a Affordable Art Fair (AAF) acontece em nove cidades do mundo. Além de duas edições em Nova York (primavera e outono), a AAF é realizada em Amsterdam, Bristol, Brussels, Melbourne, Sydney, Milão e Singapura, e também em duas edições em Londres. Para conhecer as datas da feira em cada uma das cidades onde ela acontece é importante visitar o site da AAF. Lá, para auxiliar os novatos no mundo do comércio de obras de arte, existem dicas para adquirir trabalhos e aproveitar melhor a feira. No site é possível ainda encontrar resumos dos principais movimentos artísticos, cumprindo ainda a função de educar. Affordable Art Fair – New York City 05 a 08 de maio  7W 34th Street  Visitação: das 18h às 20h Fonte: site AAF       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=226 Bel Borba, um dos artistas mais populares e conhecidos da Bahia, famoso por seus painéis e obras expostas nas vias públicas de Salvador, recentemente realizou uma intervenção que foi quase uma performance, mas que, na verdade, é a etapa final de um dos seus inovadores processos de criação. Acompanhado por cineastas de Nova York (da Columbia University) que estão filmando um documentário sobre o seu trabalho e a sua relação com a cidade, Bel retirou no início da noite do dia 29 de abril, do fundo da Baía de Todos os Santos, obras que estavam submersas há 13 meses e foram afundadas para conseguir uma nova textura plástica. Agora, está por finalizar este impressionante trabalho, que vai reunir à sua pesquisa de materiais como o ferro e madeira um elemento novo e natural: o mar.    As esculturas que foram retiradas pelo artista do fundo do mar foram expostas inicialmente por Bel Borba em 2009, no galpão das docas de Salvador, para II Semana do Saveiro, como parte da coleção de esculturas Água Grande. Agora, transformadas pela nova textura e relevos que ganharam debaixo d’água, as esculturas serão novamente expostas. A intenção do artista é instalar as peças em frente ao mar do Rio Vermelho (bairro onde estão outras obras do artista), próximo ao campo de futebol, na Avenida Paciência - inclusive, para ver o que acontece com elas ao estarem dessa vez expostas ao sol.   Fontes: G1, Bahia Noticias | Foto: divulgação   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=225 O tempo pode ser um grande aliado para quem investe em arte. Uma testemunha disso é p que aconteceu com a colecionadora america Florence Barron, que em 1963 encomendou um retrato seu a Andy Warhol e depois desistiu da idéia, requisitando que o artista retratasse a sim mesmo. E ele o fez em uma tela que mostra quatro imagens em uma cabine fotográfica, reproduzidas em tons de azul. Self-Portrait foi pago pela colecionadora em algumas prestações, que ao todo somaram US$ 1.600. Décadas depois, a família resolveu vender a obra, que será oferecida em um leilão, realizado em maio pela casa Christie's. A expectativa é de que os lances cheguem até a casa dos US$ 30 milhões, ou mais. O retrato, um silkscreen sobre acrílico que ficava na parede da sala de estar da família Barron, em Detroit, também foi exposto ao público, tendo servido como imagem de capa de catálogos de grandes mostras e retrospectivas da obra de Warhol no Museu de Arte Moderna de Nova York e no museu Guggenheim de Bilbao, na Espanha. Se, como acontece de costume, o quadro alcançar ou superar o valor estimado pela casa de leilão, ele transformará um investimento relativemente pequeno - que não chegou nem a dois mil dólares - em uma verdadeira fortuna.  O recorde de preço para um autorretrato de Warhol é US$ 32,6 milhões, obtido em um leilão da Sotheby's em Nova York, em maio do ano passado. Já o valor mais alto pago por uma obra do artista foi desembolsado pelo comprador de Green Car Crash (Green Burning Car I), vendida pela Christie's por nada menos que US$ 71,7 milhões em 2007. E a senhora Barron, que comprou o primeiro autorretrato de Warhol quando encomendou seu próprio retrato, mas mudou de ideia e sugeriu que o jovem artista retratasse a si mesmo,  afirmando: "Ninguém me conhece. As pessoas querem ver você", agora poderia ter uma prova de que estava mais do que certa. Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=224 A mostra de Frans Krajcberg no Palacete das Artes Rodin Bahia intitulada Grito! Ano Mundial da Árvore integra as comemorações dos 90 anos do artista e pode ser visitada até o dia 05 de junho. Nela estão expostas 13 esculturas, 08 relevos e 16 fotos realizados pelo pintor, escultor, gravador e fotógrafo nascido em 1921, na cidade de Kozienice (Polônia). Ativista da causa ambiental, o artista também exibe em salvador a escultura Flor do Mangue, construída a partir de resíduos de árvores de manguezais destruídos pela especulação imobiliária. Há outras esculturas de grandes dimensões, feitas de cipó e troncos de madeira queimada, retiradas de florestas onde houve depredação. Frans Krajcberg é um dos artistas visuais mais importantes e polêmicos de sua geração e nesta mostra destaca a figura da árvore  nas esculturas, relevos e as fotografias. “A natureza deu-me a força, devolveu-me o prazer de sentir, de pensar, de trabalhar, de sobreviver. Quando estou na natureza, eu penso a verdade, eu falo a verdade, eu me exijo verdadeiro”. Grito! Ano Mundial da Árvore | Frans Krajcberg Palacete das Artes Rodin Bahia  - Salvador Visitação: Até 5 de junho Entrada Gratuita Fonte: Pelourinho Cultural Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=223 O Musée du quai Branly exibe, até o dia 24 de julho, estátuas, máscaras e outros objetos produzidos pelo povo Dogon, de Mali oriental, e grupos étnicos vizinhos no Mali. O destaque da mostra, batizada com o nome deste povo, que produziu as peças em exibição, é a androginia presente na forma como eles representavam as figuras humanas. O conjuto das 300 esculturas que compõem a mostras inclui peças do museu Paris Dapper, do New York Metropolitan Museum of Art, do museu Brooklyn e de coleções privadas - além da coleção do próprio museu que sedia a mostra - e há verdadeiras antiguidades, como itens datados do século 10. Muitas das peças, feitas em madeira, são figuras hermafroditas, com traços tanto masculinos como femininos. Acredita-se que desempenhavam uma função em rituais de fertilidade feitos pelo povo Dogon. "Os Dogon acreditam que é a união do homem e da mulher que compõe o ser perfeito", explica Helene Leloup, organizadora da exposição. Há também figuras de cavaleiros, mãe com crianças, além de figuras com os braços para cima pedindo por chuva. Dogon Musée du quai Branly - Paris Visitação: Até 24 de julho Entrada: 8,50 € Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=222 O artista alemão Franz Ackermann tem São Paulo como a sua segunda cidade. Durante dois meses, morou em um apartamento no bairro de Pinheiros,  experiência que motivou os trabalhos apresentado na exposição New Ads for São Paulo, em cartaz no Galpão e na Galeria Fortes Vilaça. No cinzento galpão, na Barra Funda, o artista se pauta pelo urbanismo e mescla técnicas e mídias, trazendo tonalidades chamativas em um grande painel composto de registros fotográficos, pinturas e desenhos a lápis. Na galeria da Vila Madalena ele foca em paisagens e formas naturais. Estão também na galeria alguns trabalhos antigos, como uma série fotográfica do centro de São Paulo em que foram realizadas intervenções digitais. Franz Ackermann costuma registrar em suas obras as impressões dos diferentes lugares do mundo pelos quais tem a oportunidade de passar. O artista esteve presente no ano passado na mostra Se Não Neste Tempo — Pintura Alemã Contemporânea: 1989-2010, do Masp. New Ads for São Paulo |  Franz Ackermann Galeria Fortes Vilaça e Galpão Fortes Vilaça - São Paulo Visitação: Até 30 de abril Entrada gratuita Fontes: Uol, Folha de São Paulo. EYE4DESIGN, Veja São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=221 O New Museum apresenta em Nova Iorque uma retrospectiva do celebrado artista George Condo. Com seu traço "cartunizado" o pintor consegue se aproximar também de grandes referências da arte clássica, utilizando métodos tradicionais de pintura. É essa fusão de elementos que o público poderá vem na exposição Mental States e que fez de Condo um dos mais consagrados nome da cena americana. A exposição apresenta o que o artista chamou de "pesquisa conceitual" do trabalho nos últimos 30 anos. Dividido em diferentes seções que examinam diferentes temas e gêneros que ocupam papel central  em sua obra, revelando também sua visão tragicômica. A instalação de maior impacto da mostra é uma enorme parede ao estilo dos salões acadêmicos do século 19, com mais de 50 “retratos” de personagens imaginários, em técnicas e tamanhos variados, de diferentes e senão de todas as fases do artista, que escancara suas intenções, criatividade e habilidade técnica. Condo desenvolveu um estilo de pintura original, que emprega o desenho virtuoso e pintura manipulação dos velhos mestres para descrever suas idéias, com claríssimas referências a Picasso e Gory, na hora de criar seus  personagens. Amigo de  Keith Haring e Jean-Michel Basquiat, ele misturou a arte clássica com ícones pop criando um repertório surpreendente e original. Mental States | George Condo New Museum - Nova Iorque Visitação: Até 8 de maio Entrada: U$12 Fontes: EYE4DESIGN, New Museum Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=220 Se estivesse vivo, em 2011 Carybé se tornaria um homem centenário. Celebrando a ocasião, a exposição O Ateliê: Carybé 1911-2011, em cartaz no Centro Cultural Solar Ferrão, exibe 17 pinturas a óleo que o artista deixou inacabadas e nas quais trabalhava na época de sua morte. Além das pinturas, fazem parte da exposição peças do mobiliário do ateliê, muitos objetos de arte e livros que o pintor colecionava. A idéia da curadoria é aproximar o público da intimidade do artista e de seu processo criativo. A mostra traz a reprodução do lugar onde Carybé realizou grande parte de sua obra – incluindo seu cavalete e sua mesa de trabalho, que ainda mantém as paletas de preparo de tintas, pincéis e espátulas, já que o lugar foi conservado da maneira como foi deixado pelo artista, quando da sua morte em 1997. Já as 17 obras inacabadas, sem assinatura, revelam bastante do processos e técnicas utilizados pelo artista, pois se apresentam em diferentes estágios de acabamento.    Carybé é visto como um dos inventores da Bahia e agora a exposição traz ao público a oportunidade de ver um pouco do lugar e das ferramentas que ajudaram a forjar esta idéia de baianidade.   O Ateliê: Carybé 1911-2011 Galeria Solar Ferrão - Salvador Visitação: Até 5 de junho Entrada Gratuita Fonte: DIMUS - IPAC Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=219 Morto em Março, o fotográfo Thomaz Farkas é homenageado com uma exposição que traz cerca de cem imagens clicadas entre as décadas de 40 e 70, escolhidas por ele pouco antes de sua morte. A exposição Thomas Farkas: Uma Antologia Pessoal fica em cartaz no Instituto Moreira Sales, em São Paulo, até o dia 1 de maio. Algumas imagens apresentadas pertencem à época em que o artista se associou ao Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB),  que foi umlocal de debate sobre a atividade fotográfica, que buscava discutir e colocar em prática as idéias das vanguardas europeias e norte-americanas. Os paulistas do FCCB buscavam uma estética específica para a foto, com novos enquadramentos e pontos de vista inusitados.  Com uma abordagem mais humanista, de quando Farkas se aproxima do fotojornalismo, há imagens séries produzidas sobre o Rio de Janeiro, mostrando a vida dos moradores de bairros populares e regiões do centro histórico da então capital federal. É dessa mesma fase sua célebre sequência sobre o Balé Yara. Mais recentes, também fazem parte da antologia imagens coloridas, datadas de 1975,, feitas durante uma expedição científica ao Amazonas e em uma incursão a Salvador. "Ele será lembrado como o grande nome da fotografia moderna brasileira e também deixará um legado importantíssimo para o cinema nacional", diz Sergio Burgi, um dos curadores da exposição. Thomas Farkas: Uma Antologia Pessoal Insitutp Moreira Sales - São Paulo Visitação: Até 1 de maio Entrada Gratuita   Fontes: G1, Instituto Moreira Sales Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=218 No mês em que se comemorou o Dia Internacional da Mulher, a artista plástica Fátima Tosca teve sua obra reconhecida pelo “Prêmio Barra Mulher 2011”. A iniciativa homenageou dez mulheres baianas que foram destaque em 2010, em diferentes áreas de atuação, tendo como tema "Mulheres que promovem a Felicidade". Realizado pelo Shopping Barra, o prêmio foi comemorado em uma solenidade na noite do último dia 22 de março, quando foi entregue o troféu foi criado também por uma mulher, a escultora Evannez Pyton. Fátima, representante das Artes Plásticas, foi premiada ao lado da arquiteta Eliane Kruschewsky (Arquitetura e Design); da estilista Luciana Galeão (Moda); da professora e escritora Mabel Veloso (Educação e Cultura); da empresária Karine Queiroz (Atividade Empresarial); da desembargadora Sílvia Zarif (Atividade Jurídica); da repórter Anna Valéria (Comunicação); da nadadora Mônica Veloso (Esporte); da médica Gildete Lessa (Medicina e Saúde); e da assistente social Maria do Carmo de Oliveira (Ação Social). Até o dia 3 de abril, o público poderá conhecer mais sobre as trajetórias das ganhadoras na exposição que permanece em cartaz na praça central do Shopping. Fontes: Tribuna da Bahia,  Salvador Acontece, Mundo Vip Bahia, Revista Bahia Social Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=217 A edição 2011 da maior e mais importante feira de arte da América Latina já começa a gerar repercussão. A SP-Arte finalmente divulgou as 87 instituições (quinze delas internacionais) que participam do evento em seu sétimo ano de existência, quando ocupará todo o térreo e o primeiro piso do Pavilhão Ciccilo Matarazzo, entre os dias 12 e 15 de maio. A lista completa com todos os artistas e galerias que participarão da feira pode ser conferida no site oficial da SP-Arte. Artistas baianos e pernambucanos representados por Fabio Pena Cal, ou que possuem obras à venda na Galeria, como Calazans Neto, Christian Cravo, Eudes Mota, Florian Raiss, Floriano Teixeira, Gaio Matos, José Patrício, José Paulo, Marcelo Silveira, Mario Cravo Júnior, Mario Cravo Neto e Vauluizo Bezerra, participam da SP-Arte este ano. Para esta edição, a organização investiu na reformulação do site, projetado para ser tanto um ambiente virtual para a divulgação do evento, quanto para o acompanhamento de suas atividades. Nele, o internauta pode acessar a lista de galerias, por ordem alfabética, encontrando informações sobre os artistas representados por cada uma delas. Além disso, blog da SP-Arte vai acompanhar a programação do evento e divulgar notícias do mundo das artes visuais e do mercado, também publicadas pelo Twitter, diariamente. Nesta sétima edição, o destaque da SP-Arte fica ainda por conta do programa do Ciclo de Encontros, onde os visitantes poderão debater temas relacionados à arte e ao mercado. Em breve, a organização vai divulgar no blog a programação dos Encontros, que acontecem entre os dias 12 a 14 de maio no auditório do MAM .   Na edição anterior, a SP-Arte registrou um aumento de 20% no seu volume de vendas, movimentando 31,45 milhões de reais. Este ano, a organização espera superar estes números. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=216 A exposição Newspeak: British Art Now - Part II, exibida na Saatchi Gallery, fica em cartaz até o dia 17 de abril e pretende apresentar trabalhos de artistas contemporâneos fora dos padrões, normalmente não aceitos por outras grandes instituições artísticas de Londres. O espaço foi Inaugurado por Charles Saatchi em 1985  para exibir sua coleção particular de obras de arte. Mais de vinte anos depois, a galeria é uma das maiores influências artísticas da Inglaterra.  Newspeak: British Art Now - Part II traz 150 peças, entre esculturas, pinturas, instalações e fotografias de mais de 50 artistas em início de carreira, e para a crítica representa "uma explosão de novas e vigorosas formas”, demonstrando a força da arte contemporânea britânica - o que parece cumprir o objetivo da galeria de antecipar o que está sendo feito e reconhecer os artistas mais interessantes, atraindo a atenção do público hoje para alguém que pode ser o sucesso de amanhã. Newspeak: British Art Now - Part II Saatchi Gallery - Londres Visitação: Até 30 de abril Entrada Gratuita Fonte: EYE4DESIGN Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=215 Gerhard Richter é um dos mais conhecidos artistas alemães da contemporaneidade. Ele apresenta na Caixa Cultura Salvador a exposição Sinopse, com 27 trabalhos que representam todas as fases de sua obra, que mistura fotografia e pintura. Visitar sua exposição é uma oportunidade única para conhecer a obra de um artista em alta no mercado de arte. Em fevereiro deste ano, uma das mais influentes galerias de arte do mundo, a Sotheby‘s, de Londres, vendeu um quadro abstrato seu, de 1990, por 7,2 milhões de libras, o equivalente a R$ 19,2 milhões. Esta façanha fez com que a publicação especializada Art Newspaper o considerasse o artista vivo mais caro do mundo. Em 1961, Gerhard Richter trocou a tradição da pintura do realismo socialista da República Democrática Alemã por um confronto com a pintura informal tardia e da iniciante PopArt, sempre explorou novas possibilidade. Em 1962, pela primeira vez, partiu de uma foto para realizar uma pintura. Desde então, coleciona sistematicamente obras de fotografia para servirem como matriz para seu trabalho. “Eu não sou seguidor de sistemas, de vertentes ou de intenções. Eu não tenho nenhum programa, nenhum estilo, nenhuma razão especial”, decretou o artista, em 1966. A retrospectiva apresentada em Salvador traz obras que datam dos anos 60, além de pinturas abstratatas dos anos 80 e 90, todas pautadas por seu interesse pela experimentação na pintura e pela história recente da Alemanha.  Sinopse | Gerhard Richter  Caixa Cultural Salvador - até 24 de abril Av. Carlos Gomes, 57, Centro Visitação: das 9h às 18h Entrada franca Fonte: site Caixa Cultural, Salvador Acontece , Correio da Bahia e Beco Cultural Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=214 O pintor Fernando Botero, célebre por suas pinturas de mulheres e homens sorridentes e gordinhos, apresenta na Caixa Cultural Brasília trabalhos pouco conhecidos, motivados pela violência da história colombiana. As obras da exposição Dores da Colômbia  ficam em cartaz até o dia 1º de maio.   Ao todo,  estão em exposição 67 obras,  que destoam do tom humorístico mais conhecido do pintor. Em Dores da Colômbia, o  artista se volta para episódios que afligiram seu país, marcado pela violência e pelo narcotráfico, que Botero classificou como “um testemunho da irracional história colombiana”.  São obras produzidas entre 1999 e 2004 e doadas ao Museu Nacional da Colômbia Botero nasceu em 1932, na cidade de Medellin, e em 1951 mudou-se para Bogotá. No México, ele estudou os murais políticos de Rivera e Orozco, que o influenciaram em sua visão política.  “Meu país tem duas faces. Colômbia é esse mundo amável que eu pinto sempre, mas também tem o rosto terrível da violência", analisa.    Dores da Colômbia | Fernando Botero Caixa Cultural Brasília - até 1º de maio de 2011 (SBS, Qd. 3, Lt. 34 - Asa Sul) Visitação: de terça a domingo, das 9h às 21h Entrada gratuita   Fontes: site Caixa Cultural, jornal Correio Brasiliense, site Mais Brasília Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=213 A 29ª Bienal de São Paulo esteve em cartaz no Pavilhão da Bienal Parque Ibirapuera entre 25 de setembro e 12 de dezembro de 2010, reunindo 850 obras de 159 artistas dos mais variados países. Em Salvador,  54 trabalhos de 14 artistas formam o recorte da exposição apresentado ao público no Museu de Arte Moderna, a partir de 25 de março. A mostra 29ª Bienal de São Paulo – Obras Selecionadas (Salvador) ocupará todos os cinco espaços expositivos do MAM-BA com curadoria de Moacir dos Anjos e Agnaldo Farias, responsáveis pela coordenação da curadoria da 29ª Bienal. Na edição soteropolitana estão presentes trabalhos de Andrew Esiebo, Anri Sala, Antonio Dias, Apichatpong Weerasethakul, David Goldblatt, Douglas Gordon, Enrique Jezik, Gil Vicente, Jean Luc Godard,  Miguel Rio Branco, Mário Garcia Torres, Marta Minujin, Sophie Ristelhueber e Grupo de Artistas de Vanguardia.   “O público se surpreenderá com a espetacular instalação do artista inglês Douglas Gordon, que ocupará o espaço da Capela do MAM com dezenas de monitores de TV, cada um exibindo um trabalho diferente, além da videoinstalação do tailandês  Apichatpong Weerasethakul, artista vencedor do último festival de cinema de Cannes”, promete o curador Moacir dos Anjos. Entre as obras que integram a mostra itinerante, destaca-se ainda em Salvador o filme que retrata o Pelourinho no final da década de 1970, feito pelo artista espanhol Miguel Rio Branco. A itinerância da Bienal vai passar por 12 cidades brasileiras até o final do também passou por outras cidades, como Rio de Janeiro, Belo Horizonte, Recife, Curitiba, Porto Alegre, Araraquara, Campinas, São Carlos, Piracicaba, Santos e Ribeirão Preto.     A 29ª Bienal de São Paulo – Obras Selecionadas (Salvador) Museu de Arte Moderna da Bahia Visitação: De 25 de março até 20 de maio de 2011 Entrada Gratuita Fontes: site do Museu de Arte Moderna da Bahia, Portal SECULT Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=212 Na primeira vez que uma exposição aberta ao público é montada no segundo andar do Palácio do Palácio do Planalto, o tema é especial. Durante o  mandato da primeira mulher a ser presidente do Brasil, a exposião Mulheres, Artistas e Brasileiras, em cartaz de 23 de março a 5 de maio na sede do governo,  traz cerca de 80  obras das principais pintoras e escultoras brasileiras do século XX.. Apesar da presença de nomes como Anita Malfatti, Djanira, Maria Leontina, Tomie Otake, Maria Martins, Carmela Gross, Leda Catunda, Beatriz Milhazes, Regina Silveira, Fayga Ostrower, Lygia Pape, Rosangela Rennó, Mary Vieira, Anna Bela Geiger, Yolanda Mohalyi, Maria Bonomi, Lygia Clark, o destaque da exposição vai para a presença do Abaporu, de Tarsila do Amaral. Emprestado pelo  Museu de Arte Latino-americano de Buenos Aires, o quadro é um dos grandes símbolos do modernismo no Brasil e foi exposto durante a Semana de Arte Moderna, em 1922.  O nome Abaporu significa, em Tupi, “homem que come gente”, uma referência à proposta modernista de “deglutir” a cultura estrangeira, fazendo uma releitura com base na realidade brasileira.   Com tema político e localizada na casa do governo, a exposição, antes de ser aberta ao público, teve um público ilustre. Em visita ao Brasil, o presidente americano Barack Obama e sua esposa, Michelle Obama, foram acompanhados pela presidenta em uma visita à mostra. Mulheres, Artistas e Brasileiras Palácio do Planalto - até 5 de maio Entrada Gratuita Fonte: Blog do Planato Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=211 Está em cartaz em Londres, na galeria Pure Evil, a primeira invidividual do brasileiro Felipe Yung “Flip”  no país. Misturando referências orientais e ocidentais, a  exposição  Shunga Pop traz a ironia da pop art para o mundo da pornografia oriental, dialogando com o conceito de “shunga” - desenhos eróticos do século XVI, que eram criados para consumo exclusivo da corte do imperador, e que, além do objetivo de estímulo, tinha caráter de educação sexual. Com imagens feitas em um papel impresso artesanalmente em Kyoto, no Japão, Flip reafirma na mostra  suas múltiplas raízes culturais, além da grande influência da arte e filosofia oriental. Para esta exposição na Inglaterra, com fortes elementos sexuais, aparecem ainda as padronagens vibrantes e os personagens infantis do artista paulistano, que criou um diálogo impactante entre esses diferentes elementos. Sunga Pop | Felipe Yung “Flip” Galeria Pure Evil – Londres Visitação: Até o dia 27 de março Entrada Gratuita Fontes: Update or Die, EYE4DESIGN Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=210 Retratos, Naturezas Mortas e Jardins Intemporais leva à Biblioteca Nacional de Portugal trabalhos do artista português José Augusto (1922- 2005). Na mostra, aparecem as influências recebidas dos movimentos impressionistas, que também o levaram a uma curta fase pontilhista, desenvolvida mais tarde, desde os anos oitenta até o seu falecimento.   Transitando entre diversos estilos, o artivista sempre se dividiu entre  arte abstrata e o figurativismo, sempre trabalhando com alto grau de excelência técnica. Sua necessidade de mudar diminuiu no fim da vida, quando se dedicou aos trabalhos em que criou as imagens conhecidas como "jardins intemporais" que compõem a exposião na Biblioteca Naciolnal Portuguesa, junto com outros trabalhos das diferentes fases do artista.     Retratos, Naturezas Mortas e Jardins Intemporais  | José Augusto Biblioteca Nacional de Portugal Visitação: Até 30 de abril Entrada Gratuita Fonte: Biblioteca Nacional de Portugal Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=209 Os artistas baianos Araci Tanan, Cláudio de Souza e Elias Santos apresentam Desdobras – Desdobramentos de obras literárias em obras de escultura, na Livraria Cultura. As oito esculturas produzidas com materiais como papéis canson, ferro, arames, gesso e giz, trazem interpretações de obras literárias e do trabalho de teóricos como Nietzsche; Theodor Adorno; Gilles Deleuze; Kafka; Gilles Lipovetsky; Simone de Beauvoir; Jean Baudrillard e Jacques Rancière.     Desdobras – Desdobramentos de obras literárias em obras de escultura Livraria Cultura -Salvador Visitação: Até 10 de abril Entrada Gratuita Fonte: Salvador por Estefano Diaz Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=208 Após 12 anos a exposição de longa duração do acervo da Pinacoteca do Estado vai mudar neste segundo trimestre de 2011, e com ela, todo o segundo andar que a abriga. Marcando esse processo, desde o dia 10 de março, os visitantes da Pinacoteca podem ver instalações expostas nas áreas de acesso do andar em reforma e que exploram o tema da curiosidade.  Com o título Aos curiosos, a primeira instalação traz um olho mágico na parede e olhando através dele é possível ver um painel eletrônico com uma pergunta. Já a segunda instalação, traz a mesma pergunta dividida em oito fechaduras fixadas na parede. Ao nos aproximarmos delas, lemos cada parte da frase em cada uma das fechaduras. Na terceira instalação, prevista para o dia o início de abril, um copo foi fixado na parede. Colocando o ouvido, ouvimos uma voz que, como nas outras peças, também repete um questionamento. E na quarta e última instalação, através de um periscópio lemos uma placa colocada do outro lado da parede, com a mesma pergunta. Assim como é nas exposições regulares museu, a fachada do prédio ganhou um banner divulgando a exposição "fictícia", considerada também como uma campanha publicitária. Assinam a criação Eduardo Lima, Bruno Oppido, Romero Cavalcanti e Mariana Borga, com direção de criação de Fabio Fernandes e Eduardo Lima. Aos Curiosos Pinacoteca do Estado de São Paulo - São Paulo Visitação: Não informado/ Enquanto durar a montagem da nova exposição Entrada Gratuita Fonte: F/Nazca Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=207 O desempenho do Brasil na última Art Basel Miami é motivo para comemoração no mercado brasileiro. Apontado como uma nova potência no negócio, a sua presença em uma das maiores feiras do gênero no mundo é reflexo de uma boa combinação do contexto econômico mundial com o bom momento da produção local. "Foi espetacular. Digo não só financeiramente, mas também pelo fato de as obras terem sido vendidas para boas coleções. Para nós, o mais importante é isso. Significa que os colecionadores crêem no artista e em sua carreira, além da visibilidade que a obra ganha dentro dessas coleções", afirma Akio Aoki, diretor internacional da Galeria Vermelho, em São Paulo.   Luciana Brito galerista de São Paulo, que levou nomes nacionais e estrangeiros a Miami, concorda. "O saldo da feira foi muito bom pra gente. Hoje, há um grande interesse pela arte brasileira lá fora. Houve uma descoberta da nossa produção, principalmente, contemporânea", afirma.   Para André Millan o mercado de arte contemporânea vem crescendo em progressão geométrica e dá atenção especial aos artistas nacionais. O proprietário da Galeria Millan, no bairro da Vila Madalena, em São Paulo, levou à Art Basel um time formado exclusivamente por brasileiros, entre eles Tunga, Mira Schendel e Ana Maria Maiolino. Ele atribui o bom momento à inventividade e originalidade do produto nacional: "A arte contemporânea brasileira atrai o público, o mercado e colecionadores no exterior porque traz algo de novo. Ela está firmada no mercado internacional hoje, ao contrário da arte moderna nacional, que não acrescentou nada à história da arte moderna", afirma. Segundo ele, o bom momento da produção começou com nomes como Hélio Oiticica, Lygia Clark e Sérgio Camargo  e  se fundamentou sobre o legado que esses artistas deixaram para gerações posteriores.   Millan aponta ainda uma queda da participação de colecionadores internacionais, em contraste com o crescete interesse e desenvolvimento do mercado interno. Ele observa a mundança nos números: "Vendi de 60% a 70% das obras a brasileiros e de 30% a 40% para estrangeiros. Normalmente, o que acontece, ou o que acontecia até então, é que nós vendíamos de 80% a 90% para coleções estrangeiras e de 10% a 20% para coleções nacionais. Faço feira de arte há 15 anos e é a primeira vez que isso acontece".    A galerista Luciana Brito chama a atenção para a grande quantidade de galerias brasileiras presentes na Art Basel Miami de 2010 e da força que vem ganhando a arte da américa latina. "A ARCO, de Madri, está fazendo uma seção especial focada na arte latino-americana. A Armory, em Nova York, que acontece em março, também vai ter um espaço dedicado à arte da América Latina. Isso quer dizer que existe uma atenção muito especial para essa produção e, lógico, que o Brasil é a maior presença", diz. Fonte: Revista Brasileiros   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=203 A mostra Cenas da Bahia reúne 20 pinturas em acrílica sobre tela do artista plástico baiano Leo Strand , mostrando imagens típicas da Bahia: o Recôncavo, o carnaval e cenas cotidianas.  O artista começou a se interessar por pintura aos 12 anos e ,na adolescência, estudou grandes mestres das artes como Van Gogh, Gorky, Braque, Klimt, Beckmann e Rouault. Admirador dos artistas como Carybé, Jenner Augusto e Carlos Bastos, Strand apresenta trabalho fortemente marcado pelo legado destas figuras e também por sua de sua terra natal. Cenas da Bahia | Leo Strand Aliança Francesa  Visitação: Até 12 de março Entrada Gratuita Fontes: iBahia, Visto Livre   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=202 Em cartaz na ciade de  Lisboa, a mostra Idioma Comum reune obras de nomes importantes da CPLP (Comunidade dos Países de Língua Portuguesa). No Espaço da Fundação PLMJ (instituição que leva o nome de seus fundadores) o público pode ver parte do seu acervo, começado há 10 anos para investir na arte produzida em português.  As obras apresentadas foram inspiradas por cidades como Maputo, Luanda, São Paulo, Lisboa, Cidade da Praia e São Tomé, e assinadas por artistas que, em vários momentos, extrapolaram as fronteiras políticas e ganharam visibilidade em feiras de arte internacionais ,como a Bienal de São Paulo ou de Veneza.  O curador Miguel Amado observa: "Numa cena artística internacional cada vez mais atenta aos fenômenos locais e às regiões exteriores ao eixo de poder protagonizado pela Europa Central e do Norte e pelos Estados Unidos da América, o potencial deste acervo é elevado porque oferece uma leitura panorâmica e sistemática da produção artística emergente no espaço lusófono, suscitando o seu contato com a realidade internacional" Idioma Comum Espaço Fundação PLMJ - Lisboa Visitaão: Até 26 de Março Entrada Gratuita Fonte: Revista Zupi Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=201 Trinta obras do artista plástico brasileiro Vik Muniz estarão expostas em São Paulo até o final de abril. As peças fazem parte da mostra Relicário, em cartaz no Instituto Tomie Ohtake.  A maior parte do que está exposto vem dos anos 80 e 90.Muitas das peças estiveram nas primeiras individuas que o artista fez em Nova York (1988) e no Brasil (2000) e não foram  mostradas ao público desde então. Há, além disso, trabalhos mais recentes, derivados de projetos antigos que não foram realizados à época, por diferentes motivos. Com luvas de seis dedos, caveiras com nariz de palhaço, plumas de mármore Carrara e sarcófagos feitos de tupperware, o artista promove uma mostra com peças muito variadas. Na série Flora Industrtialis,ele cataloga fotografias de flores artificiais com rigor científico e identifica o país fabricante e o tipo de material empregado. Relicário | Vik Muniz Instituto Tomie Ohtake - São Paulo Visitação: Até o dia 24 de abril Entrada gratuita Fontes: Ig, Uol Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=200 O ano de 2011 começou movimentado para Alice Vinagre. A artista paraibana participou de duas mostras coletivas, inaugurando novos espaços para  a arte contemporânea em João Pessoa e em Recife, e foi selecionada para expor no Centro Cultural Banco do Nordeste, no Ceará.    Em fevereiro, Alice Vinagre participou da mostra que marcou a abertura oficial da Galeria de Arte Archidy Picado, da Fundação Espaço Cultural da Paraíba (Funesc), em João Pessoa. A exposição apresentou ao público a Reserva Técnica da Galeria (que compõe o acervo de artes visuais da Fundação e possui atualmente mais de 100 peças). A mostra foi também uma oportunidade de expor pela primeira vez as 15 obras recentemente restauradas do seu acervo, entre as quais está o trabalho de Alice Vinagre e outras de Josildo Dias, Sebastião Pedrosa, Raul Córdula, José Rufino, Chico Dantas, Alberto Lacet, Roberto Lúcio, Marlene Almeida e Akbar Behkalam.    Neste mesmo mês, Alice participou da mostra coletiva Ano 11, que reinaugurou a Galeria Mariana Moura em seu novo endereço, no bairro de Boa Viagem, em Recife. A obra de Alice foi exposta ao lado do trabalho de outros 17 artistas, como Gil Vicente, Carlos Melo, Bárbara Wagner, Pragana, Laura Vinci e Nazareno, além de Marcelo Silveira e José Patrício - estes dois, com obras também na Fabio Pena Cal Galeria de Arte.   E para fechar, também no início deste ano o Centro Cultural Banco do Nordeste confirmou a pauta das suas exposições, com uma boa notícia para Alice Vinagre. Sua individual “Anotações sobre Pintura” foi selecionada, ao lado de “Água Viva”, de Amanda Melo, e da coletiva “Entre 8″, para compor a programação das galerias do Centro Cultural Banco do Nordeste de Fortaleza e de Cariri, no Ceará.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=198   A exposição A Cultura Negra e Suas Cidades é uma homenagem à sacerdotisa Makota Valdina . A mostra reúne 60 imagens de diferentes fotógrafos, registradas em lugares como Salvador, Cuba e Paris, e celebra também a beleza da cultura negra.   Valdina Pinto ocupa o cargo de Makota (auxiliar direta da Mãe de Santo) do Tanuri Junçara, Terreiro de Candomblé Angola. Professora aposentada da rede pública municipal e educadora dos projetos do  Ilê Aiyê, Valdina Pinto é uma referência para as comunidades negras de Salvador, sendo reconhecida como mestra nos ambientes intelectuais nacionais e internacionais pela articulação entre a prática e a teoria da sabedoria bantu.   A Cultura Negra e Suas Cidades Teatro Vila Velha Visitação: A partir de 01/03/2011 (longa duração) Entrada Gratuita Fonte: Guia do Ócio Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=197 Até o dia 13 de março, a Fondation Cartier Pour l'Art Contemporain, Paris, apresenta a exposição Moebius-Transe-Forme. São cerca de 250 documentos, incluindo ilustrações inéditas, que fazem parte da carreira do autor e ilustrador francês Jean Girard, conhecido como Moebius.   Com seus desenhos míticos, placas originais em preto e branco, composições em cores hipnóticas e históricas inéditas, a exposição abre passagem para o mundo "moebiesque".  Moebius é de longe um dos artistas mais importantes das histórias em quadrinhos no mundo. Além disso, trabalhou em Hollywood, sendo responsável pelo visual de filmes considerados visionários, como Tron, de 1982. A exposição celebra os 50 anos de carreira    Moebius-Transe-Forme Fondation Cartier Pour l'art Contemporain - Paris Visitação: Ate 13 de março Entrada: 8,50 € Fontes: IG,  Em Quadrinho Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=196  Ela tem os olhos entreabertos, os braços alongados atrás das costas e os pés na quarta posição. É como se a bailarina de Degas se preparasse para entrar na dança, agora que volta ao Masp depois de passar dois anos e meio numa turnê mundial. Obra de 1880 do artista francês Edgar Degas, a Bailarina de 14 Anos tem algumas irmãs gêmeas pelo mundo, mas está sozinha no país. Passou por museus de Hamburgo, Madri e fez algumas paradas nos Estados Unidos antes do retorno agora como peça central da primeira mostra do ano no museu da avenida Paulista. Nela, a rugosidade do bronze do corpo e do corpete contrasta com a leveza do tecido da saia e do laço que amarra seus cabelos. Degas retoma aqui um pouco da estética impressionista que cunhou em seus numerosos quadros de bailarinas, deixando aflorar um realismo um tanto anacrônico no retrato da pequena dançarina. Não há desvios no traço, o rosto é preciso, as mãos e as pernas firmes no bronze, como se fossem carne congelada, longe das pinceladas difusas das telas do artista.Isso talvez pela obsessão que nutria pela figura dessa garotinha. Marie van Goethem, que chegou a dançar na Ópera de Paris, serviu de modelo para a escultura, mas historiadores encontraram no ateliê do artista inúmeros esboços em giz e carvão da mesma menina em poses diferentes, uma delas até nua. Na leitura do Masp, não espanta que a mostra que começa hoje tenha o nome Obsessões da Forma, embora seja outra a obsessão de que fala o museu. Degas entra no balaio do conjunto de esculturas como representante da obsessão pela matéria que pautou a escultura moderna. Na mesma linha, estão obras de Francisco Stockinger, que constrói um casal de contornos esmaecidos - a dissolução da forma -, ou Caciporé Torres, com um trabalho que lembra escombros naufragados, a forma toda bruta. Mas o ponto fulcral da mostra parece ser outro: a oposição entre a Vênus de Renoir e o Bicho Alado do brasileiro Emanoel Araújo. São duas figuras em metal negro, a primeira em bronze e a outra em aço. Renoir cria uma mulher lustrosa, figurativa. Rejeita o entorno, numa frequência alternativa, obcecado pela própria perfeição e suas curvas hiperbólicas. Araújo abstrai qualquer contorno orgânico de seu bicho, construindo um vulto enorme que exalta não a subjugação da matéria à forma representada, mas o triunfo dessa matéria sobre os anseios do artista, vencido pela potência do aço rígido.É uma briga que a abstração parece ter vencido até agora, pelo menos até que apareça outra Vênus.   Obsessões da Forma Museu de Arte de São Paulo Visitação: Até 27 de março Entrada: R$ 15 Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=195 No lugar de Veneza, São Paulo ou Kassel, José Roca - colombiano que é o curador geral da oitava edição da Bienal do Mercosul - busca no interior do país a inspiração para o projeto de um dos principais eventos de artes visuais da América Latina. Ao lado de outros curadores, Roca propõe uma reinvenção da cartografia das artes visuais do país na 8ª Bienal do Mercosul, que tem como tema “Ensaios de Geopoética” e acontece em setembro deste ano, não apenas em Porto Alegre, mas, pela primeira vez, também em pequenas cidades do Rio Grande do Sul.    A "estética do frio" é um conceito definido em livro pelo gaúcho Vitor Ramil que foi retomado por José Roca para o projeto da 8ª Bienal. "Precisamos de uma estética do frio. (...) Havia uma estética que parecia mesmo unificar os brasileiros, uma estética para que nós, do extremo sul, contribuíamos minimamente", escreveu Ramil.  A partir desta ideia, Roca enxerga a paisagem do pampa, a milonga e a cultura da carne como eixo definidor dessa estética, completamente diferente do trio "selva, samba e calor" que parecem definir, interna e externamente, o resto do país.    Porto Alegre, sede da Bienal, é uma referência de Brasil para os países que lhe fazem fronteira. Uma terra distante do famoso Brasil tropical, mas muito próxima da realidade e da paisagem dos hermanos do Paraguai, Uruguai e Argentina (não à toa, estes países dividem hábitos como o grande consumo do chimarrão e da carne). E são estas semelhanças culturais, ou as suas diferenças, que darão o tom à Bienal.    "Sempre me pareceu estranho que uma Bienal tivesse o nome de um tratado de livre comércio", disse Roca aos jornalistas presentes na apresentação do seu projeto de Bienal, que aconteceu na cidade de Pelotas, no interior gaúcho. "Mas como, hoje, multinacionais têm mais poder e dinheiro que alguns Estados, quero entender essa nova noção de nação."  Roca dá neste momento a dica da sua linha curatorial dessa Bienal, centrada na ideia de uma nova geopolítica, formada a partir dos laços não só econômicos, mas também culturais e geográficos.   Assim, o título da 8ª Bienal do Mercosul – Ensaios de Geopoética – refere-se às diversas formas sugeridas pela arte para definir o território a partir da geografia, da política, da economia e da cultura. Mais que um tema, a noção de território é uma estratégia de ação curatorial. Nesta nova proposta, artistas, obras e curadores viajarão pelo Rio Grande do Sul em diferentes momentos do projeto, enquanto Porto Alegre, sede da Bienal, também será entendida como território a ser descoberto e ativado. Para acompanhar estas “viagens” um blog foi criado para registrar e compartilhar com a comunidade o desenvolvimento do projeto curatorial.   E o trabalho já começou. Os curadores viajaram para países latino-americanos como Paraguai, Peru, Cuba, Argentina, Uruguai, além de terem apresentado o projeto da Bienal na Espanha (ARCO), na Costa Rica, no México e no Panamá. No Brasil, Roca e seus assistentes já visitaram 20 cidades, descobrindo circuitos alternativos das artes visuais, com artistas que transformaram fábricas desativadas e antigas tecelagens em ateliês. Este contato direto é também uma característica dessa Bienal do Mercosul. Nela, Roca pretende expor o resultado de viagens realizadas por artistas convidados que, juntos, percorrerão velhas rotas do gado e missões jesuíticas. Seus relatos de viagem e os produtos realizados ao longo do caminho serão mostrados tanto em pontos das rotas viajadas, quanto no cais do rio Guaíba, em Porto Alegre. Nessa cidade, o interesse de Roca é chamar a atenção para partes esquecidas da malha urbana, através de instalações que provoquem estímulos sensoriais.   Fontes: site e blog da Fundação Bienal do Mercosul e jornal Folha de São Paulo.       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=194 O público poderá visitar até o dia 20 de março a exposição Humanus, da artista Zau Pimentel, no Núcleo de Cultura e Natureza Okada, no Pelourinho. As pinturas e esculturas ficam disponíveis para visitação pública gratuita gratuita.   Nesta mostra, a artista expõe seus trabalhos com o objetivo de sensibilizar o olhar para a necessidade urgente de se reencontrar o equilíbrio entre os valores do “ter” e do “ser”.  Humanus | Zau Pimentel  Núcleo de Cultura e Natureza Okada Visitação: Até 20 de março Entrada Gratuita Fonte: Guia do Ócio Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=193 O Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA) inaugurou esta semana uma exposição com 65 obras do pintor espanhol Pablo Picasso que representam violões. Desenhos, pinturas, esculturas e fotografias estão entre as peças que compõem a exposição que fica aberta até o dia 6 de junho . A mostra Picasso. Violões. 1912-1914 conta com obras do período artístico do pintor entre a criação de duas esculturas em forma de violões: a primeira, feita de papelão e corda, em 1912, e a segunda, fabricada com metal, em 1914. "Trata-se da primeira exibição que observa com profundidade estas duas construções de violões e as põe no contexto de uma época de grande experimentação do artista", explicou a organizadora da mostra, Anne Umland. Picasso. Violões. 1912-1914  Museu de Arte Moderna de Nova York Visitação: Até 6 de junho Entrada: U$ 20   Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=192  Mais de 50 anos depois que fez sua última fotografia, as manobras da objetiva, o rigor obsessivo e a métrica de uma poética visual que forjou a fotografia moderna estão juntas na retrospectiva com 170 de suas obras que a Pinacoteca do Estado abre em São Paulo.   Foi no sótão de um teatro que Aleksandr Ródtchenko nasceu. Descia uma escada íngreme e dava direto no palco. "Vi minha primeira paisagem ali", lembra o artista russo. "A vida do teatro era a vida verdadeira, e o que estava lá fora --eu não tinha ideia." Ródtchenko começou moldando paisagens com flores artificiais que seu pai montava para os cenários das peças. Depois foi depurando sua estética até começar a fotografar e provocar a maior revolução na imagem capturada já vista até hoje.   Quando passou a ter alguma ideia do que se passava lá fora, alargou os horizontes do teatro onde nasceu para o palco da Rússia às voltas com a revolução iniciada em 1917. Entendeu que a nova ordem política pedia outra ordem estética e deixou um receituário para retratar a vida na crueza de seus ângulos. "A arte do futuro não será a agradável decoração de apartamentos", escreveu o artista morto em 1956. "Até agora não percebemos este fato chamado vida, que só necessitaria ser organizado e depurado de ornamentos."   Já sem as flores do palco, Ródtchenko encarava o teatro da vida real, em desfiles cívicos, retratos de amigos e parentes, cartazes e fotomontagens, com forte rigor geométrico. Desafiava o olhar duro, o ponto de vista único, com sobreposições de imagens, a violação do negativo, e enquadramentos curtos, de baixo para cima. "Quero fazer fotos incríveis, nunca feitas, da própria vida, reais", escreveu. "Fotos simples e complexas ao mesmo tempo, que espantarão e arrebatarão as pessoas."   Num de seus retratos mais célebres, enquadra a própria mãe com uma lente no olho se esforçando para ler - só muito velha é que começou a entender a palavra escrita. Seu livro some e o rosto e os óculos ocupam todo o plano, num prelúdio à reinvenção do olhar que Ródtchenko começava então a montar. Também não deixa de encarnar ali certa vontade de desestruturar a ordem, um paralelo entre a leitura tardia da mãe, a Rússia em convulsão, e uma releitura da forma propalada pela fotografia.   Ródtchenko emprestou seus experimentos visuais para dar cara e carne aos versos de Vladimir Maiakóvski, poeta que retratou noutra de suas séries mais emblemáticas. Ele rodeia seu retratado com a câmera, que surge em múltiplos ângulos, lápis no bolso e cigarro na boca. "Cristalize o homem não pelo retrato 'sintético' mas de vários instantâneos em momentos e condições diferentes", escreveu. "Preze tudo que é real e contemporâneo."   Aleksandr Ródthenko Pinacoteca do Estado de São Paulo Visitação: Até 1 de maio Entrada: R$ 6 Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=191 Com o intuito de cortar custos, aproximar os continentes e ampliar os espectros, a VIP Art Fair – e aqui, a sigla ganha novo significado: “Viewing in Private”, ou “Visualização Privativa” – aconteceu entre 22 e 30 de janeiro e foi a primeira feira de arte virtual do mundo. Organizada por James Cohan, dono da prestigiada e homônima galeria de Nova York, e sua mulher Jane, o evento reuniu 139 galerias dos cinco continentes. Dentre as brasileiras estão as galerias Fortes Vilaça, Nara Roesler e Luisa Strina. “Desenvolvemos, através da tecnologia, um sistema refinado no qual as galerias e os colecionadores pudessem tirar vantagem da abrangência global da internet”, diz Jane Cohen, organizadora da feira. E explica: “Ao fazer login, os internautas entrarão no Atrium, onde podem acessar informações gerais sobre a feira, além de um mapa dos três halls, Premier, Focus e Emerging, onde poderão navegar”. O evento teve acesso livre, mas os interessados em realizar compras deveriam comprar ingressos VIP, que custaram US$ 100 nos dois primeiros dias e US$ 20 nos restantes. As negociações eram feitas diretamente entre comprador e vendedor. Fonte: Revista Cult Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=190 O trabalho da ilustradora Iansã Negrão marca a reabertura da Galeria Moacir Moreno, no Theatro XVIII, no Pelourinho. A exposição Jardim Suspenso é a primeira mostra individual da designer e ilustradora e apresneta cerca de 100 obras que formam um apanhado da produção da artista nos últimos anos.   Com imagens marcadas pela construção de momentos de intimidade, solidão, alheamento e entrega dos personagens, surpreendidos em epifanias cotidianas, a artista flagra o banal do mundo com afeto, materializando-o em diversos suportes e em diferentes horas - em casa, no trabalho, numa sala de espera. "Jardim suspenso sempre teve essa conotação de lar para mim, de varanda da casa com plantas", afirma a artista. Os quadros de pequeno formato dominam boa parte da exposição, apresentados em molduras de diferentes formatos e cores, que contrastam com o preto e o cinza dominantes nas imagens. “É que sou meio cega para as cores”, afirma a artista em tom de brincadeira. Boa parte dos desenhos foi feita com tinta preta e lápis, outros são experimentações no ambiente digital. Os formatos maiores são gravuras digitais impressas em canvas.  Jardim Suspenso | Iansã Negrão Galeria Moacir Moreno - Pelourinho Visitação: Até 03 de março Entrada Gratuita Fonte: Visio Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=189 Documentos inéditos e pertencentes ao Arquivo do Estado da Itália, como manuscritos do pintor Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) de anedotas e pensamentos, além de seus contratos de aluguel e denúncias policiais contra ele, são os protagonistas da exposição Caravaggio em Roma - Uma Vida Autêntica, inaugurada na capital italiana. A mostra, em cartaz até 15 de maio, centra-se no período em que o artista viveu na capital italiana, de 1595 a 1606. Entre as informações destacadas nessa pesquisa, está a de que Caravaggio trabalhou por anos no ateliê do pintor siciliano Lorenzo Carli e nele pintou o famoso quadro A Morte da Virgem. A exposição, que celebra o quarto centenário da morte do artista, também conta com um contrato de aluguel no nome de Caravaggio, no qual figura uma cláusula que permite ao pintor "quebrar o teto para poder ter mais espaço para suas pinturas de grande formato" além de oferecer mais luz. O professor de arte Maurizio Calvesi explicou durante a entrevista coletiva de inauguração da exposição que ter descoberto algo assim é "verdadeiramente interessante", pois explica aspectos técnicos do uso da luz nas obras do pintor, e assinalou que o famoso quadro A morte a Virgem foi pintado nesse estúdio. Outro destaque da mostra é a presença do retrato que Caravaggio pintou do papa Pablo V, o pontífice que condenou a morte do artista anos depois.  Caravaggio a Roma. Una vita dal vero Archivio di Stato - Roma Visitação: Até 15 de maio Enrada: € 8  Fonte: Estadão Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=188 Algumas experiências multimídia ousadas que nunca saíram do papel concebidas por Haroldo de Campos tomaram corpo para a exposição realizada em sua homenagem no Itaú Cultural e na Casa das Rosas. A instalação audiovisual H LAXIA, que também batiza a mostra, surge como vedete do projeto Ocupação. Inspirada em Galáxias, cultuada obra experimental de Haroldo mais conhecida do público pelo trecho musicado por Caetano Veloso (Circuladô), a peça é um túnel de 11 metros, em espiral, iluminado por luzes psicodélicas, no qual o público assiste a vídeos e ouve trechos do livro lidos por vozes anônimas (gravados durante a última Bienal). Numa cabine de áudio, o visitante poderá também gravar sua leitura de Galáxias, que será de pronto incorporada ao trabalho. O túnel leva a um "útero", onde estão expostos objetos do acervo de Haroldo, revelam seu "paideuma" (grupo de autores referenciais) e sua troca com intelectuais. Estão lá as "marginálias" (anotações que ele fazia nas laterais dos livros), recortes de jornais acumulados por 50 anos, edições raras, dedicatórias de amigos como Octavio Paz, Umberto Eco e João Cabral de Mello Neto. Se H LAXIA, instalada no Itaú, explora a figura do intelectual múltiplo, as salas da Casa das Rosas (centro vizinho que conserva o acervo do escritor e que, vale lembrar, chama-se Espaço Haroldo de Campos de Poesia e Literatura) se atêm às fases e à profusão da obra poética. Estarão lá as salas â mago do ô mega, com cartazes originais da exposição concretista de 56 (pintados com esmalte por Carmem, mulher e parceira de Haroldo); Percurso Poético (fase da "poesia do cotidiano"); A Máquina do Mundo Repensada e o móbile Do Céu ao Chão. No espaço externo da Casa, estarão totens com trechos do poema Servidão de passagem. Feliz coincidência, o local, que liga a avenida Paulista à alameda Santos, é de fato, uma servidão - passagem, para uso do público, por terreno particular. Para o poeta Frederico Barbosa, curador junto com Gênese Andrade, Marcelo Tápia e Lívio Tragtenberg, é uma chance de mostrar que Haroldo foi bem mais que um poeta concreto. H LAXIA - OCUPAÇÃO HAROLDO DE CAMPOS Itaú Cultura e Casa das Rosas - São Paulo Visitação: Até 10 de abril Entrada Gratuita Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=187 Após o recesso do final de ano, a 10ª Bienal do Recôncavo – um dos maiores e mais significativos eventos dedicado às artes visuais do Norte-Nordeste do país – retoma suas atividades e abre novamente as portas ao público, na cidade de São Félix (Recôncavo Baiano). Até o dia 27 de março, a programação educativa da Bienal continua com a realização de palestras e eventos como o lançamento do livro 50 Anos de Arte na Bahia, da curadora e critica de arte Matilde Matos, além de apresentações de grupos musicais.   Entre pinturas, esculturas, fotografias, instalações e vídeos, a Bienal exibe 200 trabalhos de artistas de todo o país, que apontam para a diversidade de estilos e tendências artísticas (como performances, instalações, fotografias, pinturas, gravuras, desenhos, esculturas, objetos e tapeçarias). Como observaram por unanimidade os membros da comissão formada por Aldo Tripodi, Chico Liberato e Danillo Barata, o julgamento foi trabalhoso, complexo, porém compensador. 10 ª Bienal do Recôncavo Centro Cultural Dannemann - São Félix Visitação: Até  27 de março Entrada Gratuita Fontes: Guia do Ócio, Correio*, Fofoki Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=186 O Museu de Arte Contemporânea apresenta 48 obras de jovens artistas chineses - entre vídeos, instalações, fotografias e pinturas – com foco especial nas questões sociais de uma nova China. A acelerada economia de mercado na China provocou mudanças na produção cultural do país. Os artistas passaram a dedicar atenção especial às questões sociais revelando outras facetas do país para além do seu papel como um dos protagonistas da economia contemporânea na sociedade de consumo globalizada. Comunidade de Gostos: Arte Contemporânea Chinesa desde 2000, fica em cartaz entre os dias até o dia 27 de março. Os trabalhos são dos mais reconhecidos artistas chineses contemporâneos, como os pintores Lao Jiang e Wang Yin, além dos artistas e fotógrafos Cao Fei e Dong Wensheng, permitindo que o público de São Paulo entre em contato com o que de mais instigante se produz em termos de arte na China de hoje. A mostra apresenta ainda as vertentes da produção artística chinesa contemporânea, englobando fotografias, instalações, vídeos e pinturas. Embora as obras apresentem traços de experiências artísticas ocidentais, cada vez mais elas são dominadas por indagações sobre como perpetuar e responder à cultura tradicional. Comunidade de Gostos: Arte Contemporânea Chinesa desde 2000 Museu de Arte Contemporânea  - São Paulo Visitação: Até 27 de março Entrada Gratuita   Fonte: Cidade de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=185 O Museu Metropolitan de Nova York apresenta a exposição O Paraíso Privado do Imperador: Tesouros da Cidade Proibida, com obras retiradas da área mais secreta do palácio imperial de Pequim. Ela fica em cartaz até 1o de maio. São 90 peças oriundas dos 27 prédios do jardim-santuário construído por ordens do imperador Qianlong no canto nordeste da Cidade Proibida, no centro de Pequim. Ele pretendia usar o local quando se aposentasse, o que nunca aconteceu. O jardim então permaneceu intocado e desocupado desde que ficou pronto, em 1776. Nunca foi aberto ao público, e uma restauração iniciada em 2001 deve ser concluída em 2019. O jardim é composto por diversos edifícios, projetados para diferentes atividades -- como a "câmara suprema do cultivo harmonioso", ou o "prédio das nuvens luminosas." Curadores da exposição disseram na segunda-feira que o evento será uma oportunidade única para ver objetos de lá, já que eles provavelmente nunca mais deixarão a China. "O jardim se destinava a ser um testemunho duradouro da eficácia do regime (do imperador)", disse o curador Maxwell Hearn. "Cada superfície foi embelezada com o mais fino artesanato, os mais preciosos materiais imagináveis." Embora a coleção represente o ápice da arte chinesa no final do século 18, ela também revela influências ocidentais. Alguns biombos, por exemplo, apresentam tradicionais motivos orientais -- bambu, flores de ameixeiras e pinheiros -- junto com vidros, que são uma importação do Ocidente. Técnicas ocidentais de proporção e representação também são incorporados em vários pergaminhos. Mas a influência ocidental se limita principalmente a aspectos decorativos, disse Hearn, já que o imperador não soube lidar com a ascensão da Europa, então ávida por ter acesso às rotas comerciais da China.   O Paraíso Privado do Imperador: Tesouros da Cidade Proibida The Metropolitan Museum of Art - Nova Iorque Visitação: Até 1 de maio Entrada: US$ 20       Fonte: Uol Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=184  A partir do dia 2 de fevereiro, o Oi Futuro apresenta a exposição Warhol TV, que reúne a importante e pouco conhecida obra do artista Andy Warhol produzida para televisão.   Todos os filmes e vídeos fazem parte do acervo do Museu Andy Warhol, em Pittsburgh, Estados Unidos e a curadoria e idealização do evento ficou por conta da francesa Judith Benhamou-Huet, autora de inúmeras publicações de arte.   A expo fica no Rio até 3 de abril, em seguida Belo horizonte que fica em cartaz do dia 12 de abril a 12 de junho. Warhol TV | Andy Warhol Oi Futuro - Rio de Janeiro Visitação: Até 3 de abril Entrada Gratuita Fonte: Portal Imprensa Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=182 Já está em funcionamento ao tempo em que realiza ajustes, para oferecer a seus usuários novas ferramentas de interação, a mais nova ferramenta on line voltada ao mercado de arte do país: a Corretora de Arte.com, desenvolvida por Fabio Pena Cal e implementada pela empresa InActu Soluções Integradas. A Corretora é uma aposta da Galeria na nova tendência de comércio eletrônico, o e-business, funcionando com uma proposta diferenciada dos outros sistemas já existentes, como o processo comum de compra e venda e ou dos leilões virtuais. Oferecendo desde obras de artistas contemporâneos brasileiros reconhecidos mundialmente, como Vik Muniz, até trabalhos de modernistas baianos, como Calasans Neto e Jenner Augusto, a Corretora de Arte.com traz como diferencial a clareza e a transparência na negociação - princípios do comércio justo.     “Este sistema é manejado por nossos corretores que visam intermediar a relação entre vendedor, comprador e artista de uma maneira mais justa e humanizada”, explica Fabio Pena Cal, que há dois anos teve a idéia da corretora e contratou essa ferramenta-web junto à InActu. “Mais do que construir um software específico para o comercio eletrônico de obras de arte, nossa maior preocupação e esforço para a implementação da Corretora é a criação de parâmetros para a negociação das obras, visando chegar a um preço justo, que atenda tanto ao artista e vendedor, quanto ao comprador. Neste sentido, estamos indo na contramão do mercado brasileiro atual, onde a especulação é um dado real e aumenta a cada dia, como se fosse a única alternativa para o crescimento do mercado da arte no Brasil”, explica Fabio Pena Cal, para quem existem outras formas de desenvolvimento.   O empresário, colecionador e galerista acredita verdadeiramente que uma relação mais justa no comércio das obras de arte pode contribuir para o aumento da produção e para a difusão das artes visuais em nosso país. “Por um preço justo, mais pessoas começam a comprar obras de arte. Com isso, os artistas podem produzir mais e, ao final, é possível vender mais, num movimento cíclico de crescimento. E com a comodidade da internet, é possível fazer isso sem sair de casa”, finaliza Fabio.   Como funciona Podendo ser acessada pelo site institucional e informativo da Fabio Pena Cal Galeria de Arte ou diretamente pelo endereço www.corretoradearte.com, a Corretora de Arte.com foi concebida como uma ferramenta simples, com interface dinâmica e de fácil manejo, de forma a ampliar as suas possibilidades de acesso e utilização. Nessa fase inicial de operação, com a contribuição dos usuários e a partir de suas dúvidas, críticas, elogios e sugestões, está sendo construída a seção “Perguntas Frequentes”, de maneira interativa.   Quanto a sua proposta de funcionamento, apesar das semelhanças entre a Corretora de Arte.com e os leilões virtuais (como o fato de estabelecer um preço mínimo e aceitar ofertas de compra), existem importantes diferenças. Os leilões ficam abertos por um tempo determinado favorecendo, desta forma, aquele comprador que der o último lance, obrigando-o a estar conectado quando do termino do prazo para leilão da obra. Na Corretora de Arte.com, não é assim. Quando um comprador opta por fazer uma oferta a partir do preço mínimo, ela é enviada para a avaliação da corretora (que trava o sistema, avisando aos demais usuários que existe uma proposta sendo estudada). Esta oferta pode ser aceita ou, então, a obra volta a ser disponibilizada pela Corretora, para novas propostas de compra. Em todos esses momentos, a relação entre usuário do sistema e a equipe da corretora acontece sistematicamente, através de emails automáticos, registrando cada passo realizado. Existe ainda outra importante diferença entre o funcionamento da Corretora e do leilão. No sistema criado por Fabio Pena Cal, o comprador pode optar pela compra direta da obra, sem passar pela apreciação do vendedor – e normalmente, por um preço menor do que a obra teria se fosse vendida na galeria. Por tudo isso, a Corretora de Arte.com acaba oferecendo excelentes oportunidades de negócios, de uma forma, ou de outra, tanto para o vendedor quanto o comprador Clique aqui e conheça a Corretora de Arte.com!     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=181 Um dos mais criativos nomes da contemporaneidade, o mexicano Gabriel Orozco acaba de ter inaugurada uma retrospectiva de sua obra na Tate Modern, em Londres. A mostra tem curadoria de Jessica Morgan, alguém que com o passar dos anos tornou-se uma verdadeira especialista em analisar a produção do artista. “Passei o último ano imersa no estranho e maravilhoso universo de Orozco. Reunir tantos trabalhos, de tantas fases, é fruto de um processo fascinante, e muito especial para mim. Essa exposição é uma retrospectiva não só da arte de Gabriel Orozco, como da minha vida em relação à sua arte”. Conhecido pela constante experimentação, Orozco tem trabalhado incansavelmente em diferentes países ao redor do mundo. Suas esculturas, produzidas com objetos encontrados ao acaso, nos permitem investigar os novos sentidos daquilo com que lidamos no cotidiano. A fascinação do artista pelo jogo pode ser confirmada a partir de trabalhos produzidos a partir de uma mesa de bilhar, um tabuleiro de xadrez, e muito mais. “Este tipo de reviravolta inesperada torna o trabalho interessante para os amantes de arte contemporânea. A quem Orozco se preocupa em proporcionar uma experiência de arte inusitada e cativante”, diz a curadora. Gabriel Orozco Tate Modern - Londres Visitação: Até 25 de abril Entrada: £10.00 Fonte: Supergiba Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=178 O pintor britânico David Hockney reencontrou-se com o desenho quando, deitado na cama, na costa leste da Inglaterra, pegou o iPhone e, empurrado pela própria natureza de artista, se flagrou a transferir para a pequena tela o nascer do sol que via pela janela. "Eu não teria desenhado a aurora se eu tivesse um lápis e um papel à mão. Foi a luminosidade da tela que me incitou", descreve, no texto feito para a exposição David Hockney, Fleurs fraîches (flores frescas), em cartaz na Fundação Pierre Bergé - Yves Saint Laurent, em Paris. A mostra, que fica aberta até o dia 30 de janeiro, reúne 200 desenhos que Hockney, um dos mais importantes artistas contemporâneos, fez sobre iPhones e iPads. As imagens que chegam a público surgiram nesse mesmo quarto com vista para o nascer do sol. O espaço, conta Hockney, era diariamente decorado com flores frescas. "Aprender a desenhar é aprender a olhar e aprender a olhar não faz mal a ninguém", ensina, no texto da exposição. Hockney, que já foi chamado de "o pintor mais célebre do mundo", e teve suas imagens da Califórnia transformadas em símbolo do hedonismo da sociedade atual, andava desaparecido do grande circuito. Não expunha em Paris desde 1999. E ele observou que, se no iPad mudará muita coisa, da imprensa escrita à nossa relação com a tela da TV, não é possível achar que as artes plásticas passarão ao largo do seu impacto. Seus desenhos, que perderiam todo o sentido se fossem impressos, uma vez que ganham vida apenas com a luminosidade da tela, procuram capturar algo que é específico das novas tecnologias.   Fleurs fraîches | David Hockney Fundação Pierre Bergé - Yves Saint Laurent - Paris Visitação: Até 30 de janeiro Entrada: 10 € Fonte: Folha de São Paulo   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=177 Representando de forma lúdica a estética popular nordestina, a exposição Outras Estórias, da artista plástica Paula Ângela, está aberta para visitação no Ciranda Café Cultura & Artes, no Rio Vermelho. A mostra, que tem entrada franca, apresenta pinturas e esculturas inspiradas em situações que a artista presenciou desde sua infância. Com a curadoria de Pablo Lucena, a exposição utiliza-se de traços marcados pela memória popular e chega a ser considerada uma biografia. O trabalho que hoje é desenvolvido por Paula Ângela é uma criação lúdica, através do retrato da realidade, que contempla três aspectos: Social, Biográfico e Homenagem. Natural da Paraíba, a artista viveu sua infância em Alagoa Grande e no engenho Cachoeira em Areia. Nesses locais, sempre teve uma proximidade com o artesanato, podendo adquirir muitas lembranças valiosas, tanto pelo registro etnográfico social, como pelo recorte peculiar daquela sociedade. Outras Estórias | Paula Ângela Ciranda Café Cultura e Artes Visitação: Até 31 de janeiro Entrada Gratuita Fonte: iBahia.com Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=176 O Museu da Imagem e dom Som apresenta a Mostra do Prêmio Internacional Sony de Fotografia / World Photography Awards Exhibition. Pela primeira vez em São Paulo, a exposição é composta por imagens vencedoras do Prêmio Internacional de Fotografia 2010, por fotos do programa Sudent Focus e da campanha da UNICEF, A Photo Pledge for Children’s Rights Award.  A exposição irá combinar fotografias impressas e mídias digitais e também incluirá uma seleção de vencedores brasileiros dos Prêmios Internacionais de fotografia de 2008, 2009 e 2010. Além da exposição, a WPO e o MIS realizam uma série de eventos, incluindo palestras e workshops voltados tanto para fotógrafos profissionais como para amadores, estudantes e interessados em geral. Confira os eventos relacionados abaixo. Mostra do Prêmio Internacional Sony de Fotografia  Museu da Imagem e do Som - São Paulo Visitação: Até 20 de março Entrada: R$ 4 Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=175  A casa Christie's vai colocar à venda obras de arte no valor de US$ 114-168 milhões em seu primeiro grande leilão de 2011, incluindo uma natureza-morta de Paul Gauguin criada em homenagem a seu amigo Vincent Van Gogh. Vários recordes do mercado de arte foram derrubados em 2010, a despeito das preocupações com a fragilidade da economia mais ampla, e as estimativas para o leilão noturno de arte impressionista e moderna marcado para 9 de fevereiro são as segundas mais altas da história para um leilão equivalente da Christie's em Londres. "2010 representou um marco para o mercado da arte, que assistiu a leilões e resultados recordes", disse Giovanna Bertazzoni, diretora de arte impressionista e moderna da Christie's Londres. "Esses bons resultados foram impelidos pela demanda por trabalhos de arte impressionista ou moderna raros ou novos no mercado, trabalhos esses que representaram sete dos dez maiores preços pagos em leilões no ano passado. Seis deles foram superiores a US$ 50 milhões", disse. "A categoria continua a atrair novos colecionadores de mercados consolidados e também emergentes, entre os quais China e Rússia." A maior atração da noite deve ser Nature Morte à 'L'Esperance, de Gauguin, pintado em 1901 e sendo uma das quatro pinturas de girassóis feitas pelo artista naquele ano. A tela foi exibida na retrospectiva de Gauguin feita em 1906 e em mais de 20 grandes exposições em museus desde então, mas não é vista em público desde 1989. O leilão também terá quatro trabalhos da coleção do Instituto de Arte de Chicago, dos quais o principal é Natureza Morta com Violão(Cortinas Vermelhas), de Georges Braque, previsto para ser vendido por entre 3,5 e 5,5 milhões de libras. A expectativa é que o leilão principal levante 55-81 milhões de libras e que as obras surrealistas que serão postas à venda na mesma noite rendam outros 19-28 milhões de libras. Entre elas estão telas de Rene Magritte e Salvador Dali. Uma série de leilões diurnos de trabalhos menores, em 10 de fevereiro, teve seu valor estimado em 15-22 milhões de libras. Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=174 Genaro de Carvalho (1926-1971) foi um dos mais importantes artistas baianos e precursores do Modernismo no estado. Agora o artista ganha uma grande retrospectiva sobre sua obra no Museu de Arte da Bahia (MAB). A exposição Genaro de Carvalho – De Memória: uma Retrospectiva, que tem organização geral de Nair de Carvalho e curadoria de Alejandra Muñoz,  tem como objetivo apresentar a obra do artista para as novas gerações. Reconhecido nacional e internacionalmente por suas pinturas, desenhos e murais, Genaro deu à tapeçaria um novo status, elevando-a à condição de obra de arte. O que tornou-lhe fundador da moderna tapeçaria brasileira. Ele produziu ainda estampas, figurinos, sapatos, objetos de design e móveis, que, pela primeira vez, estarão ao lado de algumas das suas principais obras, montando um panorama completo de sua trajetória, com cerca de 70 peças em exposição até 13 de fevereiro de 2011. Genaro de Carvalho – De Memória: uma Retrospectiva Museu de Arte da Bahia Visitação: Até 13 de fevereiro Entrada Gratuita Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=173 A americana Petah Coyne usa animais empalhados, peças de carros, cera e feno para criar trabalhos refinados, em que mescla esses materiais - que podem parecer incompatíveis ou de mau gosto - e os transforma em marcantes esculturas. Os trabalhos de Coyne estão expostos no MASS MoCA, 0 museu de arte contemporânea de Massachusetts, Estados Unidos. A exibição Everything That Rises Must Converge é uma retrospectiva das obras feita pela artista nos últimos dez anos. Inspiradas na literatura, no cinema, na política e em experiências pessoais, suas obras fazem alusões à vida, à morte, e a conceitos como vulnerabilidade e agressividade. Everything That Rises Must Converge | Petah Coyne Massachusetts Museum of Contemporary Art  - North Adams Visitação: Até 3 de abril de 2011.  Entrada: U$15   Fonte: Revista Zupi Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=172  A infância pode ser vista como um momento de magia e de liberdade, mas é o tom cruel, irônico e nostálgico que sobressai em Mirada desobediente — Do pueril ao infantil, em cartaz no Espaço Cultural 508 Sul. O curador Matias Monteiro reuniu trabalhos de 14 artistas de Brasília para refletir sobre aspectos do universo infantil e conseguiu extrair olhares nada pueris e bastante contundentes.  Monteiro partiu da própria pesquisa desenvolvida em tese de mestrado para chegar ao formato de Mirada desobediente. A infância pode evocar sentimentos ingênuos, mas não são esses o foco dos artistas. “Na psicanálise, a gente vê que o infantil não se restringe à criança, está no adulto também”, repara o curador. Houve uma época em que crianças e adultos partilhavam um mundo semelhante. Monteiro lembra que foram as ideias iluministas as responsáveis por separar claramente as práticas infantis da vida adulta. A concepção de infância e infantilidade são, portanto, coisas distintas na proposta do curador, mas se encontram na maioria dos trabalhos.   Mirada desobediente — Do pueril ao infantil Espaço Cultural 508 Sul - Brasília Visitação: Até 15 de fevereiro Entrada Gratuita Fonte: Correio Brasiliense Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=171 Neste verão, o público baiano vai poder conhecer um pouco mais sobre o trabalho e a trajetória de José Resende, um dos principais artistas contemporâneos do país. Está em cartaz ate o dia 27 de fevereiro, no Palacete das Artes - Rodin Bahia, a montagem inspirada pela obra literária de um dos mais representativos poetas lusitanos, Luis Vaz de Camões – de onde o artista retirou o título da mostra: Correm Turvas as Água Deste Rio.     A exposição faz parte do Programa Quarta Dimensão, que pretende estabelecer uma relação entre a tridimensionalidade da obra de Rodin, mestre da escultura moderna (cujas obras estão expostas no Casarão do Palacete) e a tridimensionalidade contemporânea de artistas brasileiros já consagrados, como Mario Cravo Neto, Waltércio Caldas, Tunga e, agora, José Resende. A proposta de Resende se inspirou na idéia de superfície, da área das esculturas do artista francês propensas ao toque.    Estão em exposição diferentes momentos da trajetória do artista e trabalhos em diversos materiais, como nylon, parafina, chumbo, correntes de ferro, papéis absorventes e tinta que, juntos, formam superfícies extensas e particularmente expressivas, onde um material líquido se funde a outro antes de se solidificarem.   Correm Turvas as Água Deste Rio | José Resende Palacete das Artes - Rodin Bahia Visitação: Até 27 de fevereiro Entrada gratuita     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=170 As obras do pintor flamengo Peter Paul Rubens que se encontram no Museu do Prado, em Madri, agora estão disponíveis também no site do museu, graças ao vídeo interativo Rubens 360°. Com esta "iniciativa pioneira", o museu madrileno convida os internautas a explorar "cada um dos quadros de Rubens que estão expostos no Prado", explicou em um comunicado. "A novidade está na possibilidade de explorar as obras expostas ao clicar sobre cada uma delas e acessar sua imagem em alta resolução, acompanhada por informações complementares em texto, áudio ou vídeo", explica, em nota, o museu. Concretamente, o vídeo permite que os internautas acessem os conteúdos interativos tais como as fichas técnicas dos quadros de Rubens ou os vídeos explicativos. Entre as obras que podem ser dissecadas pelos usuários do site estão As Três Graças e Diana e suas Ninfas Surpreendidas por Sátiros. Em janeiro de 2009, o Museu do Prado já havia inovado ao se aliar com o Google Earth para propor aos internautas a visualização em detalhes de 14 quadros, tais como Las Meninas, de Velázquez, O Jardim das Delícias, de Hieronymus Bosch, O Três de Maio, de Goya, Ártemis, de Rembrandt, ou ainda Homem com a Mão ao Peito, de El Greco.   Já o visitante que for até o museu - que possui uma das maiores coleções de Rubens do mundo - terá a oportunidade de ver as 90 obras distribuídas lado a lado, num estilo despretencioso e interessante de montagem, que utilizou critério cronológico para dispor as obras lado a lado Rubens Museu do Prado - Madri Visitação: Até 23 de janeiro Entrada: 7 €   Fontes: Folha de São Paulo, Artetropia Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=169  O financista de Wall Street e colecionador de arte contemporânea Roy Neuberger morreu no dia 24 de dezembro, em Manhattan, aos 107 anos de idade, informou o jornal The New York Times.   Grande amante da arte, o colecionador criou em 1974 o Neuberger Museum of Art, no norte de Nova York, onde são expostas centenas de pinturas e esculturas de artistas como Milton Avery, Georgia O'Keeffe, Edward Hopper Willem de Kooning e Jackson Pollock, entre outros. Desde então, sua coleção se estendeu pelos Estados Unidos e pôde ser contemplada em mais de 70 instituições de 24 estados.   Nascido em Bidgeport, Conneticut, em 1903, Neuberger era considerado um dos principais colecionadores de arte contemporânea do mundo e, em 2007, recebeu a Medalha Nacional das Artes dos EUA.  Em 1965 ele foi retratado por  Will Barnet no quadro Frontispiece Portrait of RNN. Fonte: G1   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=168 As peças da belga Carole Solvay estão expostas no Museu Brasileiro da Escultura, em São Paulo, na mostra intitulada Os desenhos secretos de Carole Solvay. Apesar do nome, a exposição não apresenta desenhos tradicionais, mas sim instalações e esculturas feitas com materiais incomuns, como plumas de aves. A maior inspiração da artista é a natureza. Carole explorou a floresta Soignes, em Bruxelas, analisando as transformações pelas quais elementos como a vegetação e os animais passavam durante a mudança de estações do ano. Os tons neutros, como branco, cinza e negro, transmitem a leveza, transparência e fragilidade que a artista enxerga no meio ambiente. Apesanteurs - Os desenhos secretos de Carole Solvay Museu Brasileiro da Escultura - São Paulo Visitação: Até 9 de janeiro de 2011 Entrada gratuita Fonte: Revista Zupi   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=167 Neste fim de ano, a Fabio Pena Cal Galeria de Arte agradece a todos aqueles que ajudaram a tornar 2010 um ano importante, de muitos aprendizados e conquistas. Alcançamos mais visibilidade, realizamos novas parcerias, estivemos ao lado de novos artistas e diversificamos nossas atividades, nos esforçando para oferecer o melhor das artes visuais, tanto nas obras do nosso acervo, quanto nas informações disponibilizadas através de nosso site. Em todos estes momentos, contamos com o apoio e a participação de cada um de vocês. Por isso, desejamos a todos um Feliz Ano Novo!   Que 2011 chegue trazendo mais aprendizados e realizações. Que o poder transformador da arte inspirem cada um de nós em nossas vidas - seja através da beleza da sua delicadeza ou do poder da sua força!    "Todas as artes contribuem para a maior de todas as artes, a arte de viver. " (Bertold Brecht)   Feliz 2011!!!   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=166 Em cartaz no Palácio da Aclamação, a exposição Evento, do artista carioca Marcos Chaves transforma o elemento ar em protagonista, através de um site specific que cria diferentes efeitos do vento em sua relação com o espaço.  A montagem é composta por três obras que surgiram a partir da ideia de criar um circuito do vento dentro do Palácio, como se ele estivesse passando pelas salas, causando um efeito diferente em cada uma delas. No Hall de Entrada do prédio histórico o artista cria um mobile em que mesas, cadeiras e camas “flutuam”, formando uma espécie de efeito de furacão. Na Sala de Banquetes, o artista cria um clima de devastação, como se depois de levantar os móveis o vento tivesse passado pelo ambiente e deixado tudo fora do lugar. A pretensão do artista é mostrar  “o registro da devastação ou do equilíbrio precário”,  que o público poderá observar apenas pelo lado de fora, “quase como se fosse uma foto”. Por fim, no Salão Nobre do Palácio da Aclamação, ventiladores criam a sensação física do ar, como se o vento estivesse “aprisionado” no espaço vazio.   Evento | Marcos Chaves  Palácio da Aclamação Visitação: Até 27 de fevereiro de 2011 Entrada Gratuita   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=165 O artista Andy Warhol pode ser conhecido sobretudo por seus silk-screens em cores fortes e suas sátiras inteligentes da cultura pop, mas uma exposição no Museu de Arte Moderna de Nova York foca seus filmes mudos, com frequência densos. A mostra Andy Warhol - Motion Pictures apresenta 14 "screen tests" (testes de tela)  - retratos curtos, silenciosos e em preto-e-branco de amigos do artista - e também alguns de seus trabalhos mais longos. Os "screen tests"  foram escolhidos entre quase 500 curtas-metragens feitas por Warhol entre 1964 e 1966. Vistos em conjunto, eles representam um "quem é quem" do cenário artístico de Nova York na época. "Uma das coisas que torna esses 'screen tests' tão instigantes não é apenas o interesse que Warhol sentia pelas celebridades, mas, o seu interesse em repensar toda a ideia da criação de retratos nos anos 1960", disse Glenn Lowry, diretor do Museu de Arte Moderna. O músico Lou Reed, a escritora Susan Sontag, a socialite Edie Sedgwick, o poeta Allen Ginsberg, o ator Dennis Hopper e outros estão nos filmes. As projeções brilham em preto-e-branco nítidos. Lou Reed olha fixamente para a câmera, e a barba e cabeleira escuras de Allen Ginsberg desaparecem na sombra do quadro. Os curadores do museu também incluíram alguns dos filmes mais complexos e pesados de Warhol, como Eat, Sleep e Empire. No trecho de 86 minutos mostrado do filme Sleep, que tem mais de cinco horas de duração e no qual Warhol filmou o poeta John Giorno, o artista por vezes parece brincar com o espectador, incluindo momentos totalmente parados, que estão nos limites entre a imagem em movimento e a fotografia. O público também poderá assistir ao filme mudo de oito horas de duração Empire, sobre o arranha-céu desse nome em Manhattan, ou Kiss, que mostra 13 casais se abraçando e beijando. Motion Pictures | Andy Warhol Museum of Modern Art - Nova York Visitação: Até 21 de março Entrada: U$ 20 Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=164 Foi inaugurada no Theatro Municipal do Rio de Janeiro, a exposição dos painéis Guerra e Paz –  obras consideradas o grande momento da carreira de Cândido Portinari – que voltam a ser apresentados no local depois de 54 anos. Guerra e Paz são dois panéis de 14 x 10 m de largura,  produzidos entre 1953 e 1956, encomendados pelo governo brasileiro para presentear a sede da Organização das Nações Unidas (ONU) em Nova York, mas antes de partirem, em 1956, também foram expostos numa cerimônia no Teatro Municipal do Rio de Janeiro. Cinqüenta e quatro anos depois, em dezembro de 2010, ambos os painéis saíram da sede da ONU e voltaram ao Teatro Municipal do Rio de Janeiro, graças aos esforços do filho de Portinari. Em janeiro, os painéis irão para o Palácio Gustavo Capanema, onde serão restaurados em ateliê aberto à população até maio de 2011.  Do Rio, as pinturas farão uma itinerância até 2013, passando pelo Grand Palais, em Paris, Memorial da Paz de Hiroshima, Japão, Auditório Municipal de Oslo (onde ficarão expostos durante a entrega do Prêmio Nobel da Paz daquele ano) e no Museu de Arte Moderna de Nova York. Já os 180 estudos preparatórios para a pintura dos painéis Guerra e Paz serão reunidos, pela primeira vez no Brasil, procedentes de diversas coleções particulares no país e no mundo, em São Paulo, nos meses de julho e agosto de 2011. Guerra e Paz | Cândido Portinari Theatro Municipal do Rio de Janeiro Visitação: Até 30 de dezembro Entrada Gratuita Fontes: Brasília Confidencial, Wikipedia Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=163 Constantemente decretada como morta em exercícios de futurismo, a pintura continua a revelar focos criativos. Um painel abrangente do gênero pode ser apreciado na excelente coletiva Se Não Neste Tempo — Pintura Alemã Contemporânea: 1989-2010, que mostra obras produzidas nas duas últimas décadas na Alemanha reunificada, pós-Muro.   Formada por 83 obras de 26 artistas, a mostra foi organizada exclusivamente para o Masp, sendo que o normal, em grandes exposições internacionais, é trazer uma montagem que já venha circulando por outros países. A seleção revela-se variada e organizada por núcleos e estilos. Há desde a figuração do ótimo Gerhard Richter, cujos óleos discutem a relação entre telas e fotografias e estimulam as noções de realismo do espectador, até os traços violentos e expressionistas de Jonathan Meese, passando pela abstração geométrica de Thomas Scheibitz e pela inflexão política de Werner Tübke. Tim Eitel retrata pessoas em passeios por museus e galerias, ao passo que Tatjana Doll revisita Guernica com traços propositalmente toscos.   Se Não Neste Tempo — Pintura Alemã Contemporânea: 1989-2010. Museu de Arte de São Paulo Visitação: Até 30 de janeiro de 2011 Entrada: R$ 15 Fonte: Veja São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=162 A maior retrospectiva já dedicada à obra do artista alemão Joseph Beuys no Brasil está em cartaz no Museu de Arte Moderna da Bahia. A exposição Joseph Beuys – A Revolução Somos Nós reúne 250 obras criadas de 1964 a 1986, entre cartazes, múltiplos e vídeos.   A produção representada pela exposição corresponde a um período de intensa atividade política, durante o qual Beuys participa inclusive da fundação do partido ambientalista alemão Os Verdes, cria a Organização pela Democracia Direta por Plebiscito e funda a Universidade Livre Internacional (F.I.U.), instituição de ensino livre com várias sedes na Europa. Nesse período, Beuys agrega às exposições e performances debates e encontros nos quais defende a ideia de "escultura social" – a transformação da sociedade como obra artística coletiva, para a qual todo homem, como ser criativo, está apto.    A coleção de 200 cartazes que está no MAM é a maior da Europa e aparece reunida em sua totalidade pela primeira vez. Pertencente ao italiano Luigi Bonotto, colecionador também de documentos e obras do grupo Fluxus, é uma amostra significativa dos trezentos cartazes produzidos por Beuys ao longo das décadas de 1970 e 1980. Eles atestam um percurso intenso de exposições, performances, encontros, debates, projeções, eventos e revelam o uso da mídia como veículo de ideias e slogans. Joseph Beuys – A Revolução Somos Nós Museu de Arte Moderna da Bahia Visitação: Até 13 de fevereiro de 2011 Entrada Gratuita   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=161 Um dos destaques da mostra The New Realism - que acontece até 31 de dezembro na Galeria Thinkspace, na cidade de Culver, Califórnia -, Pakayla Biehn é uma pintora fotorrealista com uma peculiaridade interessante: suas obras não reproduzem a estética fotográfica comum, mas sim, a de imagens com efeito de dupla exposição. Munida de tinta à óleo e acrílica, além de uma boa dose de talento, a artista reproduz em suas telas o instigante efeito fotográfico alcançado pela exposição de um negativo duas vezes. Não por acaso, a série de pinturas leva o nome de "Double Exposure". The New Realism Galeria Thinkspace - Estados Unidos Visitação: Até 31 de dezembro de 2001 Entrada Gratuita Fonte: Revista Zupi Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=160 A consagrada revista Playboy promoveu no mês de dezembro um leilão histórico, que incluía peças de nomes como Salvador Dali, além de fotografias que marcaram o ideário imagético do século 20. Apenas parte da extensa coleção de obras de arte e fotografias foi posta à venda no leilão, que teve como destaque a pintura "Mouth 8" (1966), do artista norte-americano Tom Wesselmann, vendida por US$ 1.874.500. Os sedutores lábios vermelhos da obra - pintados em óleo e acrílico por este integrante do movimento do Pop Art e conhecido por seus impactantes nus femininos - não chegaram a atingir, no entanto, o preço especulado previamente, que se situava entre US$ 2 milhões e US$ 3 milhões. Entre as peças de destaque do leilão, realizado na Christie's, em Nova York, estava também a famosa pintura Playmate, elaborada em 1966 pelo espanhol Salvador Dalí (1904-1989) a pedido da revista. A obra acabou sendo vendida por US$ 266.500, superando as expectativas que giravam entre US$ 100 mil e US$ 150 mil. Playmate foi incluída na edição de janeiro de 1967 da revista e estava pendurada até pouco tempo atrás no quarto de Hefner, na conhecida Mansão Playboy, em Beverly Hills, Califórnia. A Playboy começou a circular em 1953 com um dos mitos eróticos do século 20 e uma das principais protagonistas deste leilão: Marilyn Monroe (1926-1962). Entre as várias fotografias leiloadas da musa loira, destacou-se a imagem na qual Marilyn cumprimenta o público durante sua participação como madrinha do desfile da Miss América em 1952, capa do primeiro número da Playboy. A imagem foi vendida por US$ 14 mil. Brigitte Bardot, outro emblema feminino da sétima arte e musa sensual da França nos anos 50 e 60, também foi centro das atenções dos compradores. A coleção Playboy ofereceu um retrato de corpo inteiro no qual a atriz, vestida apenas de calcinha, cobre os seios com as mãos e seus longos cabelos loiros. A foto, que estampou a capa de março de 1958 da Playboy, foi vendida por US$ 23.750, superando todas as expectativas, estimadas entre US$ 4 mil e US$ 6 mil. Com o título The Year of The Rabbit (O Ano do Coelho) - em homenagem ao famoso logotipo da Playboy, criado pelo artista Art Paul -, o leilão ofereceu numerosas obras de arte e fotografias de nus de algumas das mulheres mais famosas e desejadas das últimas décadas, expostas na revista fundada por Hugh Hefner em 1953. Ao todo, o valor total das obras leiloadas na Christie's passou dos US$ 2,9 milhões. Fonte: Uol Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=159 Os artistas Arnaldo Antunes, Fernando Laszlo e Walter Silveira apresentam na Galeria Solar Ferrão a exposição Luzescrita. Juntos, eles assinam obras inéditas, criadas a partir de poemas escritos por Walter e Arnaldo, fotografados por Fernando Laszlo, e transformadas em objetos e instalações pelos três artistas. O resultado dessas experiências feitas com luz e poesia desde 2002 poderá ser visto até o dia 13 de fevereiro, no Pelourinho. Como o nome sugere, todas as obras que os artistas apresentam na exposição Luzescrita exploram as relações entre a palavra escrita e a imagem – e mais especificamente com a luminosidade. “Esse título, na verdade, é uma tradução literal da palavra fotografia (do latim)”, explica Walter.   Mas, mesmo com os jogos de palavras e com a parceria entre as letras e a imagem, os artistas descartam uma ligação direta coma poesia concreta e preferem não definir o resultado do trabalho. “Não sei se podemos chamar as obras desta exposição de poesia concreta. Podemos chamar de poesia mais fotografia, mais algumas outras coisas... Mas, sem dúvida, é um projeto devedor à tradição da poesia concreta”, completa Arnaldo Antunes.  Luzescrita | Arnaldo Antunes, Fernando Laszlo, Walter Silveira Galeria Solar Ferrão Visitação: Até 13 de fevereiro Entrada Gratuita Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=158 Marepe, Adriana Varejão, osgemeos, Jac Leiner e Luiz Zerbini são alguns dos que participam da exposição "Law of the Jungle" na galeria  Lehmann Maupin, em Nova York. Tiago Carneiro da Cunha, um artista também brasileiro, assina a curadoria da mostra. A ideia de "Law of the Jungle" é mostrar o trabalho de artistas contemporâneos de diversas nacionalidades que abordem o tema da sobrevivência,  pessoal ou coletiva, incluindo variadas aplicações, dentre elas a da sobrevivência nas artes. Entre as obras exibidas está Paisagem Canibal, de Varejão - obra que recentemente marcou um recorde para trabalhos da artista em leilão, sendo arrematada por US$ 602.500 dólares em evento da Christie´s - e "Cicloviaérea", de Jarbas Lopes, que integra acervo do Instituto Inhotim. Participam de Law of the Jungle os artistas Adriana Ricardo (Brasil), Adriana Varejao (Brasil), Ashley Bickerton (Bali), Caetano de Almeida (Brasil), Christopher Knowles e Robert Wilson (EUA), Efrain Almeida (Brasil), Erika Verzutti (Brasil), Howard Dyke (Inglaterra), Jac Leirner (Brasil), Jarbas Lopes (Brasil), Joshua Callaghan (EUA), Liam Gillick (Inglaterra), Luiz Zerbini (Brasil), Marcos Chaves (Brasil), Malcolm Morley (Inglaterra), Marepe (Brasil), Marssares (Brasil), osgemeos (Brasil), Paul McDevitt (Inglaterra), Raul Mourão (Brasil), Saint Clair Cemin (Brasil), Shay Kun (Israel) e Tiago Carneiro da Cunha (Brasil). Law of the Jungle Galeria Lehmann Maupin - Nova Yorque Visitação: Até 29 de janeiro. Entrada Gratuita Fonte: Uol Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=157 O soteropolitano Vinícius Almeida leva para Caixa Cultural Sé, em São paulo, a mostra Lágrimas de São Pedro – Acalento Nordestino. O trabalho é uma referência a novena de São José, o santo da chuva. O artista foi buscar inspiração no interior da Bahia, na cidade de Ubiraitá – região de origem da sua família.Ao todo são seis mil lâmpadas incandescentes, cheias d’água que ficam presas ao teto, em diferentes alturas, desenhando as “lágrimas" do título. A obra está centrada na relação de fé do sertanejo com a chuva. Durante a novena de São José, os fiéis oferecem ao santo cantigas e orações em troca das lágrimas de São Pedro.A função imediata das lâmpadas incandescentes cheias de água é criar um ambiente no qual o visitante pode se envolver espacialmente com a obra. Soteropolitano de 27 anos, há quatro ele desenvolve sua pesquisa com materiais de baixo custo para construção de linguagem visual e cursa graduação em artes plásticas na Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia. Vinícius utiliza esta matéria de linguagem visual pela sua re-significação. “O vidro da lâmpada incandescente é o único que não pode ser reciclado, o que o torna mudo e sem função após o uso”, explica Vinícius. Lágrimas de São Pedro – Acalento Nordestino | Vinícius Almeida Caixa Cultura Sé | São Paulo Visitação: Até 20 de fevereiro de 2011 Entrada Gratuita Fonte: Catraca Livre Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=155 Respeitadas galerias e artistas latino-americanos se encontraram na Art Basel Miami Beach, a maior mostra de arte contemporânea dos Estados Unidos, onde o Brasil marca presença com 11 galerias.   Nara Roesler, dona da galeria de mesmo nome em São Paulo, disse: "o bom momento econômico que o Brasil atravessa permite aos artistas sair e se mostrar internacionalmente. Para vender arte é preciso procurar quem a compre porque os grandes colecionadores não vão ao Brasil, vêm a locais como este".   Com a economia global atravessando um mau momento, muitos investidores veem na crise uma oportunidade para a compra de arte a preços melhores. Jorge Mara, da galeria Mara La Ruche, de Buenos Aires, disse que este ano ofereceu "opções para todos os bolsos" e acredita que muitos colecionadores que estão mais retraídos pela crise encontram na arte latino-americana "uma opção muito boa pela escelente relação preço-qualidade".   A exposição contou com representantes de 29 países que levaram suas obras a vários pontos da cidade. Com proporções monumentais, a mostra tem seu núcleo no Centro de Convenções de Miami Beach onde, em diferentes espaços, se expõem pinturas, desenhos, esculturas, instalações, fotografia e vídeos. Mas esteve presente em outras partes da cidade com programas como o Oceanfront Night (um espaço aberto em frente à praia).   Além disso, esculturas e instalações de muitos artistas internacionais estiveram em parques e espaços públicos, no programa Art Public, com curadoria do mexicano Patrick Charpenel. É o caso de  The Great Vodka River,  de Fyodor Pavlov, representado pela Galeria Luciana Brito.   No total, 20 galerias latino-americanas foram selecionadas para participar da exposição, que reúne um total de 200 companhias expositoras, a metade delas dos Estados Unidos e grande parte, europeias.   Obras de Salvador Dalí, Joan Miró, Man Ray, Andy Warhol, Henri Matisse, Pablo Picasso e Le Corbusier, entre centenas de outros, se misturaram com nomes latino-americanos consagrados, como Jesús Soto, Joaquín Torres García e figuras emergentes.   A mostra, caracterizada pela oferta de alto nível artístico e grande volume de negócios, oferece obras de museu dos mestres internacionais, avaliadas em milhões de dólares, mas também trabalhos de artistas novos a preços acessíveis, na casa de centenas de dólares. Fonte: Terra Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=154 A exposição de longa duração As Imagens da Fé – Coleção Museu Abelardo Rodrigues apresenta cerca de 800 peças reunindo um conjunto variado de peças representativas da arte sacra no Brasil. Com nova expografia e mais peças expostas, a "Corte Celestial" (que é como o colecionador pernambucano Abelardo Rodrigues se referia a sua coleção de arte sacra - a terceira maior desse gênero no Brasil e a maior coleção particular do país) pode ser vista pelo público baiano no Centro Cultural Solar Ferrão, no Pelourinho. Representativas de várias épocas, escolas e materiais, as peças que compõem o acervo de Abelardo Rodrigues são a expressão do trabalho erudito e popular realizado por artesãos, entre os séculos XVII e XX, no Brasil, sobretudo no Nordeste. Retratam, ainda, a riqueza e a diversidade da arte sacra brasileira, demonstrando as varias tendências e o fortalecimento das identidades regionais.   Fazem parte da coleção os crucifixos, oratórios, maquinetas, imagens, pinturas e fragmentos de talha adquiridos pelo colecionador ao longo de sua vida.   As Imagens da Fé – Coleção Museu Abelardo Rodrigues Centro Cultural Solar Ferrão - Pelourinho Visitação: Exposição de longa  duração Entrada Gratuita Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=153 No Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro “José Bechara – Fendas, que celebra 20 anos da trajetória de um dos mais reconhecidos artistas do panorama da arte contemporânea. A mostra reune um conjunto das obras mais representativas de José Bechara, em diálogo com trabalhos recentes e inéditos. Fendas ocupará com esculturas de grande e médio porte, pinturas, desenhos e fotografias, os três mil metros do Espaço Monumental do MAM Rio, no segundo andar. O artista fará no próprio local da exposição duas pinturas em vidro da série Gelosia. No centro do Espaço Monumental estará a inédita “Run”, uma imensa escultura, que concretiza um projeto concebido há seis anos. A escultura OK, OK Let\'s Talk, foi mostrada na Pinacoteca de São Paulo em 2006, e no Museu Espanhol de Arte Contemporânea Pátio Herreriano, em Valadollid, Espanha. Fendas também apresentará desenhos antigos e nunca exibidos, como naturezas mortas feitas em 1991, e recentes, monocromáticos, em grandes dimensões. E mostrará uma das recentes “esculturas gráficas”e várias esculturas pequenas da série Open House. A mostra terá ainda um conjunto de fotografias da série A Casa, de 2002, durante sua residência em Faxinal do Céu, no Paraná.   “Fendas deve portanto juntar conjuntos de diferentes meios, e a idéia é que dessa colisão, dessa mirada rápida, eu possa extrair sentidos e verificar os cruzamentos poéticos do conjunto do trabalho”, afirma o artista. José Bechara – Fendas Museu de Arte Moderna - Rio de Janeiro Visitação: Até 30 de janeiro de 2011 Entrada: R$8,00 Fonte: Revista Fator Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=152 A cidade de São Paulo é o tema de uma mostra que o fotógrafo brasileiro Cláudio Edinger  apresenta até o dia 26 de março, na galeria 1500 em Nova York. Sao Paulo Ambiguous traz doze trabalhos que mostram as ambiguidades e contradições da metrópole. As fotos mostram prédios, avenidas e largos famosos da cidade em cenas do cotidiano, com intenso trânsito de pessoas e veículos. Para fazer as imagens, Edinger usou uma câmera especial Sinar, que permite acertar o foco apenas em determinadas áreas da imagem capturada (técnica também conhecida como tilt-shift). O resultado dá um ar de "miniatura" para os locais fotografados. Segundo o fotógrafo, o efeito aproxima a fotografia da maneira como o olho humano enxerga, prendendo-se a um objeto de cada vez. A série de 30 imagens, 12 das quais foram selecionadas para a exposição, estão no livro São Paulo: Minha Estranha Cidade Linda , publicado em 2009. Edinger conta que o ensaio nasceu de uma missa de sétimo dia na igreja Nossa Senhora do Brasil, em São Paulo, em 2004. Ao observar os afrescos do teto da igreja, ele percebeu que havia uma réplica da Capela Sistina, de Michelangelo, e diz ter achado "extraordinária" a  "capacidade dos brasileiros de absorver a arte do mundo todo e inseri-la em contextos diferentes criando uma terceira imagem". Ainda na igreja, o fotógrafo fez imagens do teto com um iPhone. Depois de conversar com o padre, Edinger voltou para fotografar com a sua Sinar e o resultado se tornou a primeira imagem do ensaio sobre São Paulo - um projeto que levou quatro anos para ser concluído. A exposição ficará em cartaz na galeria 1500 em Nova York, que é especializada em fotografia brasileira, sendo a única do mundo voltada para esse tema.   Sao Paulo Ambiguous  | Cláudio Edinger Galeri 1500 - Nova Yorque Visitação: Até 26 de marcço de 2011 Entrada Gratuita Fontes: G1, Revista Zupi Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=151 Enquanto preparava a exposição que levava seu nome - José Patrício: o Número, para o Centro Cultural Banco do Nordeste, em Fortaleza (Ceará) -, o artista pernambucano conversou sobre a sua obra com um dos principais críticos de arte e curadores do Brasil, Paulo Herkenhoff. Foi desta troca de idéias e da reflexão sobre a sua carreira, iniciada em 1980, que surgiu o material para o livro "José Patrício: Cogitações sobre o Número", assinado por Herkenhoff. A publicação foi lançada recentemente, no dia 27 de novembro, na Galeria Nara Roesler.   A edição bilíngüe "José Patrício: o Número", traz reproduções fotográficas de 142 obras e reúne um conjunto de observações do artista sobre o desenvolvimento do seu trabalho, acompanhadas de uma análise meticulosa da sua produção, desenvolvida por Herkenhoff. Segundo o curador, a publicação não segue a cronologia da produção do artista. O texto responde ao lúdico através de um raciocínio mais poético e, simultaneamente, explora questões conceituais abertas por José Patrício.   Neste mesmo dia, outros livros de artistas também foram lançados: Brígida Baltar : Passagem Secreta  e Antonio Dias: Anywhere is my Land, seguido de debates.   Fonte: Galeria Nara Roesler e Jornal Diário do Nordeste.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=150 Em sua nova exposição individual no Museu da Cerâmica Udo Knoff (Pelourinho), Adriana Araújo propõe paisagens e trânsitos imaginários entre árvores criadas a partir da delicada união entre a madeira e a cerâmica. Tênue Trânsito, que fica em cartaz até o dia 30 de janeiro de 2011, traz duas instalações.   De acordo com a artista, a exposição aborda a idéia de trânsito - tanto o trânsito cultural entre os países Brasil e Portugal (onde Adriana fez a residência artística que inspirou esta mostra), quanto pela proposta expográfica para o trânsito dos visitantes no espaço do Museu, marcando a interação com o ambiente da exposição.      Tênue Trânsito | Adriana Araújo Museu Udo Knoff - Pelourinho Visitação: Até 30 de janeiro Entrada Gratuita Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=149 Na semana em que completou 97 anos, a artista Tomie Ohtake apresentou no Instituto que leva seu nome suas mais novas obras. A exposição Pinturas Recentes, além de comemorar o aniversário da artista, marcou ainda as comemorações dos 10 anos do Instituto. Na mostra, o público poderá conferir as 25 telas em  formatos grandes, de 1,5 metros a 2 metros, que a pintora desenvolveu nos últimos dois anos. Em suas obras, Tomie homenageia o círculo com tons, traços e formas inventadas por ela mesma. A artista explica que escolheu o cículo porque "é uma forma muito sintética. Trabalhar só com ele é um grande desafio. E ele é também o primeiro desenho que os bebês fazem com os dedinhos". Segundo o crítico Paulo Herkenhoff, o círculo está na frente, mas cada um é inventado e acaba por inventar uma nova pintura. “Os quadros apresentam diferentes questões pictóricas e a presença do gesto é muito importante. Mesmo quando não aparece, há o seu domínio”, comenta.  Pinturas Recentes | Tomie Ohtake Instituto Tomie Ohtake - São Paulo Visitação: Até 20 de fevereiro de 2011 Entrada gratuita Fontes: Folha de São Paulo, Guia da Semana, cesargiobbi.com.br, Carta Capital Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=148 Até janeiro de 2011, o Museu Zadkine, em Paris, recebe a visita do artista brasileiro Julio Villani. Na exposição, que acupa o jardim e as cinco salas do charmoso museu, esculturas, objetos, colagens e vídeos realizados nos últimos dez anos reverberam uma sonora conversa entre Villani e Zadkinem. A sua casa e ateliê, no bairro de Montparnasse, foram convertidos em museu em 1982 e, hoje, expõem um acervo de 400 esculturas, 300 desenhos e fotos de arquivo.  Para além dos paralelismos entre os artistas, norte e sul se encontram ainda nas duas cartas celestes da escultura de Villani, L’Arpenteur (O esquadrinhador – 2010), instalada no jardim. Também entre as folhagens, Partie de Cash Cash (uma espécie de brincadeira de esconde-esconde), sua obra apresenta dois coelhos de alumínio, em branco e preto. Entre as coleções de pássaros e as cabeças de bichos que compõem a mostra, o coelho é a mais reincidente das figuras. Aparece, inclusive, em retratos e autorretratos nas paredes, talvez para representar o humor e a desenvoltura com que Villani salta entre uma influência e outra, relacionando-se seja com a máscara africana fotografada por Man Ray, seja com as fantasmagorias de Ismael Nery. L´Arpenteur  | Julio Villani Museu Zadkine - Paris Visitação: Até 30 de janeiro de 2011 Entrada: 4€ Fonte: IstoÉ Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=147 A "rainha" do design francês, Andrée Putman, que transformou com suas mãos mágicas o interior de hotéis, restaurantes e até o avião Concorde, está fazendo 85 anos com Paris a seus pés. Uma grande retrospectiva foi realizada na Cidade da Luz para celebra sua trajetória rebelde e controversa. Inaugurada  no Hôtel de Ville, sede da prefeitura, a exposição é a primeira a homenagear esta artista difícil de classificar, mas cujo impacto no universo do design e da arquitetura foi sentido de Nova York a Hong Kong, onde projetou um arranha-céu que leva seu nome. A curadora da exposição é Olivia Putman, filha da artista, que reuniu uma mostra das criações de sua mãe que são provas de seu imenso talento e elegância. De xícaras que podem custar apenas alguns euros até o piano que projetou para Pleyel (no bicentenário desta histórica casa que fabricou instrumentos para Chopin e Saint-Saens), a exposição resume uma trajetória esplêndida, marcada por amizades com artistas como Giacometti e Andy Warhol. Sempre rebelde e independente, Putman optou pelo design, inventando uma estética minimalista e sóbria, mas também cálida. A mostra, que estará aberta até 23 de fevereiro, leva o visitante ao universo de Putman, feito de formas, cores, materiais, mostrando sua inegável influência na história do design, e Ilustra 30 anos de carreira desta artista nascida no seio de uma família de intelectuais franceses, amantes da arte, do refinamento e da elegância, que destinavam para ela uma carreira na música. Andrée Putman, ambassadrice du style Hôtel de Ville de Paris Visitação: Até 26 de fevereiro Entrada Gratuita Fontes: Folha de São Paulo, Wallpaper Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=146 Talvez, uma das melhores formas de entender a proposta curatorial que Solange Farkas inplnatou no Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM-BA) desde que ela assumiu a sua gestão, em 2007, é visitar a exposição Novas Aquisições da Coleção MAM-BA.  A mostra apresenta parte das 119 obras adquiridas nos últimos três anos pelo museu, a partir da doações de artistas,  prêmios e editais de aquisição de obras.   Um dos destaques da exposição é um conjunto de 67 gravuras dos artistas Renina Katz, Lourenço Khoury, Alex Gama e Luise Weiss. Segundo a diretora do MAM-BA e curadora da mostra, Solange Farkas, o conjunto adensou de forma significativa a coleção de gravura,  “uma linguagem com tradição na Bahia e que é presença forte no núcleo histórico do acervo”. Outros destaques da exposição, são a série de oito fotografias do paulista Cristiano Mascaro, um dos mais reconhecidos expoentes da fotografia no país; uma pintura de Rodolpho Parigi e fotografias de Cinthia Marcelle e Beatriz Franco, doadas ao museu pelo Shopping Iguatemi e escolhidas por Solange Farkas na 6ª edição da feira paulistana SP Arte. Além disso, estão presentes as obras dos artistas premiados no 15º Salão da Bahia, Ana Elisa Egreja, Marcone Moreira, Nino Cais, Rener Rama, Roberto Bellini e Wagner Morales; uma obra da artista portuguesa Gabriela Albergaria, elaborada no MAM-BA durante o programa de residência que fez nesse museu; além de peças doadas por Mestre Didi, Caetano Dias, Carlito Carvalhosa, Valéria Simões e Antonio Hélio Cabral. Novas Aquisições da Coleção MAM-BA.  Museu de Arte Moderna da Bahia Visitação: Até abril de 2011 Entrada Gratuita Fontes: Mamboxx, Portal Secult Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=145 Em uma época em que manifestos artísticos caíram em desuso, Marina, pioneira da performance art, ainda traz dentro de si a potência transformadora das vanguardas do século 20 e aponta em suas ideias os limites morais que a arte deve respeitar. E como se observa há mais de 40 anos, para a artista, o limite de seu trabalho é o limite de seu próprio corpo.  Agora o público brasileiro pode se reencontrar mais uma vez com o trabalho a artista, na exposição Back to Simplicity - em cartaz na Galeria Luciana Brito. Nela, os vídeos e fotos  remetem a uma artista mais centrada e madura, relacionando-se com a mesma radicalidade que lhe é intrínseca, mas com o clima bucólico do campo, como na foto em que aparece no meio de um pasto cheio de ovelhas brancas carregando em seus ombros uma ovelha negra.    A concepção deste trabalho nasceu depois da artista ter ficado todos os dias, por três meses, fazendo performances diárias no MoMA, em Nova York, no início deste ano, durante a retrospectiva de sua obra, Tha Artist is Present, e ter percebido depois de todo esse desgaste que precisava voltar ao seu próprio centro, a sua natureza.   Alguns trabalhos da série The Kitchen (2009), em que ela é fotografada na cozinha de um antigo convento na Espanha, também fazem parte da exposição. As duas séries, assim como todos os seus trabalhos, já disse Marina Abramovic em entrevista, carregam o "desafio de transformar uma experiência pessoal em uma história com a qual outras pessoas possam se identificar".   Nascida em Belgrado, em 1946, a arte de Marina Abramovic é fruto das transformações culturais e sociais que sacudiram os Estados Unidos e a Europa entre os anos 60 e 70. Época em que a juventude, posicionando-se contra a guerra, o capitalismo selvagem e todos os tipos de opressão, lutou pela revolução sexual e a emancipação feminina, entre muitas outras bandeiras. É deste contexto que também emergem novas possibilidades e suportes artísticos que ultrapassam os limites da tela e do museu, como a instalação, o happening e a performance.   Como diz o crítico de arte Arthur C. Danto, a década de 70 conferiu ao artista experiência extrema, e Marina Abramovic é o exemplo desta afirmação. Desde o começo de sua carreira, a corda bamba da morte a seguiu, já que um revólver com uma bala no tambor, remetendo a roleta-russa, foi um elemento presente em muitos de seus trabalhos. Seu limite físico é sempre colocado em xeque nas performances de longa duração, como na vez em que passou três meses percorrendo as muralhas da China, ou quando fez a montagem Lips of Thomas, de 1975, remontada em 2005, na qual depois de ingerir meio quilo de mel e um litro de vinho tinto, a artista quebra uma taça de cristal em sua própria mão, faz uma estrela de Davi com uma lamina em seu abdômen, se autoflagela até não sentir mais dor e depois deita em barras de gelo.     Back to Simplicity | Marina Abramovic Galeria Luciana Brito - São Paulo Visitação: Até 29 de janeiro Entrada gratuita    Fonte: Colherada Cultural Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=144 O Museu do Louvre, em Paris, está fazendo uma campanha sem precedentes para que o público o ajude a arrecadar dinheiro e comprar uma pintura do século 16, considerada um tesouro por especialistas de arte: As Três Graças. Pintada a óleo em 1531 pelo artista alemão Lucas Cranach, o Velho, a obra apresenta um olhar irônico e provocador sobre o tema renascentista das Três Graças, retratando as mulheres nuas em poses levemente ousadas. O museu acredita que pode transformar o quadro numa das peças principais de sua coleção. A figura central no quadro usa um chamativo chapéu vermelho. A mulher à esquerda dela inclina-se displicentemente sobre ela, com uma perna dobrada. As três usam grossos colares. "É uma obra divertida, desconcertante, misteriosa e muito sensual... Acho que irá se tornar uma das obras mais populares do Louvre", disse Vincent Pomarede, curador-chefe do departamento de pinturas, num vídeo do site da campanha de arrecadação de fundos do museu. O Louvre já conseguiu  3 milhões de euros para adquirir a obra, mas ainda precisa de 1 milhão para chegar no preço estabelecido pelos seus donos da obra. O museu tem até o fim de janeiro para arrecadar todo dinheiro, temendo que a obra-prima vá parar nas mãos de outro colecionador particular e nunca mais seja exposta ao público. Ou pior, que seja retirada da França. A decisão do museu financiado pelo Estado de apelar para a generosidade do público francês, porém, desagradou a algumas pessoas, dada à ampla desilusão da população, decorrente dos escândalos recentes ligados ao financiamento de políticos e às acusações de sonegação de impostos pelos ricos.    Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=143 Uma grande retrospectiva da obra do pintor americano Jean-Michel Basquiat está exposta desde 15 de outubro no Museu de Arte Moderna de Paris. A mostra celebra os 50 anos do nascimento do pintor, mas não apenas isso: ela é um retrato do movimento cíclico de alternância entre a sacralidade e a heresia na arte ao apresentar um ‘grafiteiro’ nova-iorquino como um ‘mito’. É justamente essa dualidade que resume amostra: como Basquiat deixou as ruas e para brilhar nas grandes galerias de arte e museus nova-iorquinos em apenas 10 anos – ou como a arte profana se torna, com o passar do tempo, sagrada. A montagem foi organizada por Dieter Burchhart e por Marie-Sophie Carron de la Carrière. O objetivo é fazer uma retrospectiva ampla, reunindo em um só espaço mais de cem obras. "Jean-Michel Basquiat era radical em suas arte e em sua vida", explica Burchhart. "Como James Dean, Jimi Hendrix, Janis Joplin, ícone de Woodstock, a vida de Basquiat é marcada por sua morte prematura e sua arte singular, que também se torna um mito." Em 12 salas, o visitante descobre suas heresias artísticas iniciais, em 1978, quando ainda assinava seus grafites como Samo (Same Old Shit), até a produção conjunta com Andy Warhol e sua morte precoce por overdose de heroína, em agosto de 1988. Entre um e outro acontecimento, mergulha-se em sua genialidade, talvez o fator que explique a transição do artista profano rumo ao sagrado. Estão lá telas como Untitled (Skull), Untitled (Fallen Angel) e La Hara, produções do período em que esteve ligado à Annina Nosei Gallery, entre 1981 e 1983. Também constam da mostra Jawbone of an Ass (1982), Low Pressure Zone (1982) a desconcertante série de retratos de boxeadores como Sugar Ray Robinson e Cassius Clay (1982) e a sequência Kings, Heros and the Street (1982), que exemplificam as técnicas particulares, a riqueza das cores, a força e a violência das imagens, a anarquia e a revolta de um vagabundo mitológico que valorizava suas intuições e seus instintos de base. Basquiat Museu de Arte Moderna - Paris Visitação: Até 30 janeiro de 2011 Entrada:  € 6,00 Fonte: O Jornal (Alagoas) Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=142 Na exposição  fotográfica Gente de Quilombo: Força e Poesia, o dia a dia das comunidades quilombolas de Barra e Bananal (Rio de Contas), Mangal Barro Vermelho (Sítio do Mato) e Rio das Rãs (Bom Jesus da Lapa) ganha destaque pelas lentes de Álvaro Villela, Márcio Lima e Rita Cliff. A mostra reúne imagens dos primeiros quilombos baianos a garantir a titulação da terra e fica aberta ao público até o dia 27 de Novembro, no Palácio Rio Branco . Segundo a curadora Lanussi Pasquali, os trabalhos mostram a  relação dos moradores dos quilombos com a região na qual seus antepassados fincaram raízes. “O que cada um trouxe em suas câmeras foram registros estéticos e éticos de um povo. Povo num sentido comum à Idade Média: como pessoas que pertencem ao lugar”, afirma.   Gente de Quilombo: Força e Poesia |  Álvaro Villela, Márcio Lima e Rita Cliff Palácio Rio Branco Visitação: Até 27 de novembro  Entrada Gratuita Fonte: Jornal A Tarde Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=141 m cartaz no Centro Cultural do Banco do Brasil, em São Paulo, I in U / Eu em Tu, é uma exposição com 31 obras e 19 filmes que abarcam 40 anos da produção da a performer e musicista americana Laurie Anderson. Laurie começou sua carreira na década de 1970, após formar-se em história da arte em uma das instituições mais tradicionais dos Estados Unidos, a Bannard College, passando em seguida a atuar no circuito underground de galerias de Nova York.  Desde o início, sua principal aspiração foi a música, mas não uma música qualquer. A artistas associou-se a alguns dos principais nomes da vanguarda musical, como Philip Glass, John Cage e Frank Zappa. A música eletrônica e a noção de antiarte passaram então a orientar sua criação, na qual a palavra falada enfatizava o gesto performático. Há pouca melodia, no sentido mais tradicional do termo, em sua produção. O que realmente se tem é uma profusão de sentenças, vozes e proposições poéticas que, articuladas ao som de sintetizadores, se tornam aquilo que Laurie define como sua obra: uma sinfonia de histórias. “Meu objetivo aqui é o de proporcionar às pessoas uma viagem interior”, explica. As pinturas realizadas nas paredes do CCBB são pequenas narrativas, inspiradas em HQs e artes gráficas, que completam o sentido das demais obras presentes no espaço. Um desses trabalhos é A História sobre a História, retirada da parábola O Burrinho e a Cenoura, em que um burro, tendo à sua frente uma cenoura dependurada, persegue-a eternamente. Ou não, segundo Laurie. “Nós temos esse sistema de compensação onde pensamos sempre que, se fizermos isso, consequentemente teremos aquilo e tal. Só que na minha história o burro morre. Se o burro morre, o que resta fazer? Chega de cenouras. O que você faz quando o seu sistema de crenças não funciona mais?”, indaga.  Outra inspiração é a cidade de São Paulo, que influenciou a montagem da exposição. Laurie contou com a ajuda do curador Marcello Dantas para adaptar suas instalações de forma que dialogassem com a identidade sonora da cidade. “São Paulo é extremamente barulhenta, por isso na montagem enfatizamos aquilo que é imperceptível diante do ruído. Isso faz com que as pessoas se forcem a escutar e a entrar na obra”, afirma Dantas sobre a exposição que, na realidade, é uma grande viagem pela história de uma das artistas mais completas e inovadoras dos últimos tempos. I in U / Eu em Tu | Laurie Anderson Centro Cultural Banco do Brasil - São Paulo Visitação: Até 26 de dezembro Entrada Gratuita Fonte: Istoé  Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=137  Fica em cartaz  até 11 de novembro na Galeria Olido o Projeto Incubadora, coletivo formado pelos fotógrafos Breno Rotatori, Felipe Russo, Gui Mohallem, Pio Figueiroa, Lucas Simões e pela crítica Lua Cruz. Durante todo o período da exposição, os envolvidos no projeto poderão realizar mudanças na estrutura dos trabalhos montados inicialmente, seguindo a proposta de os fotógrafos transportarem seu processo de compartilhamento e de criação para dentro do espaço expositivo.    O objetivo é tornar o processo de criação sensível à crítica, e expor ao público algumas etapas de transformação dos trabalhos. Na exposição são apresentadas séries realizadas pelos fotógrafos, que realizaram encontros periódicos para debates, durante o processo de criação . Eles compartilharam na internet algumas das reflexões, registros de atividades e dos seus resultados, no blog do projeto (http://www.projetoincubadora.com) e agora continuam o processo dentro do espaço expositivo da Galeria Olido     Projeto Incubadora Galerio Olido - São Paulo Visitação: Até 28 de novembro Entrada Gratuita Fontes: Don´t Touch My Moleskine, Catraca Livre   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=136  Uma grande escultura de bronze de uma mulher vista de costas de Henri Matisse foi arrematada nesta quarta-feira, em Nova York, gerando um novo recorde de preço para o impressionista francês.Nunca antes vendida em leilão,"Nu de dos" (Nu de costas) estava prevista para ser a maior atração dos leilões de arte do outono americano e, segundo especialistas em arte, poderia arrematada por algo entre US$ 25 e 35 milhões, e foi vendida por US$ 48,802 milhões.   A escultura, que mede 189,2 cm, foi feita em tamanho natural e conseguiu um preço considerado extraordinário pela casa de leilões Christie\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\'s. A obra é a última de uma série de quatro esculturas que Conor Jordan definiu como o projeto mais ambicioso de Matisse, no qual o artista trabalhou por mais de 20 anos.   Jordan, que é o especialista em arte impressionista e moderna da Christie\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\'s Américas,  descreve obra como "concebida em escala épica" e "uma expressão poderosamente redutora da forma humana, que representa um marco na evolução do estilo modernista".   O entusiasmo em torno da obra de do artista também pega carona na exposição "Matisse: Invenção Radical", no Museu de Arte Moderna (MOMA), que será encerrada em breve. As quatro esculturas da série á qual "Nu de dos" pertence foram transferidas do jardim de esculturas do museu para suas galerias, onde estão entre as atrações principais da exposição.   Em maio deste ano, a Christie\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\'s vendeu a obra de arte mais cara jamais leiloada, "Nu, folhas verdes e busto", de Pablo Picasso, arrematada por US$ 106,5 milhões, dias apenas depois de ser aberta no Museu Metropolitano de Arte uma exposição excepcional do artista espanhol.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=135  No Museus de Arte Moderna da Bahia, o artista plástico, performer e poeta visual Tuti Minervino monta um atelier aberto para visitação pública. A proposta é parte da residência artística feita por ele nas Salas da Galeria dos Arcos, localizadas no Parque das Esculturas do museu. O projeto, intitulado De Tuti um Pouco, recebeu o Prêmio Funarte de Estímulo à Criação Artística em Artes Visuais 2010 e estará aberto à visitação até o dia 13 de janeiro de 2011, sempre de terça a domingo, das 10h às 19h e aos sábados das 10h às 21h. Com uma obra que se estende por objetos, performances, fotografias, instalações e também pela indumentária, o artista aposta na relação objeto/ação/título para desenvolver seus trabalhos. Segundo ele, seu processo criativo acontece, principalmente, a partir do acúmulo e observação de produtos e refugos, identificando-se com o ready-made.   De Tuti Um Pouco | Tuti Minervino Museu de Arte Moderna da Bahia Visitação: Até 13 de janeiro de 2011 Entrada Gratuita Fonte: Salvador Update Foto: Márcio Lima   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=134  Em meio a tantos novos suportes e possiilidades é a pintura hiper-realista de Clive Head que está atraindo a atenção do público inglês. O artista que, até pouco tempo atrás não era muito conhecido, está supreendendo os organizadores da  sua induvidual na Galeria Nacional de Londres.    Em Perspectivas Modernas, que entrou em cartaz no museu, no dia 13 de outubro, Clive Head retrata lugares típicos da paisagem londrina. O artista, que ainda é desconhecido do grande público no país, representa realisticamente espaços urbanos, mostrando diferentes pontos de vista concentrados em um mesmo espaço. Mais de 35 mil pessoas foram ver as obras do pintor britânico hiper-realista Clive Head. O curador da exposição, Colin Wiggins, disse ao jornal "The Guardian" que ficou impressionado com a quantidade de pessoas que visitam a exposição (cerca de 8.000 por dia) e com o tempo que elas passam diante dos quadros - tão realistas que se assemelham a fotografias. A mostra está batendo recordes de visitantes: "Ele quebrou o recorde de visitas para um artista contemporâneo na Sala Um (espaço de exposições temporárias da galeria)", afirma o curador.Segundo a curadoria da exposição, um dos méritos do artista é dar ao espectador a sensação de estar realmente naquele lugar, movendo-se e observando a paisagem de diferentes ângulos. Perspectivas Modernas | Clive Head Galeria Nacional de Londres Visitação: Até 28 de novembro Entrada Gratuita   Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=138 Visitar uma galeria, contemplar um quadro minutos a fio ou folhear um catálogo de arte são atividades que quase nunca eram ligadas à vida na infância. Hoje, essa é um ideia do passado.  Ao menos é o que nos fazem crer os lançamentos sobre arte nas estantes infantis das livrarias. Acompanhando a guinada de muitos museus em aproximar-se do público mirim, os livros de arte para criança vivem um momento de fôlego no Brasil. Desmistificar a ideia de que arte é apenas “coisa de adulto” é o principal desafio do mercado editorial, e as soluções para encurtar distâncias com o público infantil são das mais inventivas. Sob a premissa de que arte é brincadeira (e vice-versa), o artista mineiro Caulos (ex-Pasquim) apresenta o traço minimalista de Mondrian no lúdico Mondrian e o Holandês Voador. Em Bicho de Artista, uma fazenda imaginária reúne animais de todo tipo, representados das mais variadas formas (do bisão das pinturas rupestres aos bichos imaginários como o Urutu, de Tarsilla do Amaral). Pelo caminho, a autora Kátia Canton aborda a história da arte através da maneira como os animais vêm sendo desenhados ao longo do tempo. Dois bons exemplos de como apresentar temas “difíceis” de modo lúdico são: A Mesa do Artista (também de Kátia Canton), em que a natureza morta é explicada por meio de jogos interativos, convidando o leitor a ele mesmo recolher objetos em casa, criar uma composição e desenhá-los à moda de Cezzane ou Morandi; e Eu que Fiz, de Ellen e Julia Lupton. O livro ensina a essência do design (grid, linhas, formas) a partir de 102 atividades que estimulam a reciclagem e o uso de objetos do dia-a-dia como meios de se fazer arte.  Mas, o modelo mais convencional de livros de arte para criança – e os mais numerosos - talvez seja a biografia de artistas famosos. Não que isso resulte em livros pouco originais. Inspirados nas figuras da cultura popular mexicana, Jonathan Winter e Ana Juan introduzem em seu livro Frida a vida e obra de Frida Kahlo, com páginas carregadas de lirismo. Mais do que simplesmente informar, seu livro nos leva a imergir, a experimentar o universo criativo de Frida, em desenhos de rara beleza. Indo na contramão do poético Frida, Michael Cox, mistura quadrinhos underground e história no bem-humorado Leonardo da Vinci e seu Supercérebro. Ensinados em linguagem coloquial, conceitos como o do Renascimento são absorvidos com a mesma familiaridade das travessuras cometidas pelo pequeno Da Vinci ou as esquisitices da Florência do século XVI descritas no livro.   Seja pelo humor, lirismo ou interatividade, o que parece unir essa nova onda de livros para crianças é a ideia de apresentar a arte enquanto experiência. Driblando o didatismo puro e simples e esquivando-se em “traduzir” a imagem pela palavra, esses novos livros propõem mais contemplação - oferecem, para além do conhecimento, novos atalhos ao olhar do pequeno leitor.    Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=139 “O cinema está morto”. Este é provavelmente o bordão favorito do cineasta britânico Peter Greenaway. Consagrado em fitas como Livro de Cabeceira (1996) ou O Cozinheiro, o Ladrão, sua Mulher e o Amante (1989), Greenaway já não acredita no modo convencional de narrar histórias pelo cinema e há mais de uma década vem trocando o set de filmagem por performances e instalações de arte eletrônica. Quando não desfigura os próprios filmes reeditando-os ao vivo em interfaces touch screen, Greenaway volta-se aos clássicos da pintura. O Casamento de Canaã (Veronese) e A Última Ceia (Da Vinci), telas centrais do Renascimento, foram “remixadas” pelo diretor. Sua ideia: jogar com elementos audiovisuais (iluminação, som, projeção de imagens) e com eles potencializar a narrativa estática do quadro.   O caso de Greenaway está longe de ser isolado. O desejo de questionar o espaço de exibição e as novas possibilidades de atrair o espectador com som e imagens fazem do avanço de cineastas sobre as galerias uma tendência. Reunir um grupo de pessoas para compartilhar um filme numa sala escura é, para esses diretores, algo obsoleto. Do mesmo modo, contar uma história projetando imagens em movimento numa única tela pode parecer limitador, quando noções como simultaneidade e interatividade ganham força na arte contemporânea. A aparição de diretores consagrados em espaços de exposições como museus e galerias é tão plural quanto pode sugerir o catálogo das galerias que os convidam. Figura de proa do cinema iraniano dos anos 90, Abbas Kiarostami chegou à década seguinte como protagonista da Bienal de Veneza de 2001. Com Sleepers, ele projetou sobre o solo um vídeo de um casal dormindo enquanto, ao fundo, a cidade despertava. A diretora belga Agnès Varda recentemente declarou que vai abandonar o cinema pelas artes visuais. Sua vídeo-instalação Les Veuves de Noirmoutier, exibida em 2004 na Fundação Cartier-Bresson, em Paris, articula um conjunto de 14 vídeos para refletir sobe a morte e o abandono. E o americano David Lynch há um ano expandiu o surrealismo de seus filmes para uma exibição combinando pintura, litografia, fotografia e instalação, para o museu Marx Ernst, na Alemanha.    Esse movimento dos cineastas em direção às galerias costuma dividir-se entre aqueles que, como Greenaway, vêem o cinema como conhecemos como uma arte falida e outros que buscam o elogio à linguagem do filme dentro dos muros do museu. No segundo caso, inclui-se a exposição Rebobine, Por Favor, coordenada pelo diretor francês Michel Gondry e exibida no Museu de Imagem e Som, de São Paulo, há menos de um ano. Nesse projeto, Gondry vai à galeria provar que o cinema está mais vivo que nunca – e mais, que não depende de grandes orçamentos para acontecer. Inspirado no enredo do filme de homônimo, lançado em 2008, no qual dois amigos tentam salvar uma videlocadora gravando paródias caseiras de fitas blockbusters, a exposição oferecia oficinas que estimulavam os participantes a combinar trucagens clássicas e tecnologia digital para filmar seus próprios filmes. Apesar de realizada dentro de um museu, os curtas produzidos ali não envolviam os procedimentos experimentais e de desconstrução da narrativa que costumam seduzir cineastas aos espaços de exposição. Um bom exemplo para desconfiar que, pelo menos por enquanto, as galerias não são o túmulo do cinema. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=140 A dança e as artes visuais se expressam fundamentalmente através de imagens. Essa premissa serviu historicamente para levar artistas de vanguarda às companhias de balé e, ainda hoje, segue impulsionando diálogos parecidos. No Brasil, importantes grupos estabelecem esta aproximação, reforçada também pelo avanço das artes visuais sobre novas mídias e suportes,estimulando a vocação interdisciplinar da dança.    Uma das mais importantes e reconhecidas companhias do Brasil já estabeleceu esta interface. Corpos deslizando ao redor de um labirinto de vasos, pelas frestas de um jogo de paredes e explorando o erotismo de um painel de 12x4m. As imagens acima pertencem ao espetáculo 4 x 4, da Cia de Dança Deborah Colker, apresentado pela primeira vez em maio de 2002. Inspirada nas obras dos artistas contemporâneos brasileiros Cildo Meirelles, Victor Arruda, Gringo Cardia e do coletivo Chelpa Ferro, Colker investiga as artes visuais para recriar o espaço na dança e, num passo mais adiante, transformar o corpo do bailarino também em obra de arte. Muito antes disso, o deslocamento de quem abandonou a criação do “objeto de arte” pela performance  - ruptura fundamental para a arte dos anos 60 -  chamou a atenção dos grupos de dança. Introduzir tempo, espaço, movimento e protagonistas ao vivo na criação de um artista é, em alguma medida, um exercício de coreografia – e talvez explique um pouco essa aproximação. Há 10 anos em atividade, A Cia Oito Nova Dança é dos principais grupos a pesquisar a contribuição da performance no Brasil. Em suas apresentações, o improviso e a liberdade criativa do bailarino prevalecem sobre a repetição exaustivamente ensaiada dos treinamentos. Nesse sentido, importa mais a força da interpretação, a consciência cênica do próprio corpo. Mas, além de implicar novas formas de criação, o hibridismo entre dança e arte contemporânea propõe uma nova atitude do público. Em coreografia inspirada na obra do pintor americano Andrew Wyeth (1917-2009), o grupo Márcio Cunha Dança Contemporânea sugere que o espectador assista ao espetáculo como quem vai a um museu e se depara com uma série de quadros em movimento. Ao mesclar dança e escultura em Falam as Partes do Todo?,  a Cia Dani Lima nos convida a assistir “a metamorfose do corpo em escultura e da escultura em fragmentos dançantes”, apresentando por outro ângulo a interface entre dança e arte contemporânea.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=133  Na exposição Festas Populares de Salvador - em cartaz simultaneamente na Galeria Solar Ferrão e na Galeria Oi Kabum!, no Pelourinho -  as festas populares da capital baiana são apresentadas e reinventadas através do uso de linguagens e suportes contemporâneos como videoinstalações, fotografias, vídeos e animações. Os produtos da mostra são resultado do trabalho realizado por jovens que integram o núcleo de produção da Oi Kabum! Salvador, uma escola de arte e tecnologia mantida por uma parceria entre empresas privadas e entidades não governamentais.    Durante o processo de produção os jovens artistas freqüentaram as festejos da cultura popular, em busca de referências afro-brasileiras e africanas.Os adolescentes presenciaram e registraram, de diversas formas, a ocorrência de 17 manifestações que compõem o ciclo de festas típicas de Salvador, no período de dezembro de 2009 a setembro de 2010.   Também é possível detectar a presença indígena, que aparece em várias das manifestações e expressões mapeadas na pesquisa, além da importância da contribuição da cultura portuguesa. E é justamente esse resgate das origens da bahia que o público irá encontrar nos registros apresentados nas exposição Festas Populares de Salvador Galeria Solar Ferrão e Galeria Oi Kabum! Visitação: Galeria Solar Ferrão até 21/11, Galeria Oi Kabum! até 17/12 Entrada Gratuita Fonte: Portal SECULT BA Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=132 A exposição Tékhne, em cartaz no Museu de Arte Brasileira da FAAP, investiga ao resultado da presença das novas tecnologias na produção contemporânea.     A curadoria de Denise Mattar  e Christine Mello realiza um trabalho arqueológico, arquivístico e histórico (revisitando as cinco principais mostras de arte e tecnologia realizadas pelo MAB-Faap entre 1964 e 1986) e, ao mesmo tempo, atualiza as questões do passado em um significativo conjunto de obras contemporâneas.   “A assimilação do objeto como nova categoria artística sinalizou uma abertura de caminho para as novas mídias que começaram a surgir”, aponta Denise.    Na exposição o público pode entrar em contato com o trabalho de um expressivo núcleo contemporâneo. Estão presentes obras de artistas como Ana Maria Tavares, Anaisa Franco, Lucas Bambozzi e a dupla Rejane Cantoni e Leonardo Crescenti. Estão presentes na mostra trabalhos como Tormenta Azul Brilhante, de Luis Duva, e o vídeo Eixo X, de Alexandre Rangel e Rodrigo Paglieri; que propõe  uma desconstrução do eixo histórico e arquitetônico de Brasília.   Além disso, a mostra ainda mostra um pouco da obra do argentino Julio Le Parc, membro do grupo de artistas sul-americanos que se estabeleceu em Paris na década de 1950 e desempenhou papel importante no lançamento da arte cinética na Europa.   Quando Julio Le Parc deixou as tintas para trabalhar fundamentalmente com a luz, o movimento e a participação do público, ele tinha uma preocupação em mente: a instabilidade da vida cotidiana.  “Chamam minha obra de cinética, mas as definições limitam a obra de arte. A técnica nunca foi meu motor. A tecnologia que uso sempre foi muito elementar. Minha preocupação era criar uma obra instável  e para isso fui buscar a luz”, diz o artista - que esteve em São Paulo para a montagem da mostra “Tékhne”.   Tékhne Museu da Arte Brasileira - São Paulo Visitação: Até  14 de novembro Entrada Gratuita Fonte: IstoÉ Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=131  Uma mostra inaugurada no Museu Nacional de Arte da Catalunha, em Barcelona, destaca joias produzidas por alguns dos mais conhecidos gênios da arte moderna.   A exposição Jóias de Artista - do Modernismo à Vanguarda traz 340 objetos, entre relógios, broches, pulseiras, medalhas e pingentes de valor incalculável, feitos por artistas como Salvador Dalí, Pablo Picasso, Auguste Rodin, George Braque, Marx Ernst e Man Ray, entre outros.   Criadas quase todas no início do século 20, as jóias representam uma tentativa de fusão de técnicas, estilos e materiais, para "explicar a beleza sem fazer distinções", como descrevera o arquiteto austríaco Otto Wagner.   Além de exibir criações únicas, jamais expostas juntas, a mostra pretende explicar a trajetória do modernismo por meio da relação entre jóias e obras de arte.   Foi principalmente a partir da década de 30 que o movimento Art Nouveau abriu o caminho para as peças chamadas de "microesculturas", onde se destaca o Olho do Tempo (1949), de Salvador Dalí: um relógio de 4 cm x 6 cm x 1,7 cm em platina, rubis e diamantes. Joias de Artista  Museu Nacional de Arte da Catalunha - Espanha Visitação: Até 13 de fevereiro de 2011. Entrada:8,50 € Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=130 Pela primeira vez, três de cinco obras de Paul Cézanne retratando jogadores de cartas foram reunidas em uma nova exposição em Londres, na Galeria Courtauld. Elas aparecem junto com de pinturas a óleo e desenhos feitos pelo artista, expostos muito raramente, e que ajudam a montar um panorama dos registros de camponeses feitos pelo pintor.   "É surpreendente que essas pinturas nunca tenham sido compradas juntas e observadas em detalhe", disse Barnaby Wright, um dos curadores da exposição.   A famosa série, datada do final da carreira do mestre francês, foi baseada em estudos de camponeses na região Aix-en-Provence e deu aos personagens um status raramente obtido pelas classes trabalhadoras na pintura contemporânea.   "Camponeses tendiam a ser retratados fazendo apostas ou de forma indecorosa, mas Cézanne viu algo diferente nos camponeses trabalhando na propriedade de seus pais", afirma o curador.   Além das obras da própria coleção da Courtauld, outras obras importantes da série vêm do Museu dOrsay, de Paris, e do Metropolitan Museum of Art, de Nova York - que também exibirá, entre 9 de fevereiro e 8 de maio de 2011.   Os Jogadores de Cartas | Cézanne Galeira Courtauld - Londres Visitação: Até 16 de janeiro de 2011 Entrada: £7.00 Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=129  Realizada em setembro, a quarta edição da feira SP Arte/Foto levou 7.200 pessoas ao nono andar do shopping Iguatemi, em São Paulo e registrou um aumento de 20% em relação ao público da edição anteiror.   Segundo organizadores do evento, a feira negociou 170 obras de 17 galerias representadas e movimentou cerca de R$ 1,5 milhão. Na SP Arte, feira realizada em abril e que negocia obras de todos os tipos, o total de transações atingiu cerca de R$ 31,45 milhões.   Galerias como Instituto Moreira Salles, Luciana Brito, Nara Roesler, Casa Triângulo e Oscar Cruz dizem ter registrado um aumento de 35%  nas vendas Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=128  Se é na estrada que se passa boa parte dos filmes de Wim Wenders, é também a ela que o cineasta alemão recorre para criar as imagens que não se movem.Mostradas pela primeira vez em público, as fotografias de Lugares, Estranhos e Quietos revelam o talento de fotógrafo do diretor e ficam em cartaz até janeiro no Masp. Wim Wenders, que ao lado de Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog e Volker Schlöndorff ajudou a reerguer o cinema alemão após a Segunda Guerra Mundial, é também um dos homenageados da 34ª Mostra Internacional de Cinema. O público paulista poderá relembrar o melhor de sua produção cinematográfica: o deserto vasto de "Paris, Texas" (1984), a solidão angelical de "Asas do Desejo" (1987) e "Um Filme para Nick" (1980), em que registra a morte de Nicholas Ray (1911-1979), alé da versão definitiva, editada por ele, de "Até o Fim do Mundo" (1991) - inédito no Brasil. Para a exposição de fotografias Wim Wenders percorreu lugares distantes como a Armênia, o Brasil, a Austrália e o Japão em busca dos segredos que apenas seu olhar viajante poderia desvelar. A produção do artistas ainda inclui um dos cartazes desta edição da  Mostra Internacional (o outro leva a assinatura do diretor japonês Akira Kurosawa). Lugares, Estranhos e Quietos | Wim Wenders Museus de Artes de São Paulo - São Paulo Visitação: Até 16 de janeiro de 2011 Entrada: R$15 Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=127  No MAM, Vauluizo Bezerra apresenta a exposição Trajetos. A instalação inédita fica aberta ao público até o dia 28 de novembro, inspirado nas versões da  Batalha de São Romão, de Paolo Uccello e nos aspectos filosóficos da obra de Giacometti. O artista descreve as intençõs por trás de Trajetos como “um esforço de entender a cultura". A exposição é composta de uma série de dezoito desenhos em larga escala em grafite e aquarela e uma sequência de três relevos de parede em resina e fibra de vidro que registram as ações do artista na criação da própria obra; além de uma escultura em aço e acrílico que faz referência à escada do MAM Há ainda na mosta a projeção referencial das versões da Batalha de São Romão de Paolo Uccello, manipuladas digitalmente, a projeção de um vídeo em looping de uma batalha do filme RAN de Akira Kurosawa -cuja produção também foi inspirada por Paolo Ucello.  “A alusão pretendida sobre a obra de Giacometti é um recurso que deliberei buscando sublinhar um sintoma importante, no sentido de que este artista, para mim, é a expressão visual que melhor explicita o senso crepuscular da filosofia humanista que foi (ou ainda o é) o existencialismo", explica Vauluizo. Trajetos | Valuizo Bezerra Museu da Arte Moderna da Bahia Visitação: Até 28 de novembro Entrada Gratuita Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=126 A Fabio Pena Cal Galeria de Arte leva, por mais um ano, ao mais importante evento de arquitetura e decoração do país, uma importante mostra da produção atual de arte contemporânea do Brasil. Neste ano, em que a Casa Cor Bahia 2010 homenageia o arquiteto e urbanista Lúcio Costa, o espaço Galeria de Arte apresenta uma coletiva de artistas pernambucanos representados por Fabio Pena Cal em Salvador. O evento, aberto no dia de 14 de outubro, fica em cartaz na cidade até o dia 24 de novembro, com SPECIAL SALE nos dias 22, 23 e 24.   A mostra coletiva organizada por Fabio Pena Cal na Casa Cor tem como objetivo, além de contribuir para a difusão das artes, divulgar o trabalho de importantes artistas em atuação fora de Salvador. “São artistas que trabalham com técnicas e estilos diversos, com poéticas próprias e bem definidas, mas que possuem em comum traços que as identificam com a arte produzida no nordeste, como Eudes Mota, e o uso de materiais como a madeira de demolição, ou José Paulo, com suas peças com barro”, afirma Fabio Pena Cal.    O projeto da Galeria de Arte da 16ª edição da Casa Cor Bahia é assinado pela arquiteta Viviane Vieira. Ao todo, sete artistas participam da mostra, apresentando  cerca de 40 obras. Destaque para as peças de José Patrício (Progressão Cromática), Braz Marinho (Pezo, Soldado e Bandeira, Soldado), José Paulo (sete obras s/título), Eudes Mota (Futebol, Confessionário, Casa de Pombos), Alice Vinagre (s/ título), Marcelo Silveira (Maria Mole).   O evento, que este ano tem como tema “Sua Casa, Sua Vida, Mais Sustentável e Feliz”, homenageia o arquiteto e urbanista, colaborador de Oscar Niemayer e autor do projeto do plano piloto da capital federal do Brasil, Brasília. A Casa Cor Bahia 2010 acontece no Morro do Ipiranga (entre a Ondina e a Barra), em cinco casas que foram totalmente reformuladas e interligadas pelo arquiteto David Bastos para abrigar a mostra, que ocupa uma área de aproximadamente 3.900 mil m². São 51 ambientes criados por 71 profissionais, entre decoradores, arquitetos e paisagistas.    Além da Galeria de Arte Fabio Pena Cal, o evento este ano também apresenta um outro ambiente mais criativo, o Corredor Digital, criado pelo artista visual Caetano Dias e por Beth Sousa.     CASA COR BAHIA 2010 | Fabio Pena Cal Galeria de Arte  Local: Rua José Pancetti, 7 - Morro do Ipiranga - Barra - Salvador - BA  Quando: de 14 de outubro a 24 de Novembro  SPECIAL SALE 22, 23 e 24 de Novembro  Horário: Terça a Sábado: 16:00h às 21:30h /  Domingo e Feriados: 16:00hs às 21:00hs  Ingresso: Preço Único: R$ 30,00. Passaporte: R$ 60,00* * Com o Passaporte, o visitante tem acesso ilimitado ao evento.    Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=125 Até fevereiro do ano que vem, fica em cartaz no Jeu de Paume, em Paris,  o trabalho de um um dos mais importantes fotógrafos do século 20, André Kertész. A exposição reúne um conjunto significativo de gravuras e documentos originais relativos a vários períodos da vida Kertész, revelando como ele desenvolveu uma poética genuína na fotografia. Apresentando as fotos de forma cronológica, a exposição reflete os vários períodos de sua vida criativa e se divide em grupos temáticos destacando os aspectos originais de sua produção: sua fotografia pessoal (os cartões postais fotográficos, as distorções), o seu envolvimento na publicação (o livro Paris vu par Kertész, 1934) e suas recorrentes experimentos criativos (sombras, chaminés). Nesta grande retrospectiva, pode-se descobrir alguns períodos anteriormente negligenciadas na vida do artista: seu tempo como um soldado, entre 1914 e 1918,  e as Polaroids dos seus últimos anos. Em particular, se destaca o início como fotojornalista em Paris, em 1928 - apesar de ter dito "Eu nunca documento", como bem pode perceber o bservador de algumas de suas "distorções" Andre Kertesz Jeu de Paume - Paris Visitação: Até 06 de fevereiro de 2011 Entrada: 7 € Fontes: Paris Voice, Images & Visions Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=124  As “Plásticas Sonoras” - como são chamadas as peças criadas por Walter Smetak - ganharam uma sala especial para visitação pública no Centro Cultural Solar Ferrão (Pelourinho). A mostra de longa-duração Smetak - O Alquimista do Som apresenta cerca de 100 peças do acervo da família do músico suíço que viveu na Bahia entre 1937 e 1984. Para Daniel Rangel, um dos organizadores da exposição tem também o papel de fortalecer o reconhecimento histórico da obra do artista: "Ele foi um grande mestre, realizando uma renovação nas artes e influenciando toda uma geração de grandes músicos e artistas. Smetak fundiu elementos da cultura popular com outros da cultura erudita, provocando algo completamente novo"   Estão expostos no Centro Cultural Solar Ferrão instrumentos e objetos criados pelo músico, que foi ma das princinpais influências do movimento tropicalista, além partituras e objetos pessoais. O Alquimista do Som – Coleção Walter Smetak Onde: Centro Cultural Solar Ferrão  Visitação: Exposição de longa duração Entrada gratuita Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=123  Quase um ano depois do incêndio que destruiu parte das obras do pintor, escultor e artista plástico carioca, a mostra Hélio Oiticica – Museu é o mundo traz, segundo os curadores Cesar Oiticica Filho e Fernando Cocchiaralea, a maior retrospectiva já realizada sobre o artista, com cerca de 90 obras, mais filmes, fotografias e documentos.   “É importante realizar esta exposição depois do que aconteceu. Isso mostra que a obra de Hélio ainda existe e está mais forte do que nunca. Além disso, todo esse problema fez com que a gente se debruçasse sobre aspectos inexplorados do acervo, como as proposições, espécie de peças criadas para serem completadas por terceiros", conta Cesar.   Desde o dia 11 de setembro, áreas públicas do Rio ganharam ares de museu. A exposição conta com quatro penetráveis: o “PN 16”, nunca exibido em tamanho natural; “Éden”, conjunto de vários ambientes que integrou a primeira exposição do artista na Whitechapel, em Londres, em 1969; “Mesa de Bilhar – Apropriação d’après O Café Noturno de Van Gogh”, montada pela primeira vez, na Central do Brasil; e o igualmente inédito “Bólide Área Água”, na Praça do Lido. "Desta forma, atingimos muito mais gente. Mesmo quem não tem intenção de visitar a exposição se depara com as instalações e acaba sabendo que se trata de uma obra de Hélio Oiticica, e que está rolando uma mostra. Espero que os penetráveis também funcionem como portas abertas para o mundo do Hélio”, explicou Cesar, que é fotógrafo e também sobrinho do artista. No Paço Imperial, a mostra ocupa todo o primeiro andar, onde estarão os metaesquemas (séries de desenhos, como “Grupo Frente”, “Pré-neoconcreto”, dentre outros), os relevos espaciais, os parangolés e bólides, entre outros. Hélio Oiticica – Museu é o mundo Paço Imperial e Casa França-Brasil - Rio de Janeiro Visitação: Até 21 de novembro Entrada Gratuita Fontes: Isto É, G1 Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=122  A primeira exposiçãodo alemão Martin Heinig na Bahia,  Teus Heróis, Meus Heróis traz 26 telas que retratam com cores fortes, em maior ou menor teor de abstração, cabeças e faces de personagens.  Segundo o artista, o rosto que ele pinta surgem de uma nebulosidade entre traços às vezes inconscientes. Ele parece deixar que a obra se conclua, de fato, na perspectiva do apreciador. “Quando comecei a me dedicar inteiramente à pintura, estava perturbado com o conteúdo ilustrativo da pintura figurativa. Rapidamente, cheguei à conclusão de que, se eu quero confrontar-me mais intensivamente com a cor - para experimentar a sua estrutura e sua forma – teria que me separar da contação de histórias e de qualquer ilustração. E para isso decidi extrair o que era mais importante para mim na figura humana: a cabeça. Ela é completamente livre de espaço e tempo, ela conta sua história por si mesma”, declara o próprio artista. Neoexpressionita como o seu professor Georg Baselit - um dos maiores expoentes contemporâneos da pintura alemã -, Heinig diz apresentar imagens efêmeras da realidade. Em diferentes expressões, sempre fitamos os olhos das figuras criadas por Heinig. E são olhos de heróis de nosso tempo, já que, para o próprio artista, o título de sua exposição não deve ser levado tão a sério. Teus Heróis, Meus Heróis | Martin Heinig Museu de Arte da Bahia Visitação: Até 3 de novembro Entrada gratuita Fontes: A Tarde, Salvador Update Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=121  Famosa e prestigiada hoje em dia, graças a nomes mais célebres como Vermeer e Rembrandt, a importância da pintura holandesa está também na sua influência sobre nomes que, a princípio, não associaríamos a uma grupo tão tradicional de pintores tão afeitos a certos artifícios técnicos. É também para nos surpreender que está em cartaz a mostra Miró: The Dutch Interiors (Miró: Os interiores holandeses, em livre tradução). A exposição, que pode ser conferida até o dia 17 de janeiro de 2011 no Metropolitan Museum of Art de Nova York, mostra a fascinação que Joan Miró sentia pela pintura holandesa e a influência que os pintores do século XVII, Jan Steen e Hendrick Sorgh, tiveram na obra do artista espanhol. ico e poderá ser conferida até o dia 17 de janeiro de 2011. Segundo o presidente do Departamento de Arte do Século XIX, Moderna e Contemporânea do museu nova-iorquino,Gary Tinterow,  Miró  (que viveu entre 1893 e 1983) era "apaixonado pela pintura holandesa e encontrou nela uma nova energia e luz para seu trabalho". A mostra reúne três obras de Miró, conhecidas como Interiores Holandeses junto a suas fontes de inspiração: O Tocador de Alaúde (1661), de Hendrick Sorgh, e Crianças Ensinando um Gato a Dançar (mais conhecida como A Aula de Dança, 1660-1679), de Jan Steen. Além dessas pinturas é possível conferir também os desenhos preparatórios e os 16 esboços que o pintor catalão realizou para transferir a linguagem figurativa do século XVII para seu universo surrealista. Miró: The Dutch Interiors  Metropolitan Museum of Art - Nova York Visitação: Até 17 de janeiro de 2011 Entrada: US$20 Fonte: EFE Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=120 Os valores do mercado de arte não param de subir. Desta vez, uma gravura de Pablo Picasso foi vendida por 1,3 milhões de libras (US$ 2 milhões), um valor recorde para uma única gravura levada a leilão, informou a casa de leilões Sotheby\'s nesta sexta-feira. Vendida em Londres, no mês passado, esperava-se por "La Minotauromachie" não mais do que 600 mil libras.  No entanto, a venda superou o recorde anterior para  o preço pago por uma única gravura na casa de leilões - os  1,1 milhões de libras alcançados por "Vampiro II", de Edvard Munch;  vendida em Oslo em 2007.   "La Minotauromachie" é considerada a obra-prima do artista nas gravuras", disse James Mackie, o especialista da técnica na Sotheby\\\'s. "Ela reflete os temas do artista e demonstra a maestria de sua técnica, que continua insuperável. Quase todas as impressões desta gravura estão agora em coleções públicas ou permanentes pelo mundo". Até então, o valor mais alto já pago por uma gravura de Picasso tinha sido o de 880 mil libras, em 1990. Fonte: Reuters   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=119 Grande ausência da atual Bienal de São Paulo, a obra Caminhando, de Lygia Clark, é o trabalho central da exposição Por Aqui, Formas Tornaram-se Atitudes, em cartaz até o dia 30 de novembro no Sesc Vila Mariana. Clark estava na lista de artistas da 29ª Bienal com a reedição desta performance de 1963 em que o público recorta uma fita de papel, desdobrando as formas da escultura "Unidade Tripartida", de Max Bill, num experimento tridimensional e efêmero. Segundo os curadores da Bienal, Moacir dos Anjos e Agnaldo Farias, os herdeiros da artista morta em 1988 cobraram um valor considerado "escandaloso e incompatível" para liberar a exposição do trabalho. Já Josué Mattos, curador de Por Aqui... , pagou à família "um valor completamente normal". Enfim, o trabalho da artista poderá ser visto e experimentado por visitantes do Sesc Vila Mariana nos próximos dois meses. "Cheguei antes da Bienal com esse projeto", conta Mattos. "Mas ele se realizou depois da Bienal."   Dos Anjos falou sobre o caso num dos debates antes da Bienal. "Havia um descompasso entre o que a obra exigia e exigências da família da artista", disse. "É evidente que isso faz falta, mas é uma ausência que pela própria ausência se faz presente." "Acho o fim da picada, o fim do mundo, uma traição à memória da artista", disse Farias antes da Bienal, comentando a ausência de Clark da mostra. "Essa obra tinha de estar lá, não é uma tristeza, é um escândalo." O acervo traz ainda obras inusitadas que se articulam pela “reproposição” de obras relacionais históricas, com ênfase na noção de experiência do espectador, e pela apresentação de obras do atual panorama artístico brasileiro que dialogam com essa tradição. Entre os trabalhos, estão uma mesa de bilhar elaborada por Hélio Oiticica que pode ser usada pelos visitantes e um Cristo comestível feito de rapadura, invenção do baiano Caetano Dias. A exposição, idealizada por Josué Mattos, é uma espécide de resposta à mostra Quando Atitudes Tornam-se Forma, a primeira grande pesquisa sobre arte conceitual realizada em solo europeu. Há também na mostra obras de Albano Afonso, Carmela Gross, Laura Lima,  Lygia Pape, Regina Silveira e Rochelle Costi, entre outros. Por Aqui Formas Tornaram-se Atitudes Sesc Vila Mariana - São Paulo Visitação: Até 30 de novembro Entrada Gratuita Fontes: Folha de São Paulo, R7, Catraca Livre Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=118 No mesmo momento em que o Brasil e o mundo podem conferir a obra do pernambucano Marcelo Silveira na 29ª Bienal de São Paulo, o mais prestigiado evento das artes visuais do país, em Recife, uma mostra individual acontece em sua homenagem no Centro Cultural dos Correios. Até o dia 31 de outubro de 2010, a exposição entitulada “Marcelo Silveira: Três em Um – em torno da obra, artista e público ocupam o mesmo espaço”, apresenta trabalhos inéditas do artista, que possui obras no acervo da Fabio Pena Cal Galeria de Arte, em Salvador.   A exposição apresenta obras inéditas, produzidas nos últimos anos por Marcelo: “Tudo ou Nada”, “Rua da Usina”, e “De Natureza Viva”. Além da exposição, o Centro Cultural dos Correios vai realizar ainda um fórum de debates (de 26 a 28 de outubro), o lançamento de um livro de registro da obra do artista e uma programação educativa para alunos da rede pública do Estado, que acontecerá durante o período de visitação da mostra.   Marcelo Silveira nasceu em Gravatá, no agreste pernambucano, e iniciou sua carreira nos anos 80. Desde então, realizou mais de 20 exposições individuais e 50 coletivas. Em 2005, participou da programação do Ano do Brasil na França - Carreou du Temple - Espaço Brasil, Paris, e da V Bienal do Mercosul – Porto Alegre – RS, onde apresentou “Tudo ou Nada”, também exibida em 2006 na Mostra Paralela da 26ª Bienal de São Paulo. Neste mesmo ano, participou da exposição “Geração da Virada - 10 + 1: os anos recentes da arte brasileira”, no Instituto Tomie Ohtake, São Paulo-SP, evento que teve a curadoria de Moacir dos Anjos e Agnaldo Farias.   Em 2007, apresentou a obra “Rua da Usina”, no Panorama das Artes Plásticas Brasileiras, no MAM, São Paulo, também exposta no espaço de arte contemporânea da Prefeitura de Madrid - Acalá 31. Mais recentemente, teve a obra “Arquitetura de Interior” exposta na coletiva Nova Arte Nova, no CCBB/RJ (2008) e SP (2009).   Dentre as várias publicações e coletâneas em que sua obra é citada e criticada, participa como artista convidado do projeto Arte Brasileira Contemporânea, coordenado por Paulo Sergio Duarte e Murilo Salles.   Marcelo Silveira: Três em Um - Em torno da obra, artista e público habitam o mesmo espaço. Centro Cultural Correios (Recife) - até 31 de outubro de 2010 Horário de Visitação: 3ª a 6ª. das 9h às 18h.; e sábados e domingos, das 12h às 18h. Fórum: dias 26, 27 e 28/10, às 19, com lançamento do livro de registro de obra do artista.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=117  Os irmãos gêmeos Mike e Doug Starn foram convidados pelo The Metropolitan Museum of Art, em Nova Yorque  para criar uma instalação para o The Iris e B. Gerald Cantor Roof Garden (a parte externa do museu), então desde o dia 27 de abril até o fim do mês de outubro eles apresentam Big Bambú: “You Can’t, You Don’t and You Won’t Stop” O site-specific é formado por uma monumental estrutura de bambú que mede 100 metros de comprimento, 50 metros de largura e 50 metros de altura e assume a forma de uma onda, unindo escultura, arquitetura e performance. Big Bambú é como um organismo vivo, evolui conforme sua construção e pode ser acompanhada pelos visitantes, que podem escalar e interagir com a instalação “in progress” ou seja contínua e crescente.  O estado de evolução do trabalho está sendo documentado pelos artistas em fotografias e vídeos. A mostra começou em abril e vai até o fim do mês. Big Bambú: “You Can’t, You Don’t and You Won’t Stop” | Doug + Mike Starn Museu Metroprolitan - Nova Iorque Visitação: Até 31 de outubro Entrada Gratuita Fonte: Ig Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=116 Como o nome bem sugere, acontece em São Paulo, como parte da programação paralela da Bienal, a exposição Paralela 10. A exposição  reúne obras de 82 artistas de algumas das principais galerias da cidade, com obras fortes, alinhavadas em um circuito pelo curador Paulo Reis.   Bancada pelas galerias que reformaram há dois anos o Liceu de Artes e Ofícios, onde as obras estão expostas, a mostra apresenta o trabalho de artistas de todas as casas envolvidas no projeto. Na momtagem, a nova pintura de artistas como Tiago Tebet, Mariana Palma, Rafael Carneiro e Rodolpho Parigi aparece  contraposta  à secura dos cerebrais Felipe Cohen, Iran do Espírito Santo e João Loureiro. Em um dos galpões, instalações de Sandra Cinto, Laura Vinci e Thiago Rocha Pitta desencadeiam um pensamento sobre a paisagem com obras que refutam ou fabricam atmosferas paralelas com ondas, vapores e horizontes movediços de sal.   No entanto, a curadoria levanta outros pontos, como a coerção dos ambientes urbanos, a violência das metrópoles e a fatura da cor. André Komatsu, com uma pilha de tijolos, Lucas Bambozzi e seu puxadinho, Cao Guimarães com um vídeo do casamento de uma operária parecem entrar nesse segundo discurso.   Paralela 10 Liceu de Artes e Ofícios - São Paulo Visitação: Até 28 de novembro Entrada Gratuita Fonte: Catraca Livre Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=115 O Museu de Arte da Bahia apresenta a exposição "Sant´Ana: Imagens seculares e uma história com novos olhares",  reunindo obras de 39 artistas baianos que se debruçaram sobre a iconografia de Senhora de Sant´Ana para criar obras de arte, em comemoração ao aniversário de 250 anos da Igreja do Santíssimo Sacramento e Santana. Artistas como Eliana Kértesz, representada pela Fabio Pela Cal Galeria, reinterpretam com sua arte a imagem desta santa, a avó de Jesus Cristo.    No encontro entre a arte e a religião, a exposição do MAB apresenta a diversidade de formas, cores, texturas e estilos. Além de Eliana, outros baianos como Sérgio Rabinovitz, Tatti Moreno, Luis Humberto Carvalho, Gustavo Moreno e Dom Gregório Paixão aceitaram o convite da Comissão do Movimento Salve Sant\'Ana para participar da exposição. As esculturas, fotografias, relevos e pinturas serão comercializados no local e toda renda revertida para as obras de restauração da Igreja, um dos principais acervos sacro histórico do estado. Em uma mostra paralela, com curadoria da diretora do Museu de Arte da Bahia, Silvia Athayde,cerca de 30 imagens de Senhora de Sant´Ana, dos séculos XVIII e XIX, emprestadas de famílias tradicionais de Salvador, de outros museus e da própria Igreja de Sant´Ana também poderão ser vistas pelo público. Sant´Ana: Imagens seculares e uma história com novos olhares Museu de Arte da Bahiai Visitação: Até 7 de novembro Entrada Gratuita Fonte: Correio* Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=114  O artista baiano Caetano Dias apresenta no Palácio da Aclamação a exposição Bicho Geógrafico. Cheia de simbologias próprias, a videoinstação, pensada especialmente para o prédio histórico de Salvador, é composta por três diferentes projeções, que acompanham as ações de um homem, uma mulher e um cachorro.   A referência do título representa a intervenção do homem europeu nas Américas. “O Bicho Geográfico vem da postura desse homem que toma posse, que se espalha. É a encarnação do invasor, do europeu que tomou as nossas terras, que vem com seu poder modificando tudo e gerando uma nova forma de interpretar e lidar com o tempo”, explica Caetano.  Na montagem, além das projeções em vídeo, também estarão em exposição alguns objetos que compõem o projeto da intervenção no palácio. No Salão Nobre restarão os escombros de duas paredes cenográficas, junto a outros elementos presentes no vídeo, como a marreta usada por um dos persongens. A Sala de Banquetes terá o seu piso coberto por batatas doces e, no espaço anexo, uma pequena gaveta aberta exibirá imagens de um náufrago - personagem que representa o colonizador Diogo Àlvares Correia, conhecido como Caramuru - projetadas numa cama de algodão. No final das três salas do térreo do Palácio da Aclamação, os visitantes poderão encontrar, também, a projeção da imagem de um lago, de uma floresta e de uma água varrida pelo vento, criando desenhos como se, ali, naquela água, tivesse a ação do tempo, da natureza. Bicho Geográfico | Caetano Dias Palácio da Aclamação Visitação: Até 29 de setembro Entrada Gratuita Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=113 O videoartista alemão Harun Farocki faz de sua extensa filmografia  - são quase cem títulos - uma espécia de dissecação da imagem. Presente na Bienal de SãoPaulo, o artista ganha ainda uma retrospectiva que acontece simultaneamente na Cinemateca e no Cinusp , em São Paulo, como parte da programação paralela do evento.   Fazem parte da exposição algumas obras de contúdo político criadas por Farocki, como Videogramas de uma Revolução, em que o artista analisa um princípio de insurgência popular diante de um discurso do ditador romeno Nicolae Ceaucescu e tenta explicar o que aconteceu no momento em que cortaram a transmissão pela TV.   Em Reconhecer e Perseguir, o público vê simulações de bombardeios para o treinamento soldados, descritos pela narradora não como imagens, mas como "informação dotada de beleza não intencional nem calculada". Enquanto Doutrinamento abandona o recinto da revolução, mas esquadrinha uma outra tática de guerra: executivos aprendem a adequar linguagem corporal para vender melhor. Harun Farocki Cinemateca - São Paulo Visitação: Até 3 de outubro Entrada: R$ 4 a R$ 8   Fonte: Folha de São Paulo   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=112  Em cartaz na Alemanha, a mostra Vibración ilustra o impacto da abstração geométrica no trabalho dos pintores, escultores e fotógrafos da América Latina entre os anos 30 e 70. Através de uma coleção com mais de 200 obras inspiradas na abstração e na geometria, esta ambiciosa exposição na Alemanha pretende romper com o clichê de que a arte moderna da América Latina limita-se ao realismo mágico e ao expressionismo, já que quando se trata de arte moderna da América Latina, a maioria dos alemães pensa em nomes como Frida Kahlo e Diego Rivera.    Aberta até o dia o dia 30 de janeiro do ano que vem  na Kunsthalle (pavilhão de arte) de Bonn, no oeste da Alemanha, Vibración reúne quadros, esboços, objetos de artesanato e esculturas de 85 artistas, provenientes, em sua maioria, do Brasil, Argentina, Venezuela, Colômbia, Uruguai e Cuba.   Muitas das obras expostas sugerem o contexto da urbanização e modernização da América Latina nos anos 1930 e 1940, momento em que muitos europeus emigraram para países sul-americanos - entre eles muitos artistas de origem judaica que fugiram do regime nazista na Alemanha. Deste grupo fazem parte três artistas judias que emigraram para a Venezuela, Brasil e Argentina e ganharam destaque na exposição: Gertrud "Gego" Goldschmidt, Mira Schendel e Grete Stern.   A relação de artistas latino-americanos representados inclui, entre outros, os argentinos Lúcio Fontana, César Paternosto e Horacio Coppola, o uruguaio Joaquín Torres García, o colombiano Leo Matiz e o brasileiro Gaspar Gasparian."Para mim, os artistas que participam desta mostra buscam na modernidade uma forma de identidade, já que provêm de países multiculturais, por seu passado pré-colombiano e a posterior influência espanhola", apontou Rainald Schumacher, curador da exposição.   Grande parte dos trabalhos presentes na exposição pertence à coleção particular de Ella Fontanals-Cisneros, uma colecionadora de arte contemporânea cubana estabelecida na Venezuela. As obras foram dispostas de forma peculiar,  já que os curadores as distribuíram pelos espaços segundo as formas geométricas que as compõem, reservando uma sala para as retas, outra para as planas e uma terceira para as esféricas. Vibración Kunsthalle Bonn - Alemanha Visitação: Até  30 de janeiro de 2001 Entrada: €$ 8 ,00  Fontes: Deutsche Welle, Folhas de São Paulo       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=111  Centenas de colecionadores estrangeiros e diretores de instituições internacionais de prestígio, do MoMa à Tate, chegam ao país para a abertura da 29ª Bienal de São Paulo, aproveitando um momento oportuno para a arte brasileira, que já movimenta estimados R$ 200 milhões por ano. "O Brasil está na moda e as pessoas percebem que ter arte em casa é um luxo", diz a galerista Luisa Strina, dona da mais antiga galeria de arte contemporânea de São Paulo. Luisa afirma que, há menos de dez anos, vendeu um trabalho da série Metaesquema, de Hélio Oiticica, por US$ 5.000. Na última edição da SP Arte, feira que reúne galeristas de todo o país, um Metaesquema similar estava à venda por US$ 250 mil. Desde o início da década, o mercado tem crescido a um ritmo de 50% ao ano. Diversas obras se valorizam a 30% ao ano, deixando para trás outras aplicações de risco. A força econômica do setor não passa despercebida. "Tem muita gente querendo comprar e pouca gente querendo vender", avalia Jones Bergamin, da Bolsa de Arte. Nem mesmo a crise internacional fez os preços dos artistas brasileiros caírem.E Berrgamin estima que o mercado ainda deva crescer entre 10% e 20% neste ano. Depois que a tela O Mágico (2001), de Beatriz Milhazes, alcançou a marca de US$ 1 milhão em um leilão da Sotheby"s, em 2008, o mercado de artes passou a atrair investidores interessados puramente no potencial de valorização das obras. "Se analisarmos os últimos dez anos, os investimentos em arte tiveram uma valorização muito superior à da Bolsa", afirma Heitor Reis, um dos sócios do fundo Brazil Golden Art, criado pela Plural Capital - uma butique de investimentos formada por ex-sócios do Pactual,  que está estruturando um fundo de investimentos de R$ 50 milhões para artes plásticas. E Reis já pensa no lançamento de um segundo fundo. No mundo das galerias, já começam a surgir histórias de especuladores, que compram para, logo em seguida, colocarem a obra à venda em leilão. Mas, se há 20 anos dava para contar nos dedos o número de colecionadores sérios, hoje eles passam de mil. Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=110 Chega ao Brasil uma grande exposição dedicada ao trabalho de Joseph Beuys, um dos artistas pioneiros na exploração dos limites entre a arte, a política e a ecologia. Em cartaz no Galpão do Sesc Pompeia, A Revolução Somos Nós apresenta 265 obras do artista alemão: 40 múltiplos, 205 cartazes e 20 filmes.   Os pôsteres - usados de forma inovadora por Beuys - circundam todo o espaço expositivo, que tem no centro os múltiplos e nos quatro cantos projeções de filmes. "Tudo aqui está relacionado. A ideia foi de que de qualquer lugar da sala fosse possível ver o Beuys em ação", conta Solange Farkas, curadora da exposição e do Museu de Arte Moderna da Bahia. "Ele se apropriava da propaganda, que é a função do cartaz, para com isso fazer política", explica o curador convidada da exposição, Antonio D\' Avossa, da Academia de Arte de Milão.   Um dos destaques da mostra é o pôster da ação histórica "I Like America and America Likes Me", realizada em 1974, na galeria René Block, em Nova York. Parte do registro dessa performance  - três dias em que Beuys ficou trancado com um coiote numa jaula - aliás, pode ser vista em vídeo na exposição.   Beuys foi um dos artistas mais radicais de seu tempo. Fundador do Partido Verde na Alemanha, uma de suas ações mais conhecidas foi plantar 7 mil carvalhos na cidade de Kassel, durante a Documenta de 1972. Há mesmo uma grande quantidade de pôsteres, muitos assinados pelo próprio Beuys (1921-1986), inclusive o que ele fez quando participou da Bienal de São Paulo, em 1979, com um objetivo não era nada modesto: "Conclamação para uma alternativa global" propunha "acabar com as muralhas ideológicas entre Oriente e Ocidente (...) e superar o abismo entre o Norte e o Sul". A Revolução Somos Nós | Joseph Beuys Galpão Sesc Pompeia - São Paulo Visitação: Até 28/11 Entrada Gratuita Fonte: Associação Cultural Videobrasil (organizadora da mostra junto com o Sesc) e Folha de São Paulo Foto: Jefferson Coppola Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=109 Em cartaz na CAIXA Cultural Salvador, a mosta Rubem Grilo - Xilográfico (1985 a 2009) tem curadoria do próprio artista e é uma retrospectiva da sua produção nos últimos 25 anos. Rubem Grilo é um dos mais importantes xilogravadores brasileiros vivos e apresenta apresenta nesta exposição 116 obras de diferentes formatos:  91 xilogravuras, 6 matrizes e 19 colagens, em sua  maioria inéditas. A mostra  revela um Rubem mais profundo e amadurecido, dando ao público a oportunidade de ver uma primorosa seleção de obras cujos temas e abordagens ganham ampla densidade e configuração dramática. Paralelamente ao mergulho nas grandes questões humanas, seu processo criativo remete-se para o fato plástico essencial em sua obra: a síntese gráfica na construção do espaço. Rubem Grilo – Xilográfico (1985 a 2010) Caixa Cultural - Salvador Visitação: De 03 de setembro a 10 de outubro de 2010 Entrada Gratuita Fontes: Plugcultura. Portal Overmundo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=108 Os Estados Unidos vão ganhar a maior retrospectiva da obra do pintor italiano Arcimboldo já vista no país. A mostra Arcimboldo, 1526–1593: Nature and Fantasy contará com um total de 16 "retratos" feitos pelo artista italiano. Os quadros são pintados formando uma composição de hortaliças, árvores, peixes, frutas, flores e até canhões e pistolas, formando retratos através dos quais o artista conquistou a admiração e o riso do público da corte do Império dos Habsburgo, no século 17. Arcimboldo não hesitou em satirizar membros da corte de Maximiliano 2º e pintou alguns em suas obras, inclusive o filho deste, o também imperador Rodolfo 2º,que não duvidou em posar para o artista. Esquecido após a sua morte, Arcimboldo foi redescoberto  pelos movimentos surrealista e dadaísta depois de centenas de anos. A maior parte dos quadros que serão expostos na América vem de fundos do museu Kunsthistorisches de Viena e, após sua passagem por Milão, em 2011 eles voltarão à instituição para restauração - o que quer dizer que passarão muito tempo sem deixar novamente a cidade de Viena. Arcimboldo, 1526–1593: Nature and Fantasy | Giuseppe Arcimboldo Galeria Nacional de Washington - Estados Unidos Visitação: de 19 de setembro de 2010 a 9 de janeiro de 2011 Entrada Gratuita Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=107 Depois de passar por Rio de Janeiro, São Paulo e Rio Branco, a exposição itinerante do Prêmio CNI SESI Marcantonio Vilaça para as Artes Plásticas (edição 2009/2010) chega a Salvador apresentando o trabalho dos artistas vencedores da  iniciativa que  já se tornou referência para o fomento e difusão das artes plásticas contemporâneas no país. A mostra fica em cartaz no Museu de Arte Moderna da Bahia até o dia 14 de novembro e conta com peças de Armando Queiroz (Pará), Eduardo Berliner (Rio de Janeiro), Henrique Oliveira (São Paulo), Yuri Firmeza (Ceará) e Rosana Ricalde (Rio de Janeiro).     Nas obras expostas são empregadas a mais variadas técnicas: acrílico sobre tela, desenho, pintura sobre papel perfurado, back light, óleo sobre tela, foto-performance, vídeoinstalação, instalação e vídeo em loop. Um dos destaques da exposição é o trabalho de Rosana Ricalde usa como suporte mapas urbanos, globos terrestres, guias de estradas e cartografias marítimas para brincar com manifestos, ditados populares, relatos de viagens e até sopas de letrinhas - compondo o que chama de poesia visual. A artista assina onze dos trinta e três trabalhos expostos. Prêmio CNI SESI Marcantonio Vilaça para as Artes Plásticas Museu de Arte Moderna da Bahia - Salvador Visitação: Até 14 de novembro Entrada Gratuita   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=106 O contraste entre a obra de Takashi Murakami e o classicismo barroco do Palácio de Versalhes não podia ser mais evidente. Após Jeff Koons, em 2008, e Xavier Veilhan, em 2009, agora é Murakami o convidado para expor e deixar sua marca no local, criando uma ponte entre o passado e o presente, com sua obra inspirada em mangás e animês. Para o artista, exibir os seus trabalhos em Versalhes é um sonho tornado realidade. “É belíssimo! E é a primeira vez que tenho a oportunidade de exibir o meu trabalho num local tão especial como este. É muito mais do que alguma vez eu esperaria”, disse Murakami, que abre oficialmente a exposição no dia 14 de setembro, com 22 obras,  incluindo esculturas, pinturas e uma série de luminárias. Mas, mesmo antes de abrir no Palácio de Versalhes, a mostra individual do artista já está causando polêmica na França, repetindo o episódio de protestos contra a exposição do norte-americano Jeff Koons. Um dos motivos seria o caráter sexualmente explícito de algumas obras do artista, que é considerado o Andy Warhol japonês. Murakami Versailles | Takashi Murakami Palácio de Versalhes - França Visitação: de 14 de setembro até 12 de dezembro Fontes: Euronews, Revista Zupi, Folha Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=105 A casa de leilões Sotheby está organizando o que promete ser o maior leilão de arte chinesa da história. O evento será realizado nos dias 7 e 8 de outubro, em Hong Kong, e a expectativa é de que se arrecade cerca de 100 milhões de dólares com a venda dos itens.   Obras de artistas como Fu Baoshi ou Zhang Daqian fazem hoje a alegria de galeristas e das casas de leilões. Uma pintura em pergaminho feita por Baoshi foi vendida por US$ 1,1 milhão em leilão no final do ano passado - quatro vezes mais do que a previsão feita pela casa de leilão. Um dos itens em destaque do leilão é um vaso esmaltado imperial antigo que tem preço estimado em US$8 milhões. Alguns trabalhos de Daqian - conhecido como o “Picasso da China" - têm alcançado preço médio de US$ 1 milhão nas últimas transações internacionais.    Para o evento de outubro são esperados colecionadores do mundo todo. As peças que serão vendidas são consideradas raras e têm grande expectativa de valorização com o passar dos anos, segundo os organizadores. “Como a China está se tornando uma potência econômica internacional, a sua arte também passou a ser valorizada”, afirma Antonio Bias Bueno Guillon, diretor presidente da Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP), de São Paulo, que em 2002 promoveu uma exposição de arte chinesa no Brasil.   Entre as peças que participaram da exposição da FAAP estava uma veste de bronze do lider comunista Mao Tsé Tung, de autoria de Sui Jianguo. “Os chineses nos ofereceram a obra por US$ 10 mil, mas não compramos porque nosso museu investe apenas em arte brasileira. Meses depois, essa mesma peça foi vendida em Nova York por US$ 400 mil”. Uma valorização de 3.900%.  Fontes: IstoÉ, Terra   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=104 O trabalho do artista Miguel Rio Branco está em cartaz até o dia 31 de outubro Museu da Imagem e do Som, são fotografias, vídeos e uma instalação que trazem a visão diferente do artista acerca da realidade nas metrópoles e centros urbanos. A mostra aborda o isolamento dos moradores das metrópoles, que se alienam dos rumos das cidades e deles mesmos. "A ideia da exposição vem da atração do mal nesse espaço urbano gigantesco, mas a violência já não me inspira. Prefiro trabalhar com a natureza" - afirma o artista, que assina a curadoria da exposição, intitulada Maldicidades - Marco Zero. As imagens mostram uma variedade de cenas urbanas – como mendigos, moradores de rua, prostitutas e cães abandonados - encontradas ao redor do mundo, em países da América Latina, nos Estados Unidos (NY) e em Tóquio (Japão). São mais de 40 fotografias - em grande parte, inéditas - captadas entre 1970 e 2010. Entre as obras em cartaz está o vídeo "Nada Levarei Quando Morrer Aqueles que Mim Deve Cobrarei no Inferno", realizado em 1979 com  prostitutas do Pelourinho e selecionado pela 29ª Bienal de São Paulo, que abre no fim do mês com o tema "arte e política". Já entre as fotografias, há uma onde pode-se ver um homem numa favela de Lima, no Peru, segurando um jornal onde se lê a manchete: "Murió el cuerpo" (o corpo morreu).  "Eu me identificava mais com a marginalidade. Tudo ficou violento demais. Passei de uma fase mais ligada à carne para uma coisa talvez mais espiritual. Tem a ver com o que eu vejo. Há um empobrecimento da matéria. E uma questão ligada só ao dinheiro. Um excesso, um consumo desenfreado, o último grito do capitalismo", diz o artista. Maldicidade - Marco Zero | Miguel Rio Branco Museu da Imagem e do Som - São Paulo Visitação: Até 31 de outubro Entrada: R$ 4 Fontes: Arqbacana, Folha       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=103  O fotógrafo gaúcho Ricardo Teles expõe na Galeria Solar Ferrão, no Pelourinho, o resultado de sua expedição fotográfica por alguns países do continente africano. A exposição O Lado de Lá, em cartaz até o dia 26 de setembro, traz imagens do cotidiano e de celebrações religiosas no Congo, Benin e Angola, captadas entre 2005 e 2010.    Uma das pretensões do trabalho é revelar elementos que conectam o Brasil à cultura desses países. Uma das ispirações do fotógrafo foi a frase do Padre Antônio Vieira, que no século XVII  já dizia que “sem Angola não há Brasil”. Entre outras coisas, o público pode ver na exposição de Teles retratos de uma África atual – mas que ainda é capaz de nos remeter ao tema  da formação do povo brasileiro – vista através da sua fotografia documental,  em sintonia com uma escola mais tradicional, como o do francês Pierre Verger. Essa é a primeira parte de uma série de fotografias planejadas pelo artista. No fututo ele pretende visitar Togo, Moçammbique, Cabo Verde e Gana para completar seu projeto As fotografias expostas em O lado de Lá aparecem na trajetória de Ricardo Teles como uma espécie de continuação de um trabalho que ele já desenvolvia no Brasil, muito ligado à Antropologia Visual. No país, o fotógrafo fez registros de comunidades indígenas, de remanescentes de quilombos e colônias de imigrantes alemães, além de registrar suas passagens pelas rodovias que cortam o território nacional.  O Lado de Lá | Ricardo Teles Galeria Solar Ferrão, Centro Cultural Solar Ferrão, Pelourinho, Salvador Visitação: até 26 de setembro, de terça a sexta, das 10h às 18h. Sabados, domingos e feriados, das 13h às 18h Entrada Gratuita Fontes: R7, Diretoria de Museus IPAC Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=102 Classificada como a maior exposição já realizada sobre a artista na Europa, a Retrospectiva Frida Kahlo expõe, até 5 de dezembro, no Kunstforum, em Viena cerca de 140 trabalhos da artista, depois de passar por Berlim, onde foi vista por 235 mil pessoas. A mostra reúne praticamente todas as obras da artista que estavam nas mãos de diversos museus e colecionadores privados e ainda uma ampla seleção de fotografias que mostram a Kahlo em sua vida cotidiana, com seus familiares, amantes e pintando.   O autorretrato Vestido de Veludo é o primeiro passo da viagem que nos leva até os primeiros trabalhos da pintora, como um desenho a lápis que recria o grave acidente que  Frida sofreu em 1925 e que a marcaria para toda a vida. Há também retratos de amigos da juventude junto a outras obras principiantes, carregadas da sensualidade de uma adolescente, além dos quadros mais duros nos quais sua atormentada relação com Diego Rivera, suas dores crônicas e abortos são representados em múltiplos autorretratos e obras nas quais usa desde elementos da cultura asteca até pinceladas do surrealismo. Além disso, a exposição permite ver fragmentos do diário pessoal escrito por ela nos últimos dez anos de vida, cheio de ilustrações coloridas e mensagens poéticas na qual expressa sua vontade de morrer: "Espero alegre a saída e espero não voltar jamais". Toda ajuda é pouca para compreender a produção da artista: "É uma obra muito complexa, cheia de símbolos pessoais e misteriosa", indicou Cristina Kahlo, sobrinha-neta de Frida. Retrospectiva Frida Kahlo Bank Austria Kunstforum - Vienna, Áustria Visitação: Até 5 de dezembro Entrada: € 9 Fonte: G1 Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=101 Em cartaz até o dia 31 de outubro na Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre, a exposição Desenhar no Espaço - Artistas Abstratos do Brasil e da Venezuela na Coleção Patricia Phelps de Cisneros procura, como o próprio título diz, traçar paralelos entra a produção abstrata destes dois países, localizadas entre as décadas de sessenta e noventa.  A exposição foi montada a partir do acervo de uma das maiores coleções de arte contemporânea da América Latina, em parceria com a Fundação Iberê Camargo, e reúne 88 obras de artistas dos dois paízes, sugerindo comparações entre nomes como Jesús Soto, Lygia Clark, Carlos Cruz-Diez, Willys de Castro, Alejandro Otero e Mira Schendel, entre outros.    “O diálogo entre movimentos, que nem sempre se deu historicamente, é mostrado nesta exposição quando comparamos as enormes diferenças entre as estratégias neoconcretas de Willys de Castro e Hélio Oiticica e os artistas venezuelanos Carlos Cruz-Diez e Alejandro Otero”, diz Ariel Jiménez, curador-chefe da Coleção Cisneros. Criando a possibilidade de novas leituras - que não são só comparativas, mas complementares, também - o tempo funciona neste exposição como um fio condutor para alinhavar as semelhanças. Artistas como a brasileira Lygia Clark e o venezuelano Jesus Soto iniciaram sua produção com uma pintura figurativa, de tratamento geométrico, para posteriormente desenvolverem uma arte que exige a interatividade entre público e obra, favorecendo diferentes perspectivas do uso do corpo.  Se o trabalho da brasileira provoca o movimento do espectador que manipula sua escultura, as peças de Soto requerem a movimentação espacial do observador, para a visualização do cinetismo de suas formas e cores. Ambos viriam logo a modificar a linguagem concretista, expandindo suas criações para fora do quadro e inaugurando uma nova postura em relação ao objeto artístico. Talvez, não por coincidência, são hoje dois dos artistas latino-americanos em maior ascensão no mercado das artes. Desenhar no Espaço - Artistas Abstratos do Brasil e da Venezuela na Coleção Patricia Phelps de Cisneros Fundação Iberê Camargo - Porto Alegre Visitação: Até 31 de outubro de 2010, de terça a domingo das 12h às 19h, e quinta das 12h às 21h. Entrada Gratuita Fonte: IstoÉ Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=100 A fotógrafa Alba Vasconcelos apresenta até o dia 14 de setembro, no Centro Cultural Dannemann, em São Felix, cidade do Recôncavo Baiano, a exposição Pele - a Cor de Cor. A mostra, que tem apoio da Fabio Pena Cal Galeria de Arte, traz fotografias de mulheres negras, a partir do olhar contemporâneo da artista. Há cerca de 10 anos, Alba Vasconcelos desenvolve uma pesquisa em torno da cor da pele negra. “Mas sempre me incomodou o fato dos negros serem normalmente fotografados associados à idéia de religiosidade, de pobreza, do exótico. Meu trabalho foge destes estereótipos. Minhas fotos trazem elementos mais contemporâneos, como o foco mais na textura, por exemplo”, conta a artista, que além da fotografia, também passeia pela escultura. “Procuro ressaltar a forma e textura da pele, independente das raízes dos fotografados ou das minhas”, finaliza. “Alba capta a sensibilidade da alma feminina e prefere interpretar o resultado do seu trabalho em fotos P&B para traduzir uma expressão mais pura, valorizando a luz e a forma, sem criar envolvimentos com a sedução da cor”, escreveu no texto de apresentação da exposição o crítico de arte e artista visual Justino Marinho. A exposição Pele - a Cor de Cor surgiu a partir do convite de Pedro Arcanjo (do Centro Cultural Dannemann) e foi aberta durante as comemorações da Irmandade da Boa Morte, que acontecem na cidade vizinha a São Felix, em Cachoeira. Por este motivo, Alba apresentou apenas fotos de com mulheres negras, numa homenagem à força e à beleza das integrantes da Irmandade. A artista baiana, nascida em Jequié, teve rápido começo de sua carreira como fotojornalista. Depois, passou a trabalhar com publicidade e a se dedicar mais à arte. Morou por alguns anos nos EUA, país no qual realizou diversas exposições, principalmente na Califórnia. Alba participou da exposição comemorativa ao ano da França no Brasil, O Sensível Contemporâneo (2009), na Galeria Canizares, em Salvador, da mostra coletiva Artes e Filantropia (2006) e da individual Retratos (2005), ambas promovidas pela Fábio Pena Cal Galeria no Super Clubs Breezes, Camacari e fez uma individual com Fabio Pena Cal, no Brisis. Este ano, Alba foi selecionada para a Bienal do Recôncavo, evento que premiou uma foto da artista em sua primeira edição (1991). Ela também venceu o prêmio da Bienal Fotobahia, em 1988, no Museu de Arte Moderna da Bahia. Pele - a Cor de Cor Centro Cultural Dannemann, em São Felix | até 14 de novembro   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=99 Na exposição Contra o Muro - em cartaz até o dia até 10 de Outubro no Museu de Serralves, Portugal - Marlene Dumas compartilha a sua visão do mundo e o seu desejo de mudança, depois de recolher fotografias de muros durante muito tempo a artista dedicou-se especialmente  à "Barreira de Segurança" que separa israelitas de palestinos. A exposição é composta por parte dos quadros que estiveram, entre março e abril, na galeria David Zwirner, em Nova Iorque e por outros trabalhos que a artista realizou na última década.  Entre as imagens trazidas pela artista, pode-se ver palestinos  sendo revistados por soldados encostados a um muro  em Wall Weeping, uma mulher que chora a morte do filho na obra The Mother, ou observar o Muro das Lamentações em Mind Blocks.   Apesar de o título da exposição chamar a atenção para o protesto da artista contra o muro que separa israel e palestina, ela não se limita a este conflito, no entanto. Contra o Muro é uma análise das barreiras que somos capazes de erguer - resgatantdo também a sua herança sul-africana e "as suas reflexões sobre o mundo".  E sugere: "Talvez eu pinte agora os mortos porque não os pude pintar na altura". Há ainda, em outra parte da exposição, os quadros que a artista fez na sequência da morte da sua mãe. A artista decidiu canalizar o seu sofrimento para outras pessoas e celebridades como Marilyn Monroe ou Ingrid Bergman aparecem chorando nas imagens criadas pela artista. Contra o Muro | Marlene Dumas Museu Serralves - Cidade do Porto, Portugal Visitação: Até 10 de outrubro Entrada 5€ Fonte: JornalismoPortoNet Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=98  Em cartaz pela primeira vez no Brasil, chega à Salvador a exposição Tunga: À Luz de Dois Mundos, que acompanha o processo de criação da obra À La Lumiere de Deux Mondes  - criada em 2005, a partir de obras do acervo do Louvre para ser exposta no museu francês. A mostra apresenta quatro peças inéditas, entre os desenhos e estudos da época da produção deste trabalho, cartazes das mostras do Louvre e no PS1 do MOMA, além de um vídeo sobre as duas exposições. Também será exibida uma apresentação audiovisual feita pelo crítico Paulo Sérgio Duarte, incorporada à exposição de Salvador.  Concebida para ser apresentada sob o vão central da pirâmide do Louvre, a instalação usa diversos materiais, que ultrapassam três toneladas (entre bronze, aço, resina e ouro). A montagem de Salvador apresenta a instalação principal acompanhada de outros elementos, que ilustram desde o começo até a elaboração de novas obras, baseadas e inspiradas em À La Lumiere de Deux Mondes. Tunga: À Luz de Dois Mundos Palacete das Artes Rodin Bahia - Salvador Visitação: Até 31 de outubro, de terça a sexta, das 10 às 18h, fins de semana e feriados, das 13 às 17h. Entrada Gratuita. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=97 O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro recebe, até o dia 31 de outubro, as obras da exposição Salas e Abismos,  de Waltercio Caldas. A exposição é uma versão mais completa da que foi exibida no Museu do Vale, no Espírito Santo. Estão em exibição  os trabalhos que integraram as Bienais de Veneza em 1997 e 2007, e também obras como O Jogo do Romance,Quarto Amarelo e Esculturas para Todos os Materiais Não Transparentes. A mistura de projeções, música e objetos dá o tom da montagem, meticulosamente pensada por este artista cuja obra está intimamente ligada às questões que nascem da relação entre o tempo e o espaço. Existe um pensamento entrelaçando os doze ambientes que compõem a exposição, pensados pelo artista para formar um conjunto harmônico, que produza o efeito de uma sinfonia. "As pessoas chegam de fora com muita informação. Eu queria um filtro para a vertigem do mundo. Aqui, é como se eu baixasse o tempo", assim o artista explica a presença da obra O Silêncio do Mundo - uma espécie de antessala da exposição, onde objetos negros absorvem uma luz azul, criando um ambiente intimista. Depois de passar pela obra o espectador pode escolher livremente sua trajetória entre os ambientes integrados "Cada sala lida de uma forma com o tempo, que pode ser vertiginoso, suspenso, cadencial" diz Waltercio Salas e Abismos | Waltercio caldas Museu de Arte Moderna -  Rio de Janeiro Visitação: Até 31 de outubro ( 3ª a 6ª, de 12h as 18h; sáb., dom. e feriados, de 12h às 19h ) Entrada: R$ 8 (estudantes e idosos pagam meia) Fonte: Folha de São Paulo Foto: Paulo Costa Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=96  Uma das mais importantes casas de leilões da Inglaterra anunciou que suas vendas mundiais aumentaram 46% em comparação com o o primeiro semestre do ano passado. Segundo o diretor-geral, Edward Donman, "os resultados da casa mostraram uma grande confiança do mercado internacional, e ela deverá continuar no outono". Donman também atribui o crescimento de vendas ao nível elevado alcançado por certas obras de arte. A cifras registradas pela alcançam 1,71 bilhão de libras (2,06 bilhões de dólares) relativas ao primeiro semestre, ante  1,2 bilhão de libras no primeiro semestre de 2009  - segundo o comunicado. Donman destacou ainda "o lugar cada vez mais importante da Ásia" no mercado de arte. No primeiro semestre de 2010 foram vendidas 169 obras de arte cujo preço ultrapassava um milhão de libras, um valor menor em comparação com as 201 obras vendidas nesta faixa de preço no mesmo período de 2009. Segundo o diretor, houve uma redução na oferta, frente a uma demanda sustentada dos compradores, que permitiu a obtenção de preços elevados de vendas.  É o caso do quadro Nu, Folhas Verdes e Busto, de Pablo Picasso, que foi adquirido em maio por 106,5 milhões de dólares, um recorde mundial para uma obra de arte. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=95 O fotógrafo mineiro Leonardo Costa Braga expõe até o dia  5 de setembro, em Salvador, as 12 imagens das séries "Homem" e "Árvore" que lhe valeram o Prêmio Nacional de Fotografia Pierre Verger, da Fundação Cultural do Estado da Bahia. Na exposição. que ganhou o título de Homogenia, o fotógrafo propõe um questionamento sobre a evolução humana. Para a série "Homem", o artista fografou moradores de rua da Avenida Pedro II, em Belo Horizonte, criando imagens nas quais abandono e a solidão contrastam com um ambiente urbano colorido e vibrante. Já a série "Árvore" retrata o processo de desarborização do município de Caeté - Braga produziu as fotografias a partir de árvores cortadas, que ele mesmo recolheu e dispôs pelos passeios da cidade. Segundo o fotógrafo, a intenção é fazer as pessoas se reconhecerem e questionarem a relação do homem com a natureza. "Afinal, será que não estamos morrendo junto com ela?", provoca. Homogenia | Leonardo Costa Braga Palácio Rio Branco (Praça Thomé de Souza, Centro – Salvador/BA) Visitação: Até 5 de setembro Entrada Gratuita Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=94   Na exposição "Los juguetes de las vanguardias" artistas renomados como Pablo Picasso, Paul Klee, Joan Miró e Henri Cartier-Bresson aparecem assinando alguns dos mais de  200 trabalhos que, entre outras coisas, estabelecem uma relação desses artistas com o universo infantil. Em cartaz no Museu Picasso de Málaga, a exposição apresenta brinquedos pouco convencionais desenvolvidos por  sessenta diferentes autores; são bonecos, teatros em miniaturas, fantoches, jogos, móveis e livros criados por artistas que, segundo os curadores,  foram influenciados pelas teorias de Sigmund Freud sobre a importância da infância no desenvolvimento psicológico dos indivíduos. Na montagem, há ainda uma seção dedicada a  jogos criados por artistas de movimentos de vanguarda, como Construtivismo, Funcionalismo e Futurismo.  Um dos objetivos da mostra é evidenciar as relações entre arte e educação através do trabalho de artistas que buscavam inspiração na arte moderna para criar seus brinquedos. Los juguetes de las vanguardias Museu Picasso - Málaga, Espanha Visitação: De 04 se setembro de 10 a 30 de janeiro de 2011 Entrada: 4,50 € Fonte: BBC Brasil Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=93 Graças a uma iniciativa dos herdeiros do pintor lituano, o acervo do Museu Lasar Segall - que atualmente compreende cerca de 3.000 obras assinadas pelo artista -  passará a contar com outras 171 gravuras, oito quadros, 5.000 fotografias, 12 itens de mobiliário e 500 objetos pessoais, entre pincéis e palhetas que um dia já foram usados pelo pintor modernista. A partir dessas novas aquisições o museu fará uma reformulação da exposição de longa duração, que desde 1995  apresenta 120 trabalhos realizados por Lasar Segall entre 1909 e 1957, ano de seu falecimento. Também já é exibido no espaço da exposição um material audiovisual, complementando as informações sobre a vida e a obra do artista que nasceu em 1891e veio para o Brasil em 1923. A exposição traz uma abordagem cronológica e também crítica do trabalho do pintor, assinalando as grandes transformações ocorridas na sua obra e ressaltando a importância da sua figura para a produção brasileira. Em São Paulo, Lasar Segall se aproximou do grupo dos modernistas, fazendo com que a influência do país na sua obra o levasse a promover uma mistura  de sua herança européia com a capacidade de olhar e viver o novo, encontrada no Brasil. Lasar Segall Retrospectiva Museu Lasar Segall - São Paulo Visitação: de terça a sábado, das 14h às 19h; domingos e feriados, das 14h às 18h Entrada gratuita Fontes: Folha de São Paulo, Museu Lasar Segall Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=92 Depois de 80 anos longe do público, a maior obra assinada por Pablo Picasso volta a ser exposta, dessa vez, no Museu Victoria and Albert, em Londres. "O Trem Azul", que foi uma das principais inspirações para o escultor Henry Moore no início de sua carreira, mede aproximadamente 10x11m e foi pintado em 1924, para o Balé Russo.   "O Trem Azul" é na verdade a reprodução de um quadro conhecido como  Duas Mulheres Correndo na Praia, pintado dois anos antes por Picasso, e foi encomendo por Sergei Diaghilev (que era amigo do pintor espanhol)  a sete artistas da companhia russa. A obra  ficou pronta em menos de vinte e quatro horas e, ao ver o resultado, Picasso gostou tanto que a assinou com seu nome. A obra integra a mostra Diaghilev and the Golden Age of the Ballets Russes 1901-1929, que será aberta no dia 25 de setembro e tem como objetivo  destacar as colaborações do coreógrafo Sergei Diaghilev com diversos artistas, como Picasso e Matisse.  A exposição fica em cartaz até janeiro do ano que vem no museu londrino.     Diaghilev and the Golden Age of the Ballets Russes 1901-1929 Museu Victoria and Albert Visitação: De 25 de setembro de 2010 a 09 janeiro de 2011 Entrada: £10 Fontes: G1, DailyMail, Art Info, O globo Foto: Reuters Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=91 A artista alemã Rebecca Horn expõe, até o dia 2 de setembro, a retrospectiva "Rebelião em Silêncio" no Centro Cultura Banco do Brasil, em São Paulo. A mostra, que também esteve em cartaz no Rio de Janeiro, é uma versão da retrospectiva aberta no Museu de Arte Contemporânea de Tokyo e tem curadoria do produtor e diretor Marcelo Dantas.   Rebecca, que também é cineasta e já dirigiu uma ópera de Strauss, foi uma das pioneiras no uso de novas tecnologias, ainda no início de sua produção. A exposição leva a São Paulo dezoito instalações e seis videos desta que é considerada, junto com Anselm Kiefer e Gerhard Richter, um dos grandes nomes da arte contemporânea da Alemanha.   É comum que se refiram ao trabalho da artista como algo "indefinível". Em "Concento para a Anarquia", por exemplo, há uma melodia que sai de um piano pendurado no teto (e que só poderia ser tocada se o pianista também estivesse de cabeça para baixo), enquanto em Concerto dos Suspiros trompas douradas sussurram versos no meio de escombros.   Na mostra, Rebecca demonstra sua capacidade de reunir diferentes linguagens em uma mesma obra. Em trabalhos como "Luz Aprisionada na Barriga da Baleia"  e "O Tempo Passa"  ela  explora performance, escultura, desenho e pintura. Muitas vezes, a artista se dedica a equacionar também forças paradoxais dentro de uma mesma obra - como sugere o título da exposição, e também de obras como "O Universo em uma Pérola". Rebelião em Silêncio | Rebecca Horn Centro Cultural Banco do Brasil - São Paulo Visitação: até 3 de outubro. Terça a domingo, das 10h às 20h Entrada gratuita Fontes: Estadão, Revista Bravo, SP-Arte, Guia da Semana Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=90  O baiano Marepe expõe "Os Últimos Verdes" na Galeria Luisa Strina (zona oeste de São Paulo) até o dia 11 de setembro. Os nove trabalhos ocupam três andares e também o terraço da galeria. São fotografias, esculturas e videos, inspirados na sua infância, passada na cidade de Santo Antônio de Jesus. O artista já apresentou individuais no Museu de Arte Moderna de São Paulo, na galeria londrina Tate Modern e no Centre Georges Pompidou, na França. Preocupado com a preservação da natureza, em "Camas de Vento" Marepe faz referência a pássaros de asas vermelhas que já não vê mais em sua cidade natal. Seguindo a proposta de oferecer leituras diferentes de objetos do cotidiano em “O Coro de Lata” e “Metamorfose”  ele usa moringas, funis, tachos e bacias de metal como pontos de partida.    Há também um vídeo inédito de 1999 que fala sobre o reaproveitamento de materiais e que deve ser assistido sobre bancos de madeira, talhados em formato de lacres de garrafas de champagne. Os últimos Verdes | Marepe Galeria Luisa Strina - São Paulo Visitação: até 11 de setembro Entrada Gratuita Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=89 O Museu Leopold de Viena vai leiloar o quadro "Häuser am Meer" (casas no mar) do pintor austríaco EgonSchiele e não pretende vendê-lo por menos de dezenove milhões de dólares. Tudo porque a instituição precisa do dinheiro para cumprir um acordo legal, firmado com os herdeiros de uma colecionadora judia, de quem um outro quadro do mesmo artista fora tomado.    A história dessa transação nos leva à primeira metade do século passado quando, durante a ocupação nazista na Áustria, foram levados os quadros da colecionadora Lea Bondi Jaray, entre eles estava "Bildnis Wally" (retrato de Wally), de Egos Schiele. Já com a Alemanha derrotada, o exército dos Estados Unidos devolveu a obra à Àustria - mas não exatamente a Lea, que procurou a ajuda do colecionador Rudolf Leopold (considerado o mais importante colecionador privado de arte no país e falecido no último dia 29 de junho). Rudolf, no entanto, incorporou o quadro à sua coleção, na qual havia cerca de 250 obras de Egos Schiele e nunca o devolveu a sua legítima proprietária. Em setembro de 1997, uma parte do acervo do Museu Ludolf (entidade fundada pelo estado austríaco para recolher as propriedades de Rudolf Leopold) foi emprestada ao MoMa, em Nova York, e então as autoridades americanas intervieram, confiscando as obras do empréstimo A partir daí deu-se início à  batalha judicial que terminou com herdeiros da colecionadora Lea Bondi concordando em deixar o quadro "Bildnis Wally" (retrato de Wally) sob o poder do Museu Ludolf, em troca de dezenove milhões de dólares. Agora, para levantar o dinheiro necessário ao cumprimento da decisão, o Ludolf coloca à venda outra obra do mesmo pintor "Häuser am Meer" (casas no mar), mas a decisão foi classificada como um ato de "mau gosto" pela Comunidade Israelita de Viena. Fonte: Folha de São Paulo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=88  Está em cartaz até o dia 11 de outubro, em Nova Iorque, a exposição Matisse: Radical Ivention 1913-1917, na qual o público pode ver mais de cem pinturas, desenhos e esculturas que nos mostram uma faceta pouco conhecida do artista francês.   Em 1913 Matisse partiria para o Marrocos e só voltaria para Nice em 1917.  Os quadros escuros e geométrocos produzidos por ele  neste período foram vistos por alguns como uma resposta ao cubismo e por outros como um reflexo da Primeira Guerra Mundial, pelo próprio Matisse, no entanto, alguns desses trabalhos foram considerados como um dos momentos mais representativos de sua trajetória na pintura. Como o próprio título diz, é justamente ao intrigante período da produção do artista que a exposição se dedica . Junto com Picasso e Marcel Duchamp, Matisse e considerado como um dos grandes pilares da produção do Seculo XX. Precursor do Fauvismo, seu trabalho recebeu grande influência de Cézanne e Van Gogh.  A iniciativa de entender os enigmáticos cinco anos fundamentais para o desenvolvimento da obra do artista é fruto da parceria do museu nova-iorquino com o Art Institute of Chicago, que - combinando seus acervos - deram início ao estudo pioneiro que originou a exposição. Matisse: Radical Invention | Henri Matisse Museum of Modern Art - Nove Iorque Visitação: até o dia 11 de outrubro Entrada: U$ 20 Fonte: Catraca Livre Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=87 A partir do dia 6 de agosto o público americano vai poder conhecer o trabalho do brasileiro Fernando Chamarelli, em cartaz na Galeria Anno Domini, na Califórnia. A exposição Pangea  é a primeira individual de Chamarelli no país e fica em cartaz até o dia 18 de setembro.   O título da exposição faz referência à teoria da deriva continental, segundo  qual todos continentes já estiveram todos agrupados em tempos remotos. A idéia por trás do trabalho do artista é fazer uma espécie de "pangéia cultural", na qual se identificam, pelo menos,influências da cultura indígena e da cultura popular brasileiras, nesta obra que é resultado de uma bagagem cultural multifacetada, que pretende conectar os símbolos, a cultura e a religião das civilizações que se espalharam pela terra através do tempo.   É justamente esse espírito agregador que a galeria enfatiza no trabalho de Fernando Chamarelli.Eles procuram salientar o fato de que, hoje em dia, os limites geográficos estão cada vez mais sendo dissolvidos por fenômenos como os que são gerados pela internet, e que as filosofias, os folclores, símbolos e crenças não estão mais atados aos limites geográficos.  As obras do artista brasileiro são descritas como coloridas, exóticas e surrealistas e também associadas à arte pré-colombiana.   A formação em um país multicultural como o Brasil parece ter facilitado as conexões que o artista pretende estabelecer com sua obra, vista como um reflexo bastante positivo das transformações e das novas maneiras de olhar o passado uma época, trazidas pela nossa época. Pangea | Fernando Chamarelli Galeria Anno Domini, San Jose - Califórnia Visitação: de 6 de agosto a 18 de setembro Entrada Gratuita   Fonte: Revista Zupi Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=86 A PopArt marcou um período da produção de imagens em que a popularidade já vem embutida no nome, e quando se fala em arte pop poucos somes são mais difundidos que o do americano Keith Haring. Em agosto, o público brasileiro terá a oportunidade de se encontrar com mais de 90 trabalhos do artista na exposição Keith Haring – Selected Works, que fica  em cartaz em São Paulo até o dia 5 de setembro na Caixa Cultural. Ao todo, o público da exposição poderá ver 55 serigrafias, 9 gravuras, 29 litografias e 1 xilogravura - íten que, até hoje, nunca tinham sido expostos no país. Há ainda objetos pessoais como, como passaporte, pincéis, tênis do artista, além de skates desenvolvidos por Haring. Além da exposição, a vinda de Keith Haring – Selected Works  para o Brasil ainda prevê a exibição dos documentários “The Universe of Keith Haring” e “Drawing the line”. O público carioca também poderá ver a exposição, que ficará em cartaz na Caixa Cultural do Rio de Janeiro, a partir de  28 de setembro. Segundo a curadora Sharon Baratt, foram seleciondados trabalhos do artista que têm uma "estreita ligação com Brasil". Keith Haring - que  alguns anos antes de sua morte precoce, em 1990,  participou da Bienal de São Paulo - visitou o país em diversas ocasiões e tinha a Bahia como destinho preferido Keith Harinng | Selected Works Caixa Cultural, São Paulo - até 5 de setembro Visitação: de terça-feira a sábado, das 9h às 21h, domingo das 10h às 21 hs Entrada Gratuita Fontes: Revista Zupi, +SOMA, OiTudoemCima       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=85 Um dos mais representativos festivais de fotografia no Brasil, o A Gosto da Fotografia chega ao sexto ano com uma programação de exposições, palestras, filmes e oficinas nos principais museus e espaços culturais da capital baiana. Ao todo, serão abertas seis mostras com curadoria de Diógenes Moura, também curador de fotografia da Pinacoteca do Estado de São Paulo, parceira da Casa da Photografia no Festival.   Com cerca de 120 imagens, muitas delas inéditas, a mostra Thomaz Farkas – O Tempo Dissolvido apresenta uma leitura na obra de um dos pioneiros da fotografia moderna no Brasil, com registros das últimas seis décadas. A montagem de Thomaz Farkas (Hungria,1924),tem abertura no dia 02 de agosto (segunda), às 19h, no Museu de Arte Moderna da Bahia, e traz também uma série colorida produzida em Salvador, nos anos de 1970, no Mercado Modelo, Av. Sete de Setembro e no bairro de Alagados, com apoio do MAM-BA e do Instituto Moreira Salles, que preserva a obra do fotógrafo.    Outro destaque do A Gosto em 2010 é a mostra O Caleidoscópio e a Câmera, de Boris Kossoy (São Paulo, 1941), um dos maiores pesquisadores sobre fotografia no Brasil (ele é o autor do autor do Dicionário Histórico-Fotográfico Brasileiro) e precursor do realismo fantástico no país. A abertura desta mostra acontece no dia 30 de julho (sexta), às 19 horas, no Museu de Arte da Bahia (MAB). A exposição apresenta cerca de 140 imagens, coloridas e em preto e branco, que contemplam desde o seu primeiro registro feito na Avenida São João, em São Paulo, em 1955, até a série de inéditos produzidos nas últimas duas décadas, período em que o artista se recolheu.    Na Galeria Solar do Ferrão, o gaúcho Ricardo Teles apresenta a exposição O Lado de Lá, com uma série de 35 fotografias. Juntas, elas formam um documentário sobre a vida cotidiana e suas relações com a arte e religiosidade em Angola, Benin e Congo. A abertura acontece no dia 03 (terça), às 19h.   Alma Secreta é o nome da exposição da paulista Ana Lúcia Mariz, que tem abertura no dia 04 (quarta), às 19h, no Museu da Misericórdia. Composta por cerca de 30 imagens, todas em preto e branco, feitas a partir da técnica light painting, a mostra apresenta um mundo imaginário extraído de sonhos e da realidade cotidiana da artista.  Completa a programação a série Sem Ponto Final, com sete retratos do artista baiano Mario Cravo Neto (Salvador, 1947-2009) feitos pela fotógrafa Sabrina Pestana (São Paulo, 1984), dois meses antes da morte do fotógrafo ocorrida em agosto de 2009. A homenagem do A Gosto a Cravo Neto é também inaugurada no Museu da Misericórdia, no dia 04, quarta-feira, às 19h, e fica em cartaz até 03/10.      A Gosto da Fotografia - até 03/10 No Museu de Arte Moderna da Bahia, Galeria Solar Ferrão, Museu da Casa da Misericórdia da Bahia, Oi Kabum! Salvador e Casa-Museu Solar de Santo Antônio.           Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=84 A exposição que inaugura o novo espaço Santander Cultural-Recife (antigo Instituto Cultural Banco Real) apresenta obras de artistas espanhóis e brasileiros em torno da figura do navegador Vicente Pinzon, considerado por muitos o “descobridor esquecido”. Entre os artistas que participam da mostra, estão os pernambucanos Eudes Mota, representado em Salvador pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte, e Marcelo Silveira, que possui obras no acervo da galeria. Novos Mundos Novos será aberta ao público no dia 03 de agosto.   Eudes Mota participa da exposição com uma pintura a óleo entitulada Fases da Lua. A obra traz uma imagem que dialoga com a cartografia, numa referência direta à importância do céu e do seu astro maior na orientação dos navegantes. Já Marcelo Silveira faz uma associação mais livre com a homenagem da mostra, já que, para ele, o convite da curadoria para os artistas se deu também pela importância do seu trabalho dentro do cenário contemporâneo das artes visuais. Desta forma, Marcelo concebeu dentro do cofre do espaço Santander uma instalação elaborada a partir do pó que ficou como resíduo, após ter lixado as paredes do espaço, entitulada exatamente Pó.  A curadoria de Novos Mundos Novos é do crítico de arte paulista Gilberto Habib Oliveira, que reuniu 41 obras de um total de 17 artistas. Além de Eudes e Marcelo, também fazem parte da exposição Francisco Brennand, Gilvan Samico, João Câmara e Paulo Meira. As mostras de artes visuais ocupam as galerias térrea, superior e Marcantonio Vilaça do Santander Cultural – Recife.   Sobre Pinzón Existem estudos que compravam que, há exatos 510 anos, o navegador espanhol Vicente Yañez Pinzón teria desembarcado no comandando da caravela Niña em um local que a moderna cartografia indica como sendo a Ponta do Mucuripe, a cerca de 10 km do centro de Fortaleza. Antes, portanto, da chegada do português Pedro Álvares Cabral, em 22 de abril de 1500, no Sul da Bahia. Além deste feito, Vicente Pinzón também integrou no comando da mesma nau a primeira Armada de Cristóvão Colombo, participando desta forma também da descoberta da América do Norte, em 1492.      Novos Mundos Novos Santander Cultural – Recife Av. Rio Branco, 23,  bairro do Recife, Recife/ PE - Tel. 81-3224-1110 Visitação: de terça a quinta, das 14h ás 20h e de sexta a domingo, das 14h às 22h. Entrada gratuita.      Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=83 Está em cartaz no Museus de Arte Comtemporânea da cidade de San Diego, na Califórnia, a expoisção “Viva La Revolución: A Dialogue With The Urban Landscape". A iniciativa do museu, que vê na vida nas cidades uma das principais fontes de inspiração na cultura contemporânea, reúne mais de vinte artistas vindos de dez países diferentes, dentre eles o Brasil. Os brasieliros incluídos na mostra são Gustavo e Otavio Pandolfo ( Os Gêmeos), e Stephan Doitschinoff (mais conhecido com Calma). Os curadores Pedro Alonzo e Lucía Sanromán reuniram artistas de Portugal, Suécia, Inglaterra, Itália, México e França a nomes consagrados como Shepard Farey e Bansky. Um dos objetivos da mostra é discutir a forma como a arte urbana se apropria dos códigos e ícones do dia-dia nas cidades, usando elementos que compõem a paisagem urbana para fazer a tal “revolução” que eles afirmam estar acontecendo. Na exposição o visitante pode encontrar esculturas, pinturas, murais, desenhos e instalações que não se limitam a ocupar o espaço das galerias e podem ser encontradas principalmente no lugar onde esses artistas surgiram e desenvolveram seu estilo: a cidade. Viva La Revolución: A Dialogue With The Urban Landscape Museu de Arte comtemporânea de San Diego Visitação: até 2 de janeiro de 2011; quinta a terça, das 11 às 17h, e, na terceira quinta-feira do mês, das 11h às 19h (fechado às quartas-feiras) Entrada Gratuita Fonte: UOL Imagem: blog d\\\\\\\'Os Gêmeos Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=82  O recém-inaugurado Pavilhão das Culturas Brasileiras do Parque do Ibirapuera recebe em São Paulo, até o dia 12 de Setembro, a exposição Transfer.  Segundo o organizador da mostra, Lucas Ribeiro "Pexão", um dos principais objetivos é "ampliar a percepção sobre o que é a arte urbana". A iniciativa conta com nomes consagrados - e que hoje passaram a ser representados por galerias - como Os Gêmeos, Titi Freak e Speto. É na seção  "Autoindicados" que ficam os nomes mais inseridos no mercado de arte e que participam de bienais mundo afora: Alex Hornest, Flip, Vitché e João Lelo fazem parte deste grupo. Há ainda "Intervencionistas", dedicada a registros das intervenções feitas na cidade pelos artistas, além de "Beautiful Losers" que traz parte da mostra itinerante que tem o mesmo nome e a tarefa de representar a produção americana. Já "Mauditos" se dedica a apresentar a produção dos pioneiros da arte urbana no Brasil, que começa nos anos 80, quando ela se espalha por diversas metrópoles espalhadas pelo mundo. Em 2008, a cidade de Porto Alegre recebeu uma edição menor da mostra que agora apresenta mais de 500 obras de cerca de 150 artistas. Dessa vez o público será apresentado aos diversos elementos que fazem parte do universo da arte urbana: pintura, desenho, arquitetura, fotografia, música, vídeo, registros das intervenções e também skate.  No calendário da exposição ainda estão previstos workshops e exibições de documentários sobre a cultura urbana. Todas informações pode ser encontradas no site da Transfer Transfer | arte urbana & contemporânea Pavilhão das Culturas Brasileiras, Parque Ibirapuera - até 12 de setembro Visitação: de terça-feira a domingo, das 9h às 18h, com entrada até as 17h Entrada gratuita Fontes: Folha de São Paulo, UOL, Revista Zupi   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=81  A tela "Roma Moderna - Campo Vaccino" alcançou o valor mais alto já pago por um quadro de William Turner. A obra; que foi adquirida em 1878 por uma família britânica e que, desde então, nunca trocou de donos; passa a fazer parte do  acervo do J. Paul Getty Museum. Os 44,9 milhões de dólares pagos à Sotheby's superam em muito o antigo recorde de 35,9 milhões que pertencia à Christie's, por ocasião da venda da obra "Giudecca, La Donna della Salute e San Giorgio", em 2006. Em entrevista ao jornal New York Times, o curador de pintura do museu Getty, Scott J. Schaefer, não duvida que tenham feito um bom investimento: "Esse quadro supera o próprio Turner, é seu melhor trabalho, um Turner em sua melhor forma". Alguns trabalhos do paisagista inglês - considerado por muitos como um dos precursores do impressionismo - sofreram com a má conservação. E enquanto, em 2006, a obra Glaucus and Scylla teve ser devolvida pelo Kimbell Art Museum à família que o possuía por motivos políticos; o destinho de "Roma Moderna" é o contrário. A obra deixa os seus primeiros donos, que a mantiveram em ótimo estado de conservação (um dos motivos para o quadro alcançar tão alto valor), e passa agora a pertencer ao Getty Museum, que fica na Califórnia. Fontes: Folha de São Paulo, New York Times Foto: Efe Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=79 Até o dia 15 de agosto, Gaio Matos apresenta sua primeira mostra individual no Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM-BA), “Sobre a Praça e Seus Múltiplos”. A exposição traz à tona uma reflexão que permeia toda a produção do artista: a relação entre a arquitetura, os espaços urbanos e o homem neste contexto, desta vez, abordada através de duas videoinstalações e uma série de fotografias.    Ao entrar na Capela do MAM, o público se depara com a videoinstalação Campo Grade. Nela, Gaio traz uma reprodução do gradil de Carybé, que cerca a Praça Dois de Julho (no Campo Grande). Por trás das grades, o vídeo exibe imagens da praça real, convidando a uma nova forma de olhar este ambiente. Na videoinstalação Camarote, montada de uma forma pouco usual, no chão da Capela, o artista convida o público a observar imagens do carnaval a partir do ponto de vista “privilegiado” de quem participa dos festejos dentro de um espaço privado, reforçando ainda mais a relação tensa entre estes diferentes “lugares” da festa. No terceiro trabalho, a série Caixas, Gaio apresenta uma série de 20 fotografias coloridas, realizadas em viagens à Europa, nas quais registrou quiosques semelhantes às ‘banquinhas’ de jornal e frutas do Brasil.    Gaio Matos, que recentemente teve obras adquiridas pela Fabio Pena Cal Galeria, vem se tornando um dos mais reconhecidos artistas baianos da nova geração. Ele tem participado de importantes mostras nacionais e internacionais, a exemplo da III Bienal do Mercosul (2004). Em 2008, realizou residências artísticas em Bombaim (Índia), decorrente da premiação no XIV Salão do MAM-BA, e em Paris, proporcionada pela Fundação Sacatar. Este ano, participa de outra residência promovida pela Sacatar, desta vez, na Coréia. Também é um dos 20 baianos selecionados para a II Trienal de Luanda, integrando o projeto Primeira Ponte_SP, em São Paulo.    Sobre a Praça e Seus Múltiplos | Gaio Matos Museu de Arte Moderna da Bahia – até 15 de agosto Capela do MAM, na Av. Contorno, Solar do Unhão, Tel: (71) 3117-6139 Visitação: terça a domingo, das 13 às 19 horas, sábados, das 13h às 21h.    Entrada gratuita       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=78 Mesmo após 48 anos da morte do homem, o gênio de Cândido Portinari continua vivo entre nós. Enquanto no Rio Grande do Sul o MARGS expõe cerca de 50 trabalhos do artista paulista, nesta semana, em Pernambuco,  o quadro Enterro (um óleo sobre madeira de 23 cm x 33 cm, avaliado em R$ 1,2 milhão) foi roubado do Museu de Arte Contemporânea, trazendo mais uma vez o nome de Portinari para o noticiário. A exposição Portinari na Coleção Castro Maya pode ser vistas até o dia 29 de agosto.   O artista, que nasceu na cidade de Brodowski, no interior de São Paulo, e teve uma infância humilde, conquistou mais tarde reconhecimento internacional com obras como o painel Guerra e Paz, encomendado para figurar na sede da ONU, pelo qual recebeu o Prêmio Guggenheim de pintura.   No Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Portinari ganha uma exposição pautada pela sua amizade com o mecenas Raymundo Ottoni de Castro Maya - empresário que dá nome à instituição que possui uma das maiores coleções do trabalho do artista. Na expoisção, obras como O Sapateiro de Brodwski e sua série de estudos sobre o D. Quixote de Cervantes - que raramente deixam as intalações dos Museus Castro Maya - se encontram com parte do acervo do museus gaúcho, como O menino do papagaio (um óleo dobre tela de 1954).   Enquanto isso, o Museu de Arte Contemporânea de Pernambuco aguarda a resolução do caso do roubo da obra Enterro, que fazia parte da exposição do seu acervo permanente.   Portinari na Coleção Castro Maya | Candido Portinari Museu de Arte do Rio Grande do Sul - até  29 de agosto Visitação: de terça a quinta, das 10 às 19hs Entrada gratuita   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=77  A cidade do compositor de Imagine abriga até o fim do mês um outro apelo à Paz. São mais de 150 trabalhos de Pablo Picasso que mostram a faceta política da obra deste que é tido como um dos grandes gênios do século XX. Os trabalhos, apresentados juntos para o público na exposição "Picasso: Paz e Liberdade", ficam em cartaz na galeria Tate de Liverpool - a cidade do Beatle John Lennon - até o dia 30 de agosto.   Muito conhecido por seu ego e pelo "temperamento artístico", o pintor espanhol viu seu engajamento político ser ofuscado pelo mito que criado em torno do seu personagem. A exposição pretende se aprofundar um pouco mais na idéia do pacifista que associamos ao autor de "Guernica", numa tentativa que a galeria considera pioneira  e que tenta "refletir um Picasso novo para um novo tempo". O tema político nem sempre aparece de modo tão explícito na obra do artista que se comoveu com dramas como a guerra civil espanhola e com as primeiras fotografias tiradas dos campos de concentração. Sua vida que percorre um século tão importante quanto conturbado, o que o permitiu ser contemporâneo de questões como o conflito entre ocidente e oriente médio, a guerra fria e a crise dos mísseis de cuba (episódio que quase desencadeou a terceira guerra mundial) e deixar sua obra permeável a todas elas.   O Pablo Picasso libertário e pacifista está traduzido em quadros, esculturas, desenhos e gravuras que vieram de grandes museus e coleções internacionais; além de fotografias, filmes, cartazes e documentos. A exposição é uma oportunidade de despertar para a sensibilidade e o desejo do homem que eternizou a pomba branca como símbolo da paz (ela foi usada no  primeiro Congresso Internacional pela  Paz, em Paris, no ano de 1949), através desta visita que a Tate faz ao mito. A exposição que ocupa nove salas do prédio localizado na cidade dos Beatles pode ser vista até o dia 30 de agosto, e a entrada custa 10 libras.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=76 Imitação da Água, título da exposição individual da artista Sandra Cinto, no Instituto Tomie Ohtake, foi tomado emprestado da obra do poeta João Cabral de Melo. Através do trabalho exposto em três diferentes salas do instituto, a artista representa a grandiosidade da natureza, propondo uma travessia pelo seu mar autoral.  Quando recobre toda a parede de uma sala redonda com a sua interpretação de ondulações na superfície de um mar revolto, Sandra Cinto diz pretender inspirar no espectador o sentimento do náufrago. E é este mesmo náufrago que é conduzido pelo mar de referências apresentadas pela artista. Elas são literárias, como os barcos de papel feitos a partir do que poderiam ser páginas em branco, nas quais uma mesa parece afundar; ou os livros que ancoram o ponto de onde se pode observar um mar mais brando, ao final da jornada pela exposição. Há ainda o surpreendente fato de o oceano desenhado exuberantemente por sobre as paredes ter sido feito a caneta.  Além das referências à leitura e à escrita, é impossível não lembrar do emblemático quadro “A Balsa do Medusa”, do pintor francês Théodore Gericáult. Ele  retrata as vítimas do naufrágio da fragata Medusa, em 1816, viajando da frança para o Senegal, e é uma obra pela qual Sandra nutre um grande interesse e que, ultimamente, tem repercutido em sua obra. O curador da exposição, Crivelli Visconti, compara a artista com o pintor alemão Caspar David Friedrich, quando diz que seria leviano reduzir a importância do trabalho apenas à impressionante beleza das formas e à representação da natureza. Para eles, ambos os artistas têm o poder de usar a imensidão da paisagem para nos fazer redimensionar o Humano. A exposição fica aberta até o dia 1º de agosto.   Imitação da água | Sandra Cinto Instituto Tomie Ohtake - até 01 de agosto (Av. Faria Lima, 201, Pinheiros, São Paulo-SP - Tel: 11 2245 1900 Visitação: de terça a domingo, das 11 às 20 horas.  Entrada gratuita www.institutotomieohtake.org.br/ Fontes: Instituto Tomie Ohtake, Folha de São Paulo, TV Cultura     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=75 Nem só do que é legítimo vive a arte. O conceito de autoria e o lugar do autor vêm sendo discutidos - pelo menos - desde Marcel Duchamp, através de trabalhos como a sua "Roda de Bicicleta".  E quem diria que a mesma Arte que na grécia antiga cuidava de imitar  a realidade para encontrar a verdadeira beleza seria depois obrigada a conviver com imitações de si mesma? É justamente sobre questões de autoria que trata a exposição "Close examination: fakes, mistakes and discoveries" (Exame de Perto: farsas, erros e descobertas), em cartaz até o dia 12 de setembro na National Gallery, em Londres. A exposição traz ao público 40 pinturas que, diferentemente do resto do prestigiado acervo de mais de 2.300 obras pertencentes à galeria, não passam de falsificações. A iniciativa corajosa, de expor as “falsificações”, vem ajudar a contar a história de alguns dos enganos cometidos no processo de aquisição das obras; alguns deles, nem sempre infelizes, afinal, não é só de maus negócios que esta história é feita. Também foram descobertas no acervo obras originais de Rafael e Botticelli que tinham sido adquiridas como cópias. E é para Botticelli a quem se dedica uma sala inteira dos seis espaços que formam o conjunto da exposição. As outras cinco são separadas por categorias: “Segredos e Enigmas”, “Ilusão e Fraude”, “Erros”, “Transformações e Modificações” e  “Redenção e Recuperação”.   Apesar de desmistificar certas obras ao expor suas falsificações e de tirar delas parte de seu encanto original, a mostra  vem também ressaltar a importância e a competência do setor de pesquisa científica da National Gallery (um dos mais avançados do mundo, segundo eles mesmos). Empregando técnicas como o raio-x, infravermelho, espectometria de massa e microscopia eletrônica, eles ajudam a determinar a legitimidade das obras do vastíssimo acervo da galeria, do qual hoje  fazem parte nomes como Leonardo da Vinci, Rembrandt, Botticelli, Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Vermeer, Turner, Renoir, Monet, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Gauguin, Degas, Manet e Picasso. Contemplando a opinião de quem não se anima em pagar para ver as tais "falsificações", a entrada para a exposição na National Gallery é gratuita. Close Examination: Fakes, Mistakes and Discoveries National Gallery (Londres) - até 12 de setembro (Vincent House, 30 Orange Street, London - Tel: 020 7747 2870) www.nationalgallery.co.uk Fontes: Agência Reuters, G1, O Globo, ionline, Jornal de Angola, The guardian Foto: Ben Stansall/AFP   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=74 Ligia Aguiar Arte 4.0 expõe os 40 anos de trajetória da artista visual baiana, a partir do dia 08 de julho, no Centro Cultural Correios Salvador. A exposição apresenta cerca de 150 obras, entre desenhos, pinturas, fotografias, vídeointalações, painéis, objetos e até um programa de computador, que comprovam a faceta multimídia da artista baiana. A mostra fica em cartaz até o dia 18 de agosto e tem curadoria da crítica de arte Matilde Matos. Ligia Aguiar Arte 4.0 faz uma síntese da carreira da artista e, ao mesmo tempo, demonstra um novo momento de sua produção, expondo suas paisagens geométricas elaboradas em técnica mista, a maioria em preto e branco, feitas em nanquim. Além disso, o público vai poder conferir também dois vídeos, “Re-produzidas”, que trata da solidão feminina e acaba de ser selecionado para a X Bienal do Recôncavo, e “Água”, de caráter ambientalista, vencedor do prêmio de Melhor Filme Experimental no Festival de Cinema e Vídeo de Muriaé, Minas Gerais (2007). Estas duas obras estão expostas junto com seu primeiro trabalho em bico de pena, de 1976, e as “gordinhas” elaboradas na década de 80. Além de artista plástica, Ligia Aguiar também trabalhou com design gráfico, cenografia e figurinos. Atualmente, é comentarista de artes visuais no programa "Multicultura", da Rádio Educadora da Bahia, e articulista do site jornalístico "Bahia Já". Lígia Aguiar 4.0 Centro Cultural Correios – até 18 de agosto (Praça Anchieta, nº 20, Pelourinho, Salvador. Tel: (71) 3321-6665) Visitação: de segunda a sexta, das 10h às 18h, sábados, das 8h às 12h Entrada franca Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=73 O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro apresenta a partir do dia 01 de julho uma bem humorada coletiva de pintores brasileiros contemporâneos. “Se a pintura morreu o MAM-RJ é um céu!” reúne obras de Daniel Senise, Luiz Zerbini, Adriana Varejão, Jarbas Lopes, Vania Mignone, Eduardo Berliner e Gustavo Speridião, apresentam novos caminhos da pintura contempoânea, cada um, a partir de seu ponto de vista, particular. Com curadoria de Luiz Camillo Osorio, a exposição fica em cartaz até o dia 15 de agosto, freunindo artistas que estão em momentos distintos de sua trajetória, mas todos têm em comum uma relação vital com a pintura, que cada vez mais é reinventada, e valorizada, pela produção atual.  A mostra pretende refletir as muitas possibilidades e surpresas proporcionadas pelo trabalho destes artistas, pondo em foco os vários caminhos da pintura contemporânea, com ênfase nos desdobramentos da figuração depois de incorporada a abstração no imaginário pictórico. Paralelamente, o MAM monta à exposição de Cristina Canale, uma das pintoras mais destacadas da geração 80, criando uma conversa entre ela e esse sete artistas. Se a pintura morreu o MAM é um céu! Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – até 15 de agosto de 2010. Av. Infante Dom Henrique 85, Parque do Flamengo. Tel: (21) 2240 4944 Visitaçao: ter - sex 12h - 18h sab - dom e feriados 12h - 19h Entrada: R$8,00 - Estudantes maiores de 12 anos R$4,00 - Maiores de 60 anos R$4,00. Entreda gratuita: Amigos do MAM crianças até 12 anos Domingos ingresso família (para até 5 pessoas): R$8,00   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=72 Pela primeira vez, o público baiano vai poder conhecer de perto as criações e experimentos de Waltercio Caldas - os objetos-esculturas que o alçaram à condição de um dos mais reconhecidos e respeitados artistas contemporâneos do país. Paisagens, Etc está em cartaz no Palacete das Artes Rodin Bahia até o dia 15 de agosto, apresentando um panorama de sua trajetória artística, com obras realizadas desde a década de 70 até quatro peças inéditas, elaboradas especialmente para esta exposição, inclusive uma homenagem ao escultor francês, “Rodin sem bronze”. Waltercio Caldas é essencialmente um escultor contemporâneo. Ele pesquisa e explora com poesia a tridimensionalidade, a relação entre os objetos, a arquitetura e os espaços. Além disso, Waltercio é um artista extremamente importante, com obras nas principais coleções e mostras nas melhores galerias e museus do mundo. Com esta exposição, temos a possibilidade de apresentar um artista que é uma referência na arte contemporânea brasileira, proporcionando ao público a oportunidade de conhecer sua obra. Em Paisagens, Etc, será apresentada uma seleção de obras feita pelo próprio Waltercio Caldas, que teve como ponto de partida o impacto da visita do artista à Sala de Arte Contemporânea do Palacete das Artes. Na mostra, Waltercio estabelece uma relação entre seus trabalhos, normalmente de grande porte, e a arquitetura da Sala. Ao todo, serão apresentadas nove obras, sendo quatro inéditas, incluindo uma homenagem ao escultor francês, em Rodin Sem Bronze, que surgiu a partir de uma conjectura, uma hipótese do artista: “O que seria de Rodin sem o mármore, sem o bronze? Qual seria o cerne da obra de Rodin sem estes materiais?”. Estão em exposição “Estudos sobre a vontade”, 1975; “Sem Sono”, 1977; “Ferro pintado”, 1978; “Simples Simples”, 2004; “Superfície Internacional”, 2008; “Filme rápido”, 2010; “Rodin sem bronze”, 2010; “Simbiótico”, 2010; “Topográficos”, 2010. Waltercio é o segundo artista a participar do Programa Quarta Dimensão, da Diretoria de Museus do Instituto do Patrimônio Artístico e Cultural da Bahia, que reúne nomes já consagrados no circuito internacional das artes visuais, todos tendo a tridimensionalidade como característica comum. O Programa busca provocar a relação entre o trabalho destes artistas contemporâneos e as obras de Auguste Rodin, mestre da escultura moderna, expostas no Casarão do Palacete. Antes de Waltercio, as obras do baiano Mario Cravo Neto foram as primeiras a serem expostas. Tunga e José Resende são os próximos a participar do Quarta Dimensão.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=71 Philip Mould, um dos mais importantes marchands internacionais, responsável por descobertas de obras de arte autênticas e também de muitas fraudes, acaba de lançar pela editora Viking o livro “The Art Detective: Fakes, Frauds, and Finds and the Search for Lost Treasures”  (O Detetive da Arte - Falsificações, fraudes, achados e a busca por tesouros perdidos). Na publicação, ele aborda como a internet e a tecnologia vêm mudando o comércio de obras de arte no mundo, assim como a forma de avaliação de sua autenticidade. Na publicação, Philip Mould conta que, no início da sua carreira profissional como marchand, há 22 anos, o trabalho de compra e venda de obras de arte de alto nível era limitado a um grupo restrito de historiadores experientes, que vasculhavam o mundo em busca de obras-primas. Nesta época, ele e sua equipe conseguiam examinar de 15 a 20 obras por dia. Hoje, na era da internet e da alta tecnologia, eles podem avaliar o valor de 50 a cem obras, diariamente. "Há mais possibilidades, mais descobertas", disse ele. "Mas também há mais concorrência. Existe uma nova geração que curte a adrenalina e compra indiscriminadamente", afirma. Para ele, com o advento das novas tecnologias, o conhecimento se tornou mais democratizado e o mundo antes fechado da negociação e restauração de obras de arte passa a se tornar mais acessível. Além de tratar das mudanças no mercado das artes, Mould, que é especialista em retratos britânicos, fala também no seu livro, que tem como subtítulo "Falsificações, fraudes, achados e a busca por tesouros perdidos", do trabalho de localização, restauro e autenticação de obras. Uma de suas melhores histórias é a descoberta de um autorretrato de Rembrandt, que foi originalmente atribuído a um seguidor do pintor e, por isso, avaliado como valendo entre US$ 2.000 e US$ 4.000 dólares. Mais tarde, quando a tela foi autenticada como autorretrato perdido, foi vendida por US$ 5,2 milhões em um leilão. Hoje, é estimada em US$ 40 milhões. Mould é também apresentador do programa de TV "Antiques Roadshow", em que especialistas avaliam o valor de antiguidades compradas na Grã-Bretanha. O programa já foi reproduzido em vários países, incluindo Estados Unidos, Canadá, Austrália e Alemanha. Fontes: Folha de São Paulo e Reuters   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=70 A Fabio Pena Cal Galeria adquiriu um novo conjunto de obras do artista baiano Gaio Matos, que transita entre a pintura e a fotografia. São telas e grandes painéis produzidos recentemente, todos em 2010, que atestam o talento e a qualidade do trabalho de Gaio. Ancorado numa pesquisa consistente, num estilo bem definido e sempre em constante produção, o artista já tem seu trabalho reconhecido. Muito em breve, ele estará montando sua primeira exposição individual no Museu de Arte Moderna da Bahia, participa da mostra coletiva Primeira Ponte (que abre dia 02 de julho, na SOSO+, em São Paulo) e é um dos 20 baianos integrantes do grupo convidado para participar da II Trienal de Luanda. O interesse e curiosidade pelos espaços, pelas plantas arquitetônicas que hoje marcam o seu trabalho, surgiram ainda na infância, quando procurava em anúncios, jornais e revistas as plantas baixas dos apartamentos à venda, depois recortava e colecionava aqueles territórios gráficos. “Sentia-me atraído pelo desenho. Inquietava-me especialmente com a malha labiríntica que se formava com as portas e paredes, a partir do projeto arquitetônico, e me perdia inventando moradores e situações diversas pelos cômodos”, afirma. Anos depois, Gaio chegou a cursar engenharia civil, onde aprofundou seu contato com espacialidade, mas foi ao abandonar esta profissão e se dedicar às artes que a relação de Gaio com a planta arquitetônica voltou a ter, como quando criança, um olhar mais lúdico e humanizado. “Comecei a entender o espaço como um campo aberto de experiências sociais múltiplas, ocupado pela instabilidade de acontecimentos e ações temporárias e imprevisíveis em oposição à segurança e estabilidade do espaço do construído. Assim ,tomei consciência das diferenças entre o espaço estriado e construído e o espaço liso e aberto das ruas.” Gaio expôs suas obras em mostras individuais na Fundação Joaquim Nabuco, Recife, 2006; no Centro Cultural São Paulo, 2007; no Palácio Capanema, RJ, Rio de Janeiro, 2008; na galeria Gesto Coperative Art Space, Porto, Portugal, 2007, entre outros. 2005. Entre as coletivas, destacam-se a III Bienal do Mercosul, Porto Alegre, 2006; Centro Cultural Dragão do Mar, Fortaleza, 2006; Museu Amadeu de Souza Cardoso, Portugal, 2006; Instituto Itaú Cultural, São Paulo, 2006: Nehru Art Center, Mumbai Índia, 2008. O artista venceu também diversos prêmios, entre os quais: Premio Aquisição Residência no Exterior, 14º Salão do Mam, Salvador BA, 2007. Prêmio Aquisição Temporada de Projetos, Centro Cultural São Paulo, SP, 2008. Prêmio Projéteis de Artes Visuais, Funarte, Rio de Janeiro, RJ, 2006.  Prêmio Manuel Quirino,Salvador, BA. Prêmio Braskem de Cultura e Arte, Salvador, BA, 2004  . Possui obras nos acervos da Pinacoteca Municipal de São Paulo, SP; Banco do Nordeste S/A, João Pessoa, PR; Museu de Arte Moderna da Bahia, Salvador, BA; Centro Cultural Dragão do Mar, Fortaleza ,CE; Harmony Art Foundation, Mombay, Índia; Gesto Coperativa de Arte, Porto, Portugal; Phillips do Brasil S/A, Brasil, São Paulo, SP; Universidade das Artes, Caxias do Sul, RS, Brasil; Fundação Joaquim Nabuco, Recife, PE; Fundação Cultural do Estado da Bahia, Salvador, BA. Fez residência artística no Harmony Art Foundation, em Mumbay, Índia; na Cité des Arts, Paris, França; em Maeseille, na França.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=69 O artista mineiro Marcos Paulo Rolla provoca o público a refletir sobre o amor, o desejo, o corpo e a relação entre o masculino e o feminino, o sagrado e o profano, de forma contundente e poética na exposição Êxtase, em cartaz na Capela do Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM), em Salvador. Interferências com desenhos sobre lembranças de casamento, esculturas, instalação, um vídeo e uma performance (que vai acontecer no encerramento da mostra, no dia 04 de julho), apresentam o olhar provocador do artista sobre as relações humanas. Desde 1986, Marco Paulo Rolla atua como artista multimídia, tendo estudado música, dança, teatro e artes visuais. Realizou residência na Rijksakademie Van Beeldende Kunsten, em Amsterdã, e já levou suas obras a cidades como Berlim, Nova Délhi, Buenos Aires e Durban, entre outras localidades do Brasil. A projeção internacional do artista e sua atuação destacada na área de performance fazem do artista um dos performers mais ativos do país. Depois de expor em sua cidade, Belo Horizonte, e em São Paulo e no Rio, o trabalho de Marcos Paulo chega a Salvador. Êxtase – Marcos Paulo Rolla Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM) – até 04 de julho Solar do Unhão, Av. Contorno, s/n, Salvador - Bahia Visitação: de terça a domingo, das 13h às 19h, e aos sábados, das 13h às 21h. Gratuito  Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=68 A arte contemporânea internacional ganha um novo templo. Em Roma, Itália, onde o moderno convive com o antigo e o urbano se mistura às ruínas, monumentos e obras de artes seculares, surgem o MAXXI - Museu Nacional da Arte do Século XXI. Estruturado a partir de dois eixos, MAXXI Arte e MAXXI Arquitetura, o Museu está instalado um prédio que é por si só uma obra de arte. O projeto foi selecionado em um concurso internacional, lançado em 2008, para o qual foram inscritos 273 candidatos de todo o mundo. A vencedora, a arquiteta anglo-iraquiana Zaha Hadid, criou um edifício inovador, com amplos espaços abertos e um design que cria uma relação entre volume e curvas, com galerias onde ficam o acervo e as salas de mostras temporárias, iluminadas por luz natural, que é filtrada por um particular sistema de cobertura. O acervo de arte do museu é atualmente composto por 300 obras, com destaque para peças de artistas italianos e estrangeiros ligados ao contexto do país. São pinturas, instalações, videoarte, esculturas, fotografias e net-art, que formam um conjunto no qual artistas emergentes dialogam com produções que vão dos anos 60 ao ano 2000, de nomes como Alighiero Boetti, Francesco Clemente, William Kentridge, Mario Merz, Gerhard Richter. No acervo de Arquitetura, o MAXXI possui arquivos pessoais de arquitetos e engenheiros de reconhecimento internacional, como Carlo Scarpa, Aldo Rossi, Enrico Del Debbio, Sergio Musmeci e Zenaide Zanini, Vittorio De Feo e Pier Luigi Nervi. Em sua abertura oficial, no dia 30 de maio, o MAXXI inaugurou nove diferentes mostras: Spazio, com a coleção de arte e arquitetura do próprio museu (até 23 de janeiro de 2011); Gino de Dominics – O Imortal (até 07 de novembro); Luigi Moretti - Arquiteto (até 28 de novembro); Kuntlug Ataman – Dramaturgia Mesopotâmica (até 21 de setembro); e até 23 de janeiro de 2011 as mostras MAXXI_Hadid – O projeto do MAXXI; Spazio - Net in Space; Spazio - Concurso MAXXI; Spazio - Homenagem a Fabio Mauri;  Spazio - Geografia Italiana. O Museu também possui um Departamento Educativo e realiza cursos, concursos e prêmios, com o objetivo de incentivar a produção e o conhecimento sobre a arte contemporânea mundial. A expectativa é de que, aos poucos, o MAXXI se torne uma referência internacional, assim como o MOMA, de Nova York, e a Tate, de Londres.  Um local para conhecer e acompanhar. MAXXI - Museu Nacional da Arte do Século XXI Via Guido Reni, 4 A - 00196 Roma - Itália Visitação: de terça a domingo, das 11h às 19h, e as quintas, das 11h às 22h. Fechado apenas as segundas. Entrada: Inteira €11 (euros). Reduzida: €7. Gratuita: Menores de 14 anos, acompanhantes de deficientes, jornalistas munidos de identificação profissional. Site: http://www.maxxi.beniculturali.it/   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=67 Multi facetado, multimídia, provocador. Flavio de Carvalho (1899-1973) ja fazia performances e happenings desde a década de 30. Transitava pela pintura, escultura, cenografia, arquitetura e, ao lado dos colegas da vanguarda modernista, provocou o status quo, quebrou padrões. A vida, a obra e a trajetória de Flavio de Carvalho, artista fluminense radicado em São Paulo, pode ser conferida até o dia 13 de junho na exposição Flavio de Carvalho, no Museu de Arte Moderna de São Paulo. Para muitos, Flavio de Carvalho foi um artista anos à frente de seu tempo. Ele é famoso por sua arte polêmica e inovadora e por seus projetos ousados, como é o caso do projeto do Viaduto do Chá (1934) e, anteriormente, do Palácio do Governo do Estado de São Paulo (1928), que nunca chegaram a ser executados, mas foram reconhecidos como importantes obras de arquitetura modernista.Também entrou para a história sua obra entitulada “Experiência nº 2”, misto de happening e performance, realizada num momento em que poucos artistas ousavam enveredar por esse caminho em solo brasileiro. Em 1931, caminhou de boné no sentido contrário a uma procissão de Corpus Christi e quase foi linchado pelos participantes, sendo salvo pela polícia. Outra destas suas ações foi a famosa “Experiências nº 3” (1956), quando Flavio caminhou no centro de São Paulo vestido com o “New Look masculino”: blusão de mangas curtas e folgadas e saiote de pregas largas (numa paródia do New Look feminino, de Christian Dior). Já entre suas obras mais tradicionais, uma das mais marcantes é a série Trágica (1947), composta de desenhos a carvão sobre papel em que registra a agonia de sua mãe no leito de morte. Todas estas facetas da produção artística de Flavio de Carvalho estão contempladas pela exposição, em áreas organizadas cronologicamente, com curadoria de Rui Moreira Leite. Mais sobre o artista Flavio de Carvalho nasce em Barra Mansa (RJ) e completa seus estudos na Inglaterra. Cursa engenharia na Universidade de Durham e artes plásticas na Escola de Belas-Artes Rei Edward. De volta ao Brasil, em 1922, fixa residência em São Paulo, onde é influenciado pelo movimento modernista. Aderiu à antropofagia entre os anos 20 e 30 e criou do Clube de Artistas Modernos (CAM) em 1932, com Antonio Gomide, Di Cavalcanti e Carlos Prado . Faz a sua primeira exposição no 1º Salão de Maio, em São Paulo, em 1937. Na Europa, entrevistou em 1934 expoentes das artes, como André Breton (1896 - 1966) e Man Ray (1890 - 1976), o que gerou algumas matérias publicadas em revistas e no jornal Diário de S. Paulo. Com o passar do tempo e o surgimento de uma nova vanguarda nos anos 60, ficou evidente o papel do artista com prenunciador de movimentos que viriam a ser mais amplamente explorados então, possibilitando a ele o reconhecimento merecido ainda em vida, com obras adquiridas pelo MoMA em 1957 e, dez anos depois, com a premiação da IX Bienal na categoria de artista internacional (feito jamais igualado por outro artista brasileiro) entre outros. Além de atuar como artista plástico, cenógrafo e figurinista, também escreve os livros Experiência Nº 2 (1931) e Os Ossos do Mundo (1936). No teatro, é autor da peça O Bailado do Deus Morto (1933). Representa o Brasil na 25ª Bienal de Veneza, em 1950, e recebe o grande prêmio de desenho na 9ª Bienal Internacional de São Paulo (1967). Morre em Valinhos, no interior de São Paulo. Flavio de Carvalho - até 13 de junho Museu de Arte Moderna de São Paulo (Parque do Ibirapuera, portão 3 - s/nº, São Paulo - Tel.: 11 5085-1300) Visitação: terça a domingo e feriados das 10h às 18h Entrada: R$5,50 (Meia entrada para estudantes, mediante apresentação da carteirinha) Gratuidade para menores de 10 e maiores de 65 anos, sócios do MAM e funcionários das empresas parceiras. ENTRADA GRATUITA AOS DOMINGOS Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=66 O mexicano Juan Rulfo (1917-1986) foi autor de poucas obras literárias. No entanto, bastou duas delas, os romances “El Llano em Llamas” e “Pedro Páramo”, para que deixasse seu nome marcado com um dos mais importantes escritores latino-americanos. O que poucos sabem é que o principal precursor do chamado realismo mágico latino-americano também dedicou-se a fotografia, registrando em imagens os desertos, arquiteturas, muros, rostos e povoados que habitam seus textos. A  exposição “México: Juan Rulfo, Fotógrafo” fica em cartaz até o dia 19 de junho, na Sala de Arte do Instituto Cervantes de Salvador (Ladeira da Barra). Na mostra realizada pelo Instituto Cervantes de Salvador e de Madrid, em parceria com a Fundação Juan Rulfo (México D.F) e a Editora Lunwerg (Barcelola), o publico vai poder conferir em mais de 40 fotografias em preto e branco, produzidas na década de 30, cenas cotidianas que retratam o povo mexicano, através da lente e da sensibilidade deste grande artista. Juan Rulfo conquistou o respeito da critica e dos colegas com seu talento literário. Era citado por Gabriel Garcia Marques como uma de suas principais inspirações e estimado por Jorge Luis Borges, Julio Cortázar e Susan Sontag, que deixaram registrada sua admiração pelo escritor. México: Juan Rulfo, Fotógrafo – até 19/06/2010 Instituto Cervantes – Sala de Arte (Av. Sete de Setembro 2792, Barra - Salvador). Visitação: de segunda a sexta das 9h às 20h e aos sábados de 9h à 12h. Gratuito Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=65 A sexta edição da SP Arte alcançou resultados melhores do que o esperado e confirmou uma tendência: o aquecimento do mercado da arte nacional e o início da especulação de obras de artes contemporâneas brasileiras. As vendas realizadas durante o evento, que aconteceu de 29 de abril a 02 de maio, em São Paulo, movimentaram um total de R$ 31,45 milhões, cerca de 15% a mais do que no ano passado. Também houve um aumento de público de 20%, com aproximadamente 16 mil visitantes (sendo 30% de outros estados). Os números alcançados com as vendas e com a visitação da feira refletem o interesse atual pelas artes visuais no Brasil e atestam a importância do evento como um dos maiores eventos do gênero na América Latina. Nesta edição da SP Arte, estavam à venda cerca de 2.500 obras de arte, espalhadas por estandes de 80 galerias. Apenas na noite de abertura, as principais galerias de São Paulo (Fortes Vilaça, Vermelho, Arte 57 e Nara Roesler) afirmaram ter vendido 80% das obras que trouxeram para os seus estandes. Não foram compradas as mais caras , como "Puerto Metafísico", de Joaquín Torres-García, avaliada em US$ 3,5 milhões, ou "Tamba-Tajá", de Maria Martins, de R$ 1,5 milhão. Mas foram os contemporâneos que encabeçaram os negócios, movimentando valores menores, mas com um volume maior de peças vendidas. Foram arrematadas obras de Flávio de Carvalho, Tunga, Leda Catunda, Andriana Varejão, Waltercio Caldas, Carlos Cruz-Diez e Julio Le Parc, este último, com um trabalho que custou 300 mil euros. A peça de Varejão, "Ruína e Charque - Porto",  foi vendida por R$ 700 mil, sendo uma das negociações mais expressivas de todo o evento. Também tiveram forte saída obras de jovens pintores como Mariana Palma e Eduardo Berliner, representados pela galeria Casa Triângulo, Rodolpho Parigi, da Nara Roesler, e Rodrigo Bivar, da galeria Millan. Entre as vendas institucionais, o Shopping Iguatemi - São Paulo, parceiro da SP Arte, arrematou sete obras que foram doadas à Pinacoteca de São Paulo e ao Museu de Arte Moderna da Bahia. O MAM-BA ficou com uma tela de Rodolpho Parigi e fotografias de Beatriz Franco e Claudia Andujar. Já a Pinacoteca do Estado de São Paulo, com uma instalação de Gustavo Rezende. A procura pelos contemporâneos durante a feira confirmam uma tendência: existe uma altíssima demanda de mercado, mas as peças de artistas consagrados, em geral os mortos, estão cada vez mais escassas. Este fato abre espaço para que novos artistas se transformem muito mais cedo que o normal em fetiches nas mãos de colecionadores e especuladores, fazendo com que suas obras alcancem, assim, altos valores muito mais rapidamente. De acordo com uma reportagem da Folha de São Paulo, artistas como Beatriz Milhazes, Cildo Meireles, Vik Muniz e a própria Adriana Varejão viraram cifrões luminosos em cartelas de investimento. Na cola deles, nomes da novíssima geração, como Thiago Rocha Pitta, Tatiana Blass, Henrique Oliveira e André Komatsu já sofrem especulação. Seguindo essa alta de mercado e a transformação da arte nacional em um ativo de grande valorização e rentabilidade, Rodolfo Riechert, diretor da consultoria Plural Capital, criou junto com Heitor Reis, ex-diretor do Museu de Arte Moderna da Bahia, um fundo de investimentos de R$ 40 milhões para arte brasileira. Um estudo que fizeram circula entre possíveis investidores e mostra que obras de alguns artistas hoje chegam a valer 50 vezes o que valiam há dez anos. Apesar de todo este movimento ser natural no cenário internacional, existe o receio de que a entrada de grandes investidores no circuito das artes force o mercado brasileiro a operar num ritmo artificial. Isto porque, estes investidores, na maioria das vezes estão mais interessados em lucrar com a revenda de obras em momentos estratégicos do que em formar coleções. Esta atitude pode vir a criar uma bolha especulativa, tornando muito menor o intervalo entre o momento em que o artista surge no circuito e a hora em que suas obras vão a leilão (onde os trabalhos chegam a valer até cinco vezes do preço que têm nas galerias). Para alguns, esta espiral descontrolada de valores pode estancar a demanda por esses artistas e levar a uma eventual desvalorização. Neste momento, não há como reverter a situação, já que se trata de uma ordem de mercado global. No máximo, alguns galeristas tentam conter a alta excessiva dos valores comprando de volta obras de seus artistas que surgem no mercado. Até vão a leilões para resgatar suas obras e evitar que não sejam vendidas. Em breve, a Fabio Pena Cal Galeria de Arte entra neste circuito, no mercado nacional das artes visuais, lançando a Corretora de Arte.Com, uma iniciativa inédita no Brasil. A Corretora é uma segura ferramenta online de investimento em obras de arte que tornara possível operar e investir em um mercado em plena expansão. Uma forma de conectar compradores às obras de arte, através da internet. Fontes: site oficial da SP Arte e jornais Folha de Sao Paulo e O Estado de Sao Paulo. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=64 Ocupar a principal feira livre de Salvador com arte, propondo deslocamentos e reflexões. O artista plástico Leonel Rocha Mattos, representado pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte, mobilizou artistas da Bahia, de São Paulo e do Rio de Janeiro na Ocupação Artística na Feira de São Joaquim, realizada na última sexta-feira, dia 14 de maio. Pinturas, esculturas, instalações, fotografias, vídeos e performances dividiram espaço com frutas, legumes, carnes, animais, folhas e objetos de culto sagrado, numa proposta estética e política. Além da curadoria de Leonel Mattos,a Ocupação Artística teve a participação de outros artistas representados por Pena Cal, como Bel Borba e Sergio Rabinovitz. A Feira de São Joaquim é uma das maiores feiras livres do país, e a mais importante e tradicional da cidade de Salvador. Já foi palco de outros eventos artísticos, mas, pela primeira vez, foi ocupada ao mesmo tempo por propostas tão diferenciadas. Leonel conseguiu reunir 72 artistas, entre jovens talentos e nomes consolidados, para manter viva sua proposta de discussão da relação entre arte e política, estimulando o debate acerca das instituições de arte tradicionais. “Caótica e pouco asséptica, mas viva em sua dinâmica funcional, a feira não difere estruturalmente das grandes feiras internacionais de arte e seus biombos milionários”, ironiza o texto-manifesto de Vauluzio Bezerra, que também participou da Ocupação. O evento também reforçou a importância da relação do artista com a rua, com o dia a dia da cidade e seu cotidiano. Num local com tanta informação visual, como é a Feira de São Joaquim, a Ocupação não alterou a rotina dos compradores e feirantes. O que se viu foi uma relação dinâmica entre as propostas artísticas e o espaço, onde a maioria das obras se harmonizou com o seu entorno. Ao final, a Ocupação Artística na Feira de São Joaquim foi um grande site specific coletivo e efêmero, realizado em meio a um dos mais importantes e populares patrimônios culturais da Bahia.     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=63 O projeto Tripé, do SESC Pompéia, chega a sua sexta edição em 2010 com foco na diversidade. Pela primeira vez, a iniciativa é ampliada através da parceria com Lucia Santos, da Galeria Amparo 60, de Recife, e apresenta na exposição Tripé | Escrita o trabalho de três artistas do Nordeste: o alagoano Delson Uchôa, e os pernambucanos Juliana Notari e José Paulo - este ultimo, representado em Salvador pela Fabio Pena Cal Galeria. A mostra, que fica em cartaz até o dia 25 de julho, foi aberta na ultima quinta, dia 29 de abril, junto com o lançamento do "Catálogo Tripé 2009". O Tripé é uma iniciativa do Núcleo de Artes Visuais e Multimeios do Sesc Pompeia criada em 2005 para dar visibilidade a novos artistas e estimular a produção contemporânea de artes visuais. Exposições coletivas e temáticas acontecem anualmente, acompanhadas de oficinas e debates. Na primeira edição de cada ano, o SESC lança o catálogo com todos os artistas que participaram da edição do ano anterior.  Em 2010, Tripé | Escrita abre a programação apresentando oito peças de grandes dimensões de artistas nordestinos (o próximo enfoque será na produção do sul do Brasil). José Paulo nasceu em Recife, Pernambuco, onde até hoje vive e trabalha. Participou de coletivas no Brasil e exterior (EUA,França, Espanha, incluindo a ultima Bienal de Havana). Seus trabalhos mais conhecidos são as esculturas em que utiliza o ferro e o barro como suporte. Para o Projeto Tripé | Escrita, José Paulo criou novas esculturas, pensando na relação da obra com o espaço e a escrita. Com exposições dentro e fora do Brasil, Uchôa abusa em cores e formas geométricas que dão singularidade às suas telas. Já Notari trabalha com a ideia de bandejas que brincam com o tema da mostra, a escrita.   Tripé | Escrita SESC Pompeia – até 25 de julho. (Rua Clélia, 93 - Água Branca. Tel: 11 3871.7700, São Paulo – SP) Visitação: terça a sábado, das 10h às 20h, domingo e feriado, das 10h às 17h. Gratuito   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=62 Haunted: Fotografia Contemporânea / Vídeo / Performance, a nova exposição do Museu Guggenheim, de Nova York, apresenta um exame de como a arte contemporânea parece ser assombrada pelo passado. A mostra apresenta mais de 100 obras, muitas do acervo do próprio Museu e outras aquisições recentes, que nunca foram mostradas antes. Fazem parte de Haunted obras de cerca de 60 artistas, alguns já consolidados e outros mais jovens, que buscam no passado sua inspiração. Entre eles, estão Marina Abramovic, Bernd e Hilla Becher, Sophie Calle, Tacita Dean, Stan Douglas, Felix Gonzalez-Torres, Roni Horn, Leonard Zoe, Robert Rauschenberg, Cindy Sherman, Hiroshi Sugimoto, Jeff Wall e Andy Warhol. Haunted é uma exposição que apresenta algumas hipóteses: ao utilizar dispositivos estilísticos datados, ultrapassados, ou quase extintos - seja na temática ou tecnologia -, a arte encarna um desejo melancólico de retornar a um passado, irrecuperável de outra maneira. O imaginário fotográfico incorporado à prática artística recente reforça ainda o poder de reprodução da mídia, ao mesmo tempo em que documenta uma obsessão generalizada contemporânea, tanto individual quanto coletiva, em acessar este passado. Até o dia 06 de setembro, o público poderá ver desde exposições de fotografias individuais e séries fotográficas até pinturas e esculturas que incorporam elementos fotográficos, além vídeos, performances e instalações site-specific, na seleção da curadora de Jennifer Blessing. Haunted traz ainda Nat Trotman, como curadora associada.   HAUNTED: Fotografia Contemporânea, Vídeo, Performance Museu Guggenheim – até 06 setembro Quinta Avenida, 89th St, New York, N.Y. Tels: 212-423-3500 www.guggenheim.org Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=61 Depois do susto e da perda causados pelo incêndio que, no final de 2009, atingiu parte das obras de Hélio Oiticica (1937-1980), o Instituto Itaú Cultural promove a maior exposição já realizada com seus trabalhos, em São Paulo.  É uma oportunidade única de ver 100 peças do artista carioca que marcou para sempre a história da arte contemporânea do país. Muitas delas, pouco conhecidas. A exposição Hélio Oiticica - Museu É o Mundo, apresenta textos e trabalhos do artista experimental, marcando também os 30 anos de sua morte. A exposição fica em cartaz até 16 de maio e tem curadoria de César Oiticica Filho, sobrinho do artista, e Fernando Cocchiarale. A mostra ocupa três andares do Instituto, traçando um panorama dos trabalhos feitos por Hélio desde o início do Grupo Frente (núcleo do concretismo carioca) até os anos 1970. Das 100 peças, 65 pertencem à coleção da família. Os destaques vão para as 15 Bólides (caixas), 12 Parangolés (capas), oito Penetráveis (instalação) e uma Cosmococa (instalações com projeção de fotos e música). Textos e anotações do próprio Oiticica acompanham as peças expostas. Seguindo uma tendência contemporânea, de valorização da arte urbana e das intervenções, a mostra extrapola os limites da galeria. Como diz o próprio título da exposição, Museu É o Mundo. Cinco Penetráveis de Oiticica vão parar na Casa das Rosas, no Teatro Oficina, na Pinacoteca do Estado, no Parque Mário Covas e no Ibirapuera. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=60 Mario Cravo Neto (1947-2009) é o artista homenageado na abertura do Programa Quarta Dimensão, que iniciou no dia 08 de abril o ciclo de exposições temporárias no Palacete das Artes Rodin Bahia em 2010, depois da chegada das obras do escultor francês. O Programa visa estabelecer um diálogo entre e a obra de Rodin e exposições contemporâneas, reunindo artistas brasileiros já consolidados nacional e internacionalmente. A exposição Eternamente Agora – Um Tributo a Mario Cravo Neto apresenta algumas das principais obras do fotógrafo, que foi o primeiro artista genuinamente baiano a se consagrar no cenário internacional das artes visuais. Por sua plasticidade, as fotografias de Mario Cravo Neto são quase esculturas. O jogo de luzes e sombras no registro do corpo humano dá a suas fotos volume, profundidade. Quando aliado às referências mitológicas e icônicas de seus trabalhos, esse jogo faz com que muitos de suas obras estabeleçam uma relação direta com a escultura, com a tridimensionalidade, criando o diálogo proposto pelo Programa com a tridimensionalidade de Rodin. Eternamente Agora, que foi apresentada antes no Instituto Tomie Ohtake, traz ainda esculturas e instalações, além de vídeos e obras audiovisuais de Cravo Neto, faceta sua menos conhecida, mas que representa a experiência de hibridismo que caracteriza a arte no século XXI. A curadoria da mostra é do também fotógrafo e filho do artista, Christian Cravo. A visitação acontece até o dia 06 de junho. Além de Cravo Neto, José Rezende, Tunga e Waltércio Caldas são os artistas convidados do Programa Quarta Dimensão, uma realização da Diretoria de Museus do Instituto do Patrimônio Artístico e Cultural da Bahia. Todos de uma mesma geração, reconhecidos internacionalmente e com trajetórias e carreiras que se equivalem, com obras nas principais coleções, galerias e museus do mundo.   Eternamente Agora – Um Tributo a Mario Cravo Neto Palacete das Artes Rodin Bahia – até 06 de junho 2010 Rua da Graça, 284, Graça, Tel: 71 3117 6983 Visitação: de terça a sexta, das 10h às 18h, domingos e feriados, das 13h às 17h. Grátis. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=59 Marcelo Silveira vai levar a um dos principais eventos das artes visuais do país um imenso tronco de árvore de cajacatinga, que há aproximadamente 70 anos desabou sobre o terreno do engenho onde o artista cresceu com sua família, em Gravatá, no Agreste de Pernambuco. Marcelo foi um dos primeiros nomes anunciados para participar da Bienal de São Paulo, com uma obra que vai ocupar 35m² de chão do pavilhão, com 4m de diâmetro na base, 7m de comprimento e quase 1 tonelada. Esta será a primeira vez que Marcelo, representado em Salvador pela Fabio Pena Cal Galeria, participa da Bienal. A Cajacatinga de Marcelo Silveira, árvore conhecida da paisagem do interior de Pernambuco, é quase uma relíquia de família, uma peça histórica, que sofreu intervenções do artista para ser apresentada na exposição. Ela que deve estar finalizada em junho, após o processo criativo que está envolvendo o trabalho de mais de 20 pessoas, no ateliê montado em Gravatá. Os trabalhos de Silveira - que tem a madeira como principal elemento -, passeiam também pela escultura, pintura, desenho e instalação, confirmando em seu estilo o hibridismo característico da arte produzida no século XXI. “Embora se deixe, em contato ligeiro, classificar como escultura, parte significativa dela (sua produção) não cabe nas convenções que demarcam o campo escultórico, esgarçando mais ainda as fronteiras, há muito já frágeis, que o apartam dos campos da pintura, do desenho ou da instalação”, escreveu o próprio Moacir dos Anjos, em um dos textos que integrou o catálogo de uma das mais importantes exposições de Marcelo, Armazém do Tudo (2004). Além desse trabalho, ele também vai participar do evento com uma composição de colagens em preto-e-branco, fruto da experiência que realizou no ano passado, no projeto Revistas. A 29ª Bienal de SP vai reunir cerca de 120 artistas, nacionais e estrangeiros, entre os dias 21 de setembro e 12 de dezembro, no pavilhão da Fundação Bienal de São Paulo, no Parque do Ibirapuera.  Este ano, traz como tema “Há sempre um copo de mar para um homem navegar” (verso do poeta alagoano Jorge de Lima) e um novo curador-geral, o também pernambucano Moacyr dos Anjos, ex-diretor do Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (MAMAM), de Recife. Ao lado de Agnaldo Farias, Moacir coordena a equipe curatorial formada pelas espanholas Rina Carvajal e Chus Martinez, o sul-africano Sarat Maharaj, o angolano Fernando Alvim e a japonesa Yuko Hasegawa. Este ano, Marcelo Silveira também foi convidado a compor o Conselho Curatorial do Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (MAMAM), que abriu recentemente suas portas em Recife, após dois anos em reforma. Além do artista pernambucano, mais três profissionais fazem parte deste conselho: Andrés Hernandez (SP) - curador independente e diretor executivo do Museu de Arte Moderna de São Paulo, desde 1998; Beth da Matta (PE) – artista plástica e diretora do MAMAM; e Ricardo Resende (RJ) – diretor de Artes Visuais da Fundação Nacional das Artes (FUNARTE). Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=58 Os meses de abril e maio serão intensos para Braz Marinho. Neste período, o artista representado pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte, vai ministrar oficina sobre tridimensionalidade e escultura, na Paraíba, e realizar duas exposições em Pernambuco: um projeto de site specific, Divulgation, no Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (Mamam), e uma exposição individual, Cromo Somos, no Instituto de Arte Contemporânea (IAC), da Universidade Federal de Pernambuco. No ano passado, Salvador também recebeu uma mostra individual de Braz, quando ele participou da Casa Cor Bahia, no Espaço Galeria de Arte, organizado pela Fabio Pena Cal.   No próximo dia 16 de abril, Braz Marinho apresenta Divulgation, um site specific que marca a abertura do calendário expositivo do anexo do Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (Mamam), um equipamento cultural da Prefeitura de Recife. Braz foi um dos seis artistas escolhidos na convocação para ocupação de pautas do projeto Mamam no Pátio, pela comissão de seleção composta por Ricardo Rezende (diretor de Artes Visuais da FUNARTE), Andrés Hernandez (diretor executivo do Museu de Arte Moderna de São Paulo), Diogo Todé (artista visual), Marcelo Silveira (artista Visual) e Beth da Matta (diretora do MAMAM). Eles selecionaram dois artistas para a realização de residências, um para performance e três para exposição. Braz Marinho é o primeiro deles.   Ainda em abril, nos dias 21 a 23, Braz vai participar doProjeto Hélio Oiticica - Jackson Ribeiro, do neoconcreto à arte pública , ministrando a oficina Obra tridimensional ou escultura? 2. Esse projeto é uma iniciativa da Fundação Ormeo Junqueira Botelho, que vai acontecer na Usina Cultural Energisa, em João Pessoa, com a proposta de discutir e difundir a vida e a obra do artista paraibano Jackson Ribeiro e sua colaboração, nos anos 60-70, com o artista carioca Hélio Oiticica. O projeto visa estabelecer uma relação entre esses dois artistas, considerados seminais para a arte brasileira da segunda metade do século XX, revelando a contribuição de Jackson Ribeiro, um artista pouco conhecido. A oficina ministrada por Braz acontece de 21 a 23/04 | 9h às 12h | Usina Cultural Energisa/ Sala Digital.  A programação completa do projeto pode ser acessada no endereço eletrônico, www.jacksonribeiro.com.br.   Em maio, por fim, é chegado o momento de Braz Marinho apresentar mais uma vez o seu trabalho, na exposição individual CromoSomos, no Instituto de Arte Contemporânea (IAC), da UFPE. O artista vai apresentar neste espaço esculturas e objetos de cenas do vídeo Auge do Alôpro.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=56 O aniversário de 400 anos da morte de um dos maiores pintores italianos, Michelangelo Merisi, o Caravaggio (1571-1610), é relembrando em Roma com uma série de atividades e exposições. Talvez uma das mais importantes delas seja justamente Caravaggio, mostra que leva o nome do artista e fica em cartaz até o dia 13 de junho de 2010, na Scuderie del Quirinale. A exposição, uma das maiores já realizadas em torno da obra de Caravaggio, apresenta 30 obras selecionadas cuidadosamente, após uma pesquisa meticulosa, que comprovou a autenticidade das peças e sua data de realização. Caravaggio era um mestre em iluminar em meio à escuridão. Como poucos, ele marcou com sua técnica e seu estilo a história da arte mundial. Nesta mostra, estão expostas obras provenientes dos mais prestigiados museus do mundo (como o Metropolitan de Nova York, a Galeria Nacional de Londres, a Pinacoteca Ambrosiana de Milão, entre outros), num evento que pretende ainda levantar um importante debate acerca do seu trabalho. Além de examinar o seu reconhecido estilo, a exposição reacende a controvérsia em torno da forma de produção de Caravaggio - se ele trabalhava sozinho, ou com outros artistas. Por isso, também se justifica o cuidado na confirmação da autoria das peças expostas. Estão à mostra apenas obras com autenticidade comprovada. Polêmicas a parte, não há dúvidas do talento e da importância de Caravaggio na história da arte. Visitar esta exposição é uma ocasião imperdível para admirar o breve e impressionante percurso artístico de um autêntico gênio da pintura. Caravaggio Scuderie del Quirinale – até 13 de junho (Rua XXIV de Maio, 16, Roma, Itália). Visitação: Domingo a quinta, das 10h às 20h, sexta e sábado, até 22h30. Ingresso: 10 Euros Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=55 Uma exposição com trabalhos de 30 importantes artistas baianos comemora o 90º aniversário do Museu de Arte da Bahia (MAB). Obras de Genaro de Carvalho, Mario Cravo Junior, Carlos Bastos, Rubem Valentim, Lygia Sampaio, Jenner Augusto, Sante Scaldaferri, Calazans, Tati Moreno e Carybé, todas do acervo da Agência de Fomento do Estado – Desenbahia, estarão expostas no MAB, na mostra Revisitando um Acervo de Arte Baiana, em cartaz até abril de 2010. O projeto tem curadoria da diretora do museu, Sylvia Athayde, e apresenta cerca de 70 peças. São telas a óleo, gravuras, tapeçarias, esculturas em bronze, aço e latão distribuídas em três ambientes. O primeiro é dedicado às esculturas. O segundo inclui obras do grupo dos artistas que iniciaram o movimento modernista na Bahia. No terceiro, está a sala dedicada aos artistas contemporâneos. Todas estas peças até então eram vistas apenas por visitantes do órgão do governo. Agora, elas estão à disposição do público em geral, que pode apreciar um verdadeiro panorama das artes baianas, com o desenvolvimento das técnicas e linguagens através dos tempos.   Revisitando um Acervo de Arte Baiana – Coleção Desenbahia Museu de Arte da Bahia – até abril de 2010 Avenida Sete de Setembro, 2340, Corredor da Vitória, Salvador. Tel: (71) 3117-6903. Visitação: terça a sexta, das 14h às 19h; finais de semana e feriados, das 14h30 às 18h30, Gratuito   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=54 A partir do dia 20 de março, na Estação Pinacoteca, em São Paulo, o público brasileiro vai poder conferir a maior exposição na América Latina dedicada ao principal ícone da arte contemporânea. Andy Warhol, Mr. America apresenta 169 obras (26 pinturas, 58 gravuras, 39 fotografias, 44 filmes e duas instalações) produzidas entre 1961 e 1968 na famosa Factory, em Nova York – um misto de ateliê, estúdio, espaço para festas e ponto de encontro de seus amigos, importantes artistas e celebridades da época. Antes de chegar ao Brasil, a exposição que fica em cartaz até o dia 23 de maio passou por Bogotá, na Colômbia, e por Buenos Aires, na Argentina, apresentando algumas das mais conhecidas obras de Warhol, como os retratos de Marilyn Monroe, as latas de sopa Campbell's, e os filmes chamados de Screen Tests (Testes de Tela), com famosos em close, em momentos de intimidade, entre eles, estão os músicos Bob Dylan e Lou Reed, e a modelo Edie Sedgwick. Todas as peças vieram do Museu de Pittsburgh, nos Estados Unidos, cidade natal do artista, selecionadas pelo curador Philip Larratt-Smith, que tem uma foto sua, na mostra. Em Buenos Aires, Andy Warhol, Mr. America formou longas filas durante toda a temporada em que esteve em cartaz, no Museu de Arte Latino-Americana (Malba). Cerca de 200 mil pessoas visitaram a exposição nos quatro meses de duração da mostra. Lá, puderam entender um pouco mais porque Warhol era tão à frente de sua época, e tão atual nos dias de hoje, ao captar e reproduzir com sua arte a força da sociedade de consumo, o culto à celebridade e exibição pública da vida pessoal. Andy Warhol, Mr. America Estação Pinacoteca – até 23 de maio (Largo General Osório, 66, Centro, São Paulo, SP, Tel. 0++/11/3335-4990). Visitação: De terça a dom., das 10h às 18h. R$ 6,00. Grátis aos sábados.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=53 De 17 a 20 de março acontece a Art Dubai 2010, uma das mais importantes feiras de arte contemporânea do mundo. Nesta última edição, o evento conta com a participação de 70 galerias de 30 países e vários eventos paralelos. Nos últimos anos, a Art Dubai se tornou um espaço importante para colecionadores, artistas, curadores, profissionais envolvidos com as artes e investidores interessados no crescimento dos chamados países emergentes, em que constam, além da Índia, o Brasil, a Rússia e a China. A Art Dubai reflete as contradições do país onde é sediada, a Índia, dividida entre a contemporaneidade e a tradição, entre a extrema pobreza de seu povo e a suntuosidade dos arranha céus luxuosos, com seus sheiks do petróleo. Mas é justamente neste lado, da riqueza, que se explica o boom da arte indiana. O progresso da arte contemporânea indiana é impressionante: em janeiro de 2008, o índice dos preços das obras apresentou um crescimento de 830%, medido ao longo desta década. Para se ter uma idéia, em 2001, o mercado indiano movimentou US$ 2,3 milhões; em 2006, chegou a movimentar US$ 140 milhões. Este fenômeno começou por volta de 2005, quando indianos ricos que moravam fora do país começaram investir e valorizar o trabalho de artistas conterrâneos. Hoje em dia, a procura é mundial e crescente, alimentada por um clima especulativo, com oportunidades de expansão e rápida negociação. As novas estrelas da arte indiana são disputadas em Hong-Kong, Dubaï, Londres, Nova Iorque, Nova Deli e Paris. Entre eles, estão estrelas mediáticas, como Anish Kapoor e Subodh Gupta, este último, com trabalhos em exposição até o dia 04 de abril no SESC Pompeia, em São Paulo, na mostra Urban Manners 2 – Artistas Contemporâneos da Índia. Gupta, de 44 anos, era um desconhecido nas vendas internacionais até três anos atrás. Hoje é considerado pela sua notoriedade como o Damien Hirst indiano (em referência ao maior sucesso do mercado de arte britânico, que movimenta grandes cifras). Mas o mais caro artista contemporâneo da Índia é atualmente Anish Kapoor, nascido em 1954. No mercado há cerca de vinte anos, ele deslanchou a sua carreira internacional em 2006, quando a Sotheby’s (galeria e empresa inglesa especializada em exposições, leilões e vendas) leiloou uma escultura sua por 2 milhões de dólares, cinco vezes mais do que a sua estimativa inicial. Desde então, Kapoor fez outras cinco vendas milionárias em torno de 2,5 milhões de dólares. No entanto, nem todas as suas obras são inacessíveis: existem pequenas esculturas suas, produzidas em série limitada, que têm valor entre 3.000 e 10.000 euros. Até nomes históricos da Índia se beneficiaram dessa movimentação: os recordes de valores unitários para venda de obras indianas pertencem às pinturas Birth, de Francis Newton Souza (1924-2002), e La Terre, de Sayed Haider Raza, 87 anos, vendidas em 2008 a US$ 2,5 milhões cada uma. No Brasil, apenas uma galeria, a paulistana Nara Roesler, representa uma artista indiana no país, Sutapa Biswas, radicada em Londres. Além dela, a Galeria Leme, também de São Paulo, acertou recentemente uma parceria com a Maskara, galeria sediada em Mumbai. Fontes: ArtTactic, Optimize, Bravo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=52 Leonel Mattos ganhou recentemente destaque na imprensa nacional por sua arte e por sua postura diante dela: sempre política e questionadora. “Prefiro expor na Feira de São Joaquim à Bienal de Veneza”, declarou, em fevereiro deste ano, à repóter da Isto É, em matéria que repercutia o tema da Bienal de São Paulo de 2010: arte e política. Suas pinturas - que invadem a cidade, em árvores, muros, igrejas e, recentente, ganharam corpos humanos como suporte - têm caráter performático e forte conteúdo político-social, graças ao engajamento e à própria vida do artista. Leonel Mattos nasceu em Coarací, Bahia, em 1955. Iniciou sua atividade artística em 1971 e foi um dos primeiros baianos a realizar intervenções urbanas. Em dezembro de 2009, ele abriu a exposição 2.234, da qual foi idealizador e curador, ao lado do também artista plástico Gustavo Moreno. O título, 2.234, é uma referência ao número de mortes ocorridas em Salvador e Região Metropolitana de Salvador no ano de 2008. A exposição aborda o tema da violência de uma maneira ao mesmo tempo local e global. Mobilizando 125 artistas de vários estados do Brasil e do exterior em torno de um movimento pela paz, 2.234 vai passar por seis cidades brasileiras. Este projeto marca a cotinuidade da exposição Ex-Pistols (ex-pistolas) montada em Trieste, na Itália, em novembro de 2008, da qual participaram Gustavo Moreno e Roney George, representando a Bahia. Antes, Leonel já havia se envolvido em outro projeto bastante contundente. A premiada exposição Caixa Preta foi realizada a partir de sua passagem pela Penitenciária Estadual Lemos de Brito, onde o artista conviveu com presos para os quais acabou promovendo oficinas de artes. Caixa Preta, que é uma  instalação resultado deste período, foi apresentada no Museu de Arte Moderna da Bahia em 2004. Sua vida e sua obra ilustram o documentário Leonel Mattos a 24 quadros por segundo, premiado em concurso do Ministério da Cultura (MINC), realizado por Tuna Espinheira e apresentado durante a Jornada Internacional de Cinema da Bahia, em setembro de 2009. Tuna é o mesmo cineasta que produziu em 2000 o curta-metragem O Bruxo Bel Borba, vencedor do XI Cine Ceará (Fortaleza). Leonel é ainda vencedor de sete prêmios importantes em vários salões de arte do Brasil, representou o país em Paris, a convite do Museu de Arte de São Paulo (MASP), e realizou diversas exposições individuais e coletivas em museus, galerias, salões e bienais no Brasil e no exterior.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=51 A Tate Modern apresenta pela primeira vez no Reino Unido uma grande exposição de Theo Van Doesburg (1883-1931), artista holandês que foi figura central da vanguarda artística européia. Até o dia 16 maio o público vai poder conhecer o trabalho de Van Doesburg, que unia arte, design e texto, e fundou o movimento artístico e a revista “De Stijl”. A mostra de Van Doesburg faz parte de uma série de exposições voltada a explorar os diferentes aspectos do modernismo, concebido por Vicente Todolí, diretor da Tate Modern. O “De Stijl” foi um movimento artístico de pintores, arquitetos e projetistas que procuravam construir uma nova sociedade, ao final da I Guerra Mundial. O movimento defendia um estilo internacional de arte e design, com base em uma geometria rigorosa composta por horizontais e verticais. Van Doesburg viajou exaustivamente na Europa na década de 1920, fazendo contatos e colaborando com a avant-garde da época. A exposição na Tate Modern explora o papel Doesburg como promotor de neoplasticismo holandês, seus esforços para influenciar a Bauhaus, suas ligações com construtivistas internacionais e a criação do grupo de Arte Concreta. A exposição inclui ainda mais de 350 obras de artistas fundamentais como Jean Arp, Constantin Brancusi, László Moholy-Nagy, Piet Mondrian, Francis Picabia, Gerrit Rietveld, Kurt Schwitters, Taeuber Sophie e apresenta composições pouco conhecidas de Van Doesburg, como as pinturas e desenhos para o Aubette Café, em Estrasburgo, mobiliário, como a Red icônico Rietveld's Blue-presidente, assim como a tipografia, revistas, vitrais, cinema, música, escultura, entre outros. A curadoria é de Gladys Fabre, curador independente, e Todolí Vicente, diretor da Tate Modern. Van Doesburg e a Vanguarda Internacional Tate Modern – até 16 maio Bankside, Londres SE1 9TG, Inglaterra (Internacional +44 20 7887 8008) Visitação: domingo a quinta, das 10h às 18h, sexta e sábado, das 10h às 22h. Ingressos: 10 Euros   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=50 Depois de sua primeira edição em Milão, em 2007, chega ao Brasil Urban Manners 2 - Artistas Contemporâneos da Índia, em cartaz no SESC Pompéia, em São Paulo. A exposição oferece ao público brasileiro uma mostra da produção de arte contemporânea da Índia, cena que movimenta 140 milhões de dólares por ano e é a aposta dos galeristas no mundo todo. Urban Manners 2 reúne trabalhos de onze representantes do país asiático, incluindo os expoentes Subodh Gupta e Jitish Kallat, com curadoria de Adelina von Fürstenberg e Peter Nagy. Na mostra, obras como a instalação Hungry God (Deus Faminto), feita por Gupta com utensílios de cozinha, Aquasaurus, de Kallat, uma escultura híbrido de caminhão-pipa e esqueleto de animal pré-histórico, e Artist Making Local Call (Artista Fazendo Chamada Local), também de Kallat, um painel fotográfico de dez metros de largura com um panorama algo caótico de uma metrópole indiana. Urban Manners 2 - Artistas Contemporâneos da Índia. SESC Pompéia – até 04 de abril Rua Clélia, 93, Pompéia, São Paulo. Tel: (11) 3871-7700. Visitação: de terça a sábado, das 10h às 21h; domingo, das 10h às 20h. Entrada Franca   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=49 Faustus, do artista paraibano José Rufino, inaugura o calendário anual de exposições do Palácio da Aclamação, em Salvador, que é reaberto ao público com uma nova proposta de ocupação. Faustus foi concebido especialmente para o Palácio, um enorme fragmento de esqueleto humano com ossos formados por móveis antigos e gesso. A obra nos remete tanto às escavações palenteológicas e às aulas de biologia, quanto ao próprio acervo do Palácio da Aclamação, formado por mobiliário e objetos decorativos, afrescos e pinturas. A exposição de José Rufino marca ainda a vocação do espaço para mostras de processos criativos e projetos de site-specifics. As obras expostas se relacionarão diretamente com os aspectos físicos e/ou conceituais do casarão e seu entorno. Depois de Rufino, passarão pelo Palácio artistas do porte de Tunga, Carlito Carvalhosa e Eder Santos, além do projeto “Luanda: Suave e Frenética 2”, que vai contar com 17 artistas africanos contemporâneos em processos de residência. Faustus | de José Rufino Palácio da Aclamação – até 14 de março Av. Sete de Setembro, 1.330, Campo Grande, Salvador, Bahia. Tel: (71) 3117-6051 Visitação: de terça a sexta-feira, das 10 às 18h; fins de semana e feriados, das 13h às 17h. Entrada Franca   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=48 A artista plástica baiana Eliana Kertész se posiciona no cenário artístico brasileiro pela força criativa e pela coerência de uma estética própria, marcada pelo contraponto à tendência contemporânea da magreza. Seja em barro, bronze, resina, fibra, alumínio ou pedra, a arte de Eliana é arredondada: “Volumes, curvas, abundância, exagero e fartura. Assim que nascem minhas gordas. São generosas, sensuais e extravagantes”, explica a artista representada pela galeria Fabio Pena Cal.   Eliana Kertész faz de sua visão estética um manifesto à ditadura cruel da beleza associada ao magro. Há cerca de dois anos, Eliana apresentou sua produção em esculturas em São Paulo, composta por cerca de 20 das suas peças em bronze e resina, na Galeria Spazio Surreale, nos Jardins. Entre as últimas exposições e prêmios de Eliana Kertész, estão a V Bienale di Roma (2004), onde recebeu a terceira colocação na categoria esculturas; os 10 anos de Escultura, em Salvador, e na Costa do Sauípe; o Prêmio Primavera, em São Paulo; e o Arte Salvador 450 anos, em Portugal e China. Recentemente o Selo Editorial Rodin Bahia lançou a obra “Gordas”, de Eliana Kertész, sobre a vida e o trabalho da artista. É de Eliana também o monumento “As meninas do Brasil” - uma homenagem às três raças do Brasil (negra, branca e índia), que desde dezembro de 2004 está expostos em Ondina, Salvador.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=47 O artista pernambucano José Patrício, representado em Salvador pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte, apresenta na CAIXA Cultural Rio de Janeiro a exposição José Patrício: O Número. Ao todo, serão expostas 12 obras produzidas pelo artista entre 2004 e 2009, reunidas pelo curador Paulo Herkenhoff. A exposição fica em cartaz até 07 de março, com entrada franca. Com quase 30 anos de pesquisa criativa e experimentações estéticas, José Patrício é um importante representante da arte contemporânea nacional. Nesta exposição, partindo da apropriação de objetos do cotidiano, e incorporando-os à experiência artística, José Patrício centra-se na idéia de número e debruça-se sobre o signo, a representação do número, a quantificação, a geometria, a espacialização, a abstração, o tempo, a serialização e o jogo. “A arte de José Patrício, como as técnicas matemáticas diante da técnica logística, aspira à autonomia. (...) Ele não se propõe a “revelar verdades essenciais sobre a matemática”, mas ativá-la pela poética do número. Age na hiper-relação de um jogo de jogos em busca de conceito”, disse o curador, Paulo Herkenhoff, sobre a exposição José Patrício: O Número. Entre os destaques da mostra está a obra Expansão Múltipla (2008), apresentada pela primeira vez no Brasil, depois de participar de exposição no Pharos Centre for Contempoary Art, no Chipre. Trata-se de uma instalação na parede, onde o artista posiciona peças de dominós em forma de adesivos nas cores preto e branco. Também faz parte da exposição Coleção (2005), com 6.274 botões, que, segundo o curador, “propõe a justeza entre acúmulo, taxonomia, nomeação e número. Na empiria do número, sua representação, o pré-número, a abstração, a quantificação, o espaço e o tempo agitam um sistema de signos”. Já O Encarnado e O Azul, também de 2005, tratam da mesma questão, dessa vez utilizando 6.382 botões e tinta acrílica sobre tela sobre madeira. Também participam da exposição Vanitas (Espiral) (2009), peças de quebra-cabeças de plástico sobre madeira; Imagem V (2004), 6.272 cubos de resina sobre acrílico; Monocromático (2005), 6.272 pregos sobre mdf, esmalte, acrílico; Piercing V. Progressão Cromática (2005), 6.272 alfinetes sobre cartão de espuma em caixa de acrílico; Tachas (2005), 6.272 tachas de cobre sobre mdf em caixa de acrílico. Completando a mostra,  estarão expostas três obras com dados e pregos: Dados em Progressão Crescente (2007), 46.872 Pregos – Crescente (2008), 46.872 Pregos – Decrescente (2008). SERVIÇO: José Patrício: o Número CAIXA Cultural Rio de Janeiro – Até 07 de março de 2010 Av. Almirante Barroso, 25, Centro, Rio de Janeiro. Tel: (21) 2544-4080 Abertura: dia 25 de janeiro, às 19h (para convidados e imprensa) Visitação: de terça a sábado, das 10h às 22h; domingo, das 10h às 21h). Entrada franca   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=45 A arte moderna americana do início do século XX sempre foi associada na Europa a um artista em particular: Edward Hopper (1882-1967). Suas pinturas a óleo que apresentam ruas, paisagens e edifícios vazios ou figuras solitárias em um desolado ambiente urbano são destaque da exposição Modern Life - Edward Hopper and His Time (Vida Moderna – Edward Hopper e seu Tempo), em cartaz na Kunsthall Rotterdam, na Holanda, até o dia 17 de janeiro de 2010. Os lugares descritos por Hopper em suas pinturas continuam a moldar a nossa imagem da América. Na sala espaçosa luz do Kunsthall, a exposição Vida Moderna apresenta oito das principais obras de Hopper, juntamente com mais de noventa obras da coleção do Museu Whitney de Arte Moderna de Nova York. O destaque da exposição que foi elaborada pelo Museu Whitney de Arte Americana, em Nova York como parte da comemoração dos 400 anos Nova York (1609 - 2009) é que, pela primeira vez, o trabalho de Hopper será apresentado ao lado de outros artistas contemporâneos ao artista, contextualizando sua criação. Fazem parte da mostra artistas como Georgia O'Keeffe, Charles Sheeler, Man Ray, Lyonel Feininger, Wood Grant e Alfred Stieglitz. Através de pinturas, obras sobre papel, esculturas e fotografias, a exposição apresenta um belo retrato do desenvolvimento da arte moderna nos EUA e lança nova luz sobre a obra de Hopper.  Depois de Rotterdam a exposição viaja para a Galeria Ufizzi, em Florença, Itália. Modern Life - Edward Hopper and His Time Kunsthall Rotterdam (Holanda) - Até 17 de janeiro de 2010. Museumpark, Westzeedijk 341, 3015 AA, Rotterdam. Quinta a sábado, das 10h às 17pm, domingos e feriados, das 11h às 17h.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=44 Se Andy Warhol (1928-1987) é o mais reconhecido artista pop do mundo, algo como um Top of Mind internacional da cultura de massas, um ilustre desconhecido destas mesmas massas, Robert Rauschenberg (1925-2008) é o Top of Mind dos próprios artistas pop. O artista americano de vanguarda é homenageado pelo Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, em exposição que fica em cartaz até o dia 21 de fevereiro. O artista Jasper Johns, que transformou em arte a imagem da bandeira dos Estados Unidos, afirma ser Rauschenberg o mais criativo dos artistas americanos de sua geração. Willem De Kooning (1904-1997), cultuado por jovens artistas, fez a Rauschenberg uma homenagem, quando o autorizou a apagar um de seus desenhos, no que seria um gesto artístico. Erased De Kooning Drawing (Desenho de De Kooning Apagado), de 1953, virou referência nos anos 50. Rauschenberg foi um dos primeiros a explorar a idéia de que arte e vida não deveriam andar tão separadas. Segundo o jornalista e crítico de arte Mario Gioia, ele é um dos pioneiros em pelo menos três procedimentos definidores da arte pop: o uso do dia a dia como matéria-prima, a referência a imagens produzidas em larga escala pela indústria cultural e a incorporação da palavra ao repertório das artes plásticas. Na exposição em São Paulo, podem ser vistas 99 obras de Rauschenberg: 76 gravuras e o restante assemblages (colagens feitas com os mais variados materiais). Robert Rauschenberg Instituto Tomie Ohtake - Até 21 de fevereiro de 2010 Rua Coropés, 88, São Paulo, SP. Tel. 11 2245-1900. Terça a domingo, das 11h às 20h. Grátis. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=43 O acervo pessoal da curadora e pesquisadora Rosely Nakagawa contém 200 fotografias de alguns dos mais importantes artistas do pais, reunidas ao longo de três décadas. Um recorte com as principais obras desta coleção é apresentado em na CAIXA Cultural Salvador, depois de passar por cidades como São Paulo, Curitiba e Brasília, na exposição 30 Anos de Fotografia. A mostra  permanece aberta a visitação até o dia 17 de janeiro. Apresentar a exposição em Salvador tem uma importância a mais para Rosely Nakagawa. Sua  coleção foi iniciada justamente com a obra de um baiano, o fotógrafo Mario Cravo Neto (1947-2009), que inspirou sua coleção e esta exposição. 30 Anos de Fotografia é uma coletânea que apresenta trabalhos de 27 fotógrafos, formando como uma um verdadeiro panorama da história da fotografia brasileira. Na seleção mostrada na Caixa Cultural o destaque fica para o processo criativo de renomados fotógrafos brasileiros, como o próprio Mario Cravo Neto, Thomaz Farkas, Cristiano Mascaro, Carlos Moreira, Luiz Braga e Lucia Guanaes, entre outros. São fotógrafos participantes da mostra 30 Anos de Fotografia: Mario Cravo Neto (Salvador), Arnaldo Pappalardo (São Paulo), Carlos Alberto Ebert (São Paulo), Carlos Moreira (São Paulo), Celso Oliveira (Rio de Janeiro), Clode Kubrusly (São Paulo), Cristiano Mascaro (São Paulo), Dorival Moreira (Brasília), Fernando Lemos (São Paulo), Guy Velloso (Belém), João Musa (São Paulo), João Urban (Curitiba), Kenji Ota (São Paulo), Leonardo Crescenti (São Paulo), Lucia Guanaes (Salvador), Lucia Loeb (São Paulo), Luiz Braga (Belém), Luiz Carlos Felizardo (Porto Alegre), Marcos Piffer (Santos), Nivia Uchoa (Juazeiro do Norte), Paula Sampaio (Belém), Pedro Lobo (Rio de Janeiro), Pedro Vasquez (Rio de Janeiro), Penna Prearo (São Paulo), Salete Goldfinger (São Paulo), Thomaz Farkas (São Paulo), Tiago Santana (Fortaleza). 30 Anos de Fotografia Caixa Cultural Salvador – Até 17 de janeiro de 2010. Rua Carlos Gomes, 57, Centro (3421-4200). Diariamente, das 9h às 18h. Grátis   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=42 Sérgio Rabinovitz conseguiu eternizar em imagens sua vida, obra e pensamento. No documentário “A Bahia de Sérgio Rabinovitz”, dirigido por Luciana Aciolly em 2007, o artista plástico conta suas histórias entre pinturas, cores, imagens e passeios pela velha Bahia. Sérgio Rabinovitz é um dos artistas representados pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte. A obra de Sérgio Rabinovitz é fortemente inspirada pela cultura da Bahia, em especial, pelas imagens, histórias e personagens de Salvador. O ciclo das festas populares, a religiosidade, o carnaval, a arquitetura colonial e o colorido da Feira de São Joaquim são algumas das suas principais fontes de inspiração. Por estas características, Sérgio Rabinovitz se tornou um dos grandes tradutores desta terra. O documentário “A Bahia de Sérgio Rabinovitz” é um média metragem de 30 minutos de duração, com fotografia e edição de Gabriel Teixeira, ancorado em depoimentos do artista. Com imagens de arquivo da Bahia antiga e atual, o vídeo traz também entrevistas com Claudios Portugal, Matilde Matos, Cesar Romero, Luiz Freire e dos artistas Carlinhos Brown, Bel Borba e Mario Cravo Jr., um dos mentores de Rabinovitz, ao lado de Calazans Neto. O documentário pode ser assistido on line no site Videolog TV. Sérgio nasceu em 1955 e vive em Salvador. Pintor, desenhista e gravador concluiu sua formação acadêmica nos Estados Unidos, em Connecticut e Nova York, graduando-se Bachelor in Fine Arts. Em 1975 realiza a primeira exposição, iniciando uma seqüência de mostras em museus e galerias, no Brasil e no exterior, como no Museu de Arte Moderna da Bahia (1976, 1979, 1996); Houghton Gallery, New York, USA (1978); Museu de Arte de São Paulo (MASP, 1980); Museu de Arte do Estado da Bahia (1980); Museu Metropolitano de Arte de Curitiba (1996); e Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (1997). A sua obra está representada nas coleções: Davison Art Center (Connecticut, USA); Window South Collection (California, USA); Cooper Union Foundation (New York, USA); Museu de Arte Moderna da Bahia; Banco University of New Mexico (USA); Embaixada do Brasil no Chile (Santiago, Chile); entre outras.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=41 Depois de mais de três anos em processo de restauro e catalogação, finalmente, o acervo do Museu de Arte Moderna da Bahia é apresentado ao público na exposição Coleção MAM-BA | 50 anos de Arte Brasileira. A curadora geral da exposição e diretora do MAM, Solange Farkas, selecionou algumas das mais representativas obras do acervo do museu, composto por mais de 1.130 peças. Entre elas, estão quatro trabalhos de artistas representados pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte: Eudes Mota, José Patrício, Leonel Mattos e Marcio Lima. Os três primeiros artistas fazem parte do conjunto Contemporâneos, expostos no térreo do Casarão do MAM, e Márcio Lima do grupo Fotografia, no primeiro andar. Eudes Mota é representado na exposição pela obra Bandeira, de 1994 (pintura, óleo s/ madeira). José Patrício tem na mostra a obra Duzentos e Vinte e Quatro Dominós, de 1999 (instalação, peças de dominós de plástico). Leonel Mattos participa da exposição com Mundo-Animal-Homem, de 2001 (pintura, óleo s/ madeirite).  Por fim, Márcio Lima participa da exposição com uma fotografia sem tìtulo, de 2004. A exposição fica aberta até o dia 28 de março de 2010. A mostra Coleção MAM-BA | 50 Anos de Arte Brasileira apresenta obras que ilustram momentos chave da história da arte brasileira nos últimos 60 anos. A exposição ocupa todos os espaços do MAM-BA e se divide em quatro recortes temáticos: Modernistas, Contemporâneos, Fotografia e Rubem Valentim. Uma Linha do Tempo, construída na Galeria Subsolo, contextualiza a história do acervo e do museu. Com curadoria geral de Solange Farkas, a exposição é fruto de um intenso trabalho de pesquisa e de restauro do acervo. Ela expande o projeto do livro MAM-BA (Coleção Museus/Instituto Cultural J. Safra, 2008), que dividia a coleção em recortes comentados por curadores: Contemporâneos (Cristiana Tejo, da Fundação Joaquim Nabuco), Rubem Valentim (Emanoel Araújo, do Museu Afro Brasil), Fotografia (Rubens Fernandes, da Faap) e Modernistas (a crítica Aracy Amaral). A exposição conta também com uma intensa programação educativa, com visitas mediadas, atividades para crianças e jovens e um curso em que curadores convidados comentam cada núcleo da exposição. Coleção MAM-BA | 50 anos de Arte Brasileira Av. Contorno s/n - Solar do Unhão, Salvador - Bahia Visitação: terça a Domingo, das 13h às 19h e sábados das 13h às 21h Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=39 Criando grandiosos mosaicos de azulejos nas encostas, muros e túneis da cidade, Bel Borba chamou a atenção para a arte de rua, para a intervenção urbana. Marcou definitivamente com seu estilo as ruas de Salvador e se consolidou com um dos principais artistas da Bahia e do Brasil. Nascido em 1957, em Salvador, Bel Borba cursou a Escola de Belas Artes da UFBA. Chegou a trabalhar com publicidade e com cenografia para teatro, mas foi nas artes plásticas que encontrou seu grande espaço de invenção. Sua produção começa a ser conhecida a partir de meados da década de 70. Começando a trabalhar com pintura com spray, não demora muito até que Bel passa a experimentar técnicas diversas. Além do mosaico (com o qual se tornou um dos artistas mais populares da Bahia), passou a se dedicar à pintura e à escultura, utilizando sucatas de navios, madeira, pedra e fibra de vidro. Na Fabio Pena Cal Galeria de Arte, estão algumas de suas mais belas pinturas, identificadas pelo traço espontâneo e pela referência a Pop Art e ao Surrealismo. Bel Borba já participou de várias exposições individuais e coletivas, no Brasil e em outros países. Foi autor de diversos trabalhos, em locais públicos e particulares, principalmente em Salvador, mas também em outras cidades. De salão em salão, em 1986 chegou a Nova York, onde participou da execução de um mural sobre o Apartheid, na Segunda Avenida. Transitando com facilidade entre os espaços urbanos e as galerias, Bel Borba vai deixando suas marcas, com uma arte cheia de originalidade e presença. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=38 Salvador sedia exposição que apresenta um novo olhar sobre a África. A exposição Luanda | Suave e Frenética 1, em cartaz na Galeria Solar Ferrão, no Pelourinho, atualiza o imaginário sobre a produção artística e a estética do continente africano, ao apresentar a produção de quatro artistas contemporâneos de Luanda, capital de Angola. A exposição apresenta vídeos, fotografias e obras de técnicas mistas de Cláudia Veiga, Ihosvanny, Kiluanji e Yonamine, que pertencem à geração mais recente de artistas contemporâneos angolanos. Ao todo, estão expostas 13 obras na Galeria, que refletem as transformações sociais vivenciadas em Luanda e as contradições que acompanham esse processo, a partir dos diversos olhares dos quatro artistas. Até a força da migração chinesa no país está lá, retratada, como um destes novos elementos, pouco conhecidos por nós, brasileiros, e principalmente baianos, que mantemos a imagem de uma África ancestral. Com Luanda | Suave e Frenética 1 é possível atualizar este imaginário e conhecer a força da arte contemporânea local. A exposição é realizada em parceria entre a Diretoria de Museus do Instituto do Patrimônio Artístico Cultural da Bahia (Dimus/IPAC), com a galeria paulista SOSO arte contemporânea africana e a Fundação Sindika Dokolo. A curadoria é de Fernando Alvim, vice-presidente da Fundação e diretor da Trienal de Luanda, evento internacional que terá sua segunda edição em 2010, contando, pela primeira vez, com a participação da arte da Bahia. Com o tema Geografias Emocionais, Arte e Afetos, a II Trienal de Luanda está estruturada a partir de sete áreas: Artes Visuais, Arquitetura, Projetos, Arte Pública, Artes Cênicas, Exposições e Cidades. Promovido entre 13 de setembro e 19 de dezembro de 2010, o evento se estende para além de Luanda, envolvendo ações que serão realizadas em 28 países. Exposição Luanda, Suave e Frenética 1 Centro Cultural Solar Ferrão, Galeria Solar Ferrão - Rua Gregório de Mattos, 45, Pelourinho, Salvador. Tel.: (71) 3117-6357 Visitação: até 17 de janeiro de 2010 - de terça a sexta, das 10h às 18h; finais de semana e feriados, das 13h às 17h.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=37 Alice Vinagre mistura memórias e poesia às cores de suas tintas. A artista visual paraibana radicada em Pernambuco constrói com sua pintura um universo poético e imagético, a partir de suas experiências pessoais. Alice é uma das artistas representadas em Salvador pela Fabio Penal Galeria de Arte. Em sua exposição individual mais recente, em Alagoas, Alice Vinagre apresentou trabalhos que uniam palavras, desenhos e a característica marcante da artista: a sobreposição de elementos e cores. “Anotações sobre Pintura” teve curadoria de Marcelo Silveira e apresentação de Moacyr dos Anjos. A artista nasceu em João Pessoa, Paraíba, em 1950. É graduada em Pintura pela Escola de Belas Artes da UFRJ em 1984. “Essa relação ambígua entre figura e fundo, abstração e figuração, desenho e pintura, obra e suporte, transforma o trabalho desta artista em um campo pouco afeito às certezas ou afirmações peremptórias. Tudo se passa como se Alice preferisse evocar a alternância de passagens à meia voz entre esses estados, em que nenhum deles quer ceder lugar em detrimento do seu oposto e, antes de desejarem apagar-se ou recuarem diante do outro, afirmam, ao contrário, sua necessidade da pluralidade, da existência simultânea de dimensões que pertencem a tempos e espaços múltiplos", escreveu Mª do Carmo Nino, no artigo “Aspectos Poéticos de um Processo”, sobre o trabalho de Alice Vinagre. Conheça algumas obras de Alice Vinagre visitando o espaço "ARTISTAS" do nosso site, ou visitem o site de Alice Vinagre e saiba mais sobre seu trabalho: http://www.alicevinagre.com.br/ Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=36 A Fabio Pena Cal Galeria de Arte leva a arte de Fátima Tosca ao evento comemorativo do início das obras do Horto Bela Vista, mega empreendimento imobiliário da JHSF Incorporadora. No dia 18 de novembro, das 19h às 21h30, no Show Room localizado no Acesso Norte da Av. Antonio Carlos Magalhães, será aberta em evento para convidados a exposição E a Água Conta Histórias, com 22 aquarelas. A exposição fica em cartaz até o dia 06 de dezembro, com visitação gratuita, das 9h 19h. Fátima Tosca foi uma das primeiras artistas da Fabio Pena Cal Galeria de Arte, compondo seu acervo desde 2001. Para Fabio Pena Cal, ela representa muito bem o espírito do Horto Bela Vista, pois tem a natureza (jardins e plantas) como um tema recorrente de seus trabalhos. “Neste sentido é que sua estética casa bem com o diferencial deste empreendimento da JHSF, que busca o cuidado e a valorização do meio ambiente, preservando grande parte da mata nativa”, afirma Fabio Pena Cal, que destaca ainda o refinamento das obras de Fátima Tosca como um elo a mais na ligação do seu trabalho com o público ao qual o Horto Bela Vista é destinado. Ocupando um terreno de 340 mil m2, sendo destes cerca de 130 mil m2 de área verde e jardins, o Horto está sendo desenvolvido para se tornar um dos bairros mais valorizados da cidade. Serão 19 torres residenciais, três torres comerciais, um hotel e apartamentos com serviço de hotelaria, o Shopping Bela Vista, um centro de convenções, um centro médico com hospital-dia e escola, compondo o primeiro empreendimento de uso misto de larga escala de Salvador. O plano urbanístico do Horto Bela Vista é de Pablo Slemenson, profissional responsável por empreendimentos da JHSF que são referência no mercado, tal como o Parque Cidade Jardim, em São Paulo. O escritório Caramelo Arquitetos, de Salvador, assina os projetos dos edifícios e do Shopping Bela Vista. O projeto de interiores e fachadas do Shopping é de David Bastos. Marcelo Faisal desenvolve o paisagismo da área, harmonizando 130 mil m2 de parques e jardins com 15 mil m2 de área verde preservada.     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=35 Em imagens distorcidas, fotografias em movimento que se atêm sobre detalhes da cidade de Salvador, o fotografo David Glat apresenta no Museu de Arte Moderna da Bahia uma exposição que é um exercício sobre o barroco-contemporâneo, a partir do patrimônio histórico da cidade. Em Pérolas Imperfeitas, que fica em cartaz até o dia 09 de dezembro, na Galeria Subsolo, do MAM, ele apresenta 10 fotografias em grandes dimensões, com um olhar diferenciado das referências históricas e arquitetônicas de Salvador. São portais, fortificações, casario, altares e fachadas de igrejas da cidade, retratadas na opulência de suas formas, com efeitos ilusionistas e predomínio das curvas e do retorcido. Carioca de nascimento, desde 1976 David Glat reside em Salvador, onde se dedica à fotografia e ao design gráfico. Como fotógrafo publicitário, recebeu diversos prêmios nacionais e internacionais. Em Pérolas Imperfeitas David Glat assume um caráter de desconstrução do espaço institucionalizado, exercitando o barroco através de uma linguagem visual compatível com as necessidades estéticas da atualidade. Pérolas Imperfeitas - MAM Bahia Até o dia 09 de dezembro Visitação de terça a domingo, das 10h às 18h. Sábados 12h às 21h Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=34 Com a aquisição de nove novas obras para seu acervo permanente, o Instituto Inhotim, localizado em Brumadinho, a 60 quilômetros de belo Horizonte, dá mais uma prova do porque é um dos principais espaços de arte contemporânea do país. O Inhotim possui um importante acervo de artistas contemporâneos brasileiros e internacionais e uma extensa coleção botânica. Com a abertura de Nove Novos Destinos, que se somam aos demais destinos já existentes no local, o Inhotim apresenta um dos maiores acervos de arte contemporânea a céu aberto do mundo. As novas obras são dos artistas Chris Burden, Matthew Barney, Doug Aitken, Valeska Soares, Rivane Neuenschwander, Jorge Macchi, Janet Cardiff & George Bures Miler, Edgard de Sousa e Yayoi Kusama, que reforçam o diálogo entre obra, arquitetura e paisagismo. O representativo acervo de arte contemporânea de Inhotim vem sendo formado desde meados da década de 1980, e tem como foco obras criadas a partir dos anos 1960. Possui pinturas, esculturas, desenhos, fotografias, vídeos e instalações de artistas brasileiros e internacionais.  Endereço: Rua B, 20, Inhotim, Brumadinho, MG, Brasil  35460-000 +55 31 3227 0001  info@inhotim.org.br Visitação: Horário: Quinta e Sexta 9:30 às 16:30. Aos Sábados, Domingos e feriados de 9:30 às 17:30 Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=33 É de Andy Warhol a célebre frase "Bom negócio é a melhor arte". Com base nesta provocação, até o dia 17 de janeiro a Tate Modern, em Londres, reúne artistas da década de 1980 que abraçaram o comércio e os meios de comunicação de massa para construir suas próprias \'marcas\'. A exposição Pop Life: Art in a Material World apresenta o trabalho e as idéias de Andy Warhol, Damien Hirst, Jeff Koons, Takashi Murakami, entre outros artistas que compartilhavam, ou ainda compartilham, desta mesma visão. Na exposição, o público pode ver como a lição de Andy Warhol reflete-se no trabalho de artistas que, ao invés de simplesmente representar ou comentar a cultura de massas, trabalham justamente com a máquina da auto-promoção e do mercado. Se valendo do poder da cultura das celebridades, esses artistas vão além do mundo das artes e exploram iniciativas que atraem público dentro e fora das galerias, como relação que estabelecem com grandes marcas, como Takashi Murakami e sua relação com a Louis Vuitton. A intersecção entre comércio e cultura é tradicionalmente vista como uma traição dos valores associados à arte moderna. Com Pop Life: Art in a Material World, a Tate Modern problematiza esta questão e nos apresenta, numa mega exposição de arte contemporânea, destinada a ser um grande um grande sucesso e não apenas de público, mas por envolver colecionadores, artistas e comerciantes, em torno de uma evento que trata de maneira criativa da relação entre arte e mercado. Pop Life: Art in a Material World Tate Modern (Londres) Até 17 de janeiro de 2010       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=32 No mês de novembro, na Galeria Amparo Sessenta, em Recife (PE), o público pode conferir a exposição Retratos e Auto-Retratos, do pernambucano José Paulo. Com um olhar sensível e  criativo sobre coisas banais do cotidiano, o artista consegue extrair de cartelas de medicamentos os elementos estéticos para suas obras. José Paulo é um dos artistas representados pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte, em Salvador.  Em março deste ano, foi um dos pernambucanos que, ao lado do ícone da arte contemporânea brasileira, Paulo Bruscky, participou da Bienal de Havana. Neste último trabalho, Retratos e Auto-Retratos, ele fez fotos impressas em papel fotográfico adesivado em chapa de alumínio, que variam de 63 x 23 cm e 1 x 2,20 metros, de cartelas de remédios. Algumas delas, facilmente identificáveis como tais, outras, nem tanto. Em alguns momentos, o artista propõe um jogo de formas, texturas e contrastes que remetem às técnicas da pintura. O trabalho partiu de uma pesquisa realizada por José Paulo com pessoas conhecidas. Entre as que foram pesquisadas e doaram seus medicamentos para as fotos (por isso, a explicação de algumas cartelas amassadas), estão o próprio José Paulo e seu irmão. Ao lado de cada obra, de cada “medicamento” tem a família que o usa. O artista registrou desde remédios tarjas pretas, até medicamentos para gripe, sem identificá-los. Os 29 trabalhos expostos ficaram prontos depois de um ano de pesquisa e produção. Conheça mais sobre o trabalho de José Paulo na seção ARTISTAS do site. SERVIÇO Exposição: “Retratos e Auto-Retratos”, de José Paulo Visitação: até 14 de novembro, de terça a sexta, das 9h às 13h; e das 14h às 18h Onde: Amparo Sessenta - Avenida Domingos Ferreira, 92 A, Pina. Recife – Pernambuco   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=31 Alice Vinagre mistura memórias e poesia às cores de suas tintas. A artista visual paraibana radicada em Pernambuco constrói com sua pintura um universo poético e imagético, a partir de suas experiências pessoais. Alice é uma das artistas representadas em Salvador pela Fabio Penal Galeria de Arte. Em sua exposição individual mais recente, em Alagoas, Alice Vinagre apresentou trabalhos que uniam palavras, desenhos e a característica marcante da artista: a sobreposição de elementos e cores. “Anotações sobre Pintura” teve curadoria de Marcelo Silveira e apresentação de Moacyr dos Anjos. A artista nasceu em João Pessoa, Paraíba, em 1950. É graduada em Pintura pela Escola de Belas Artes da UFRJ em 1984. “Essa relação ambígua entre figura e fundo, abstração e figuração, desenho e pintura, obra e suporte, transforma o trabalho desta artista em um campo pouco afeito às certezas ou afirmações peremptórias. Tudo se passa como se Alice preferisse evocar a alternância de passagens à meia voz entre esses estados, em que nenhum deles quer ceder lugar em detrimento do seu oposto e, antes de desejarem apagar-se ou recuarem diante do outro, afirmam, ao contrário, sua necessidade da pluralidade, da existência simultânea de dimensões que pertencem a tempos e espaços múltiplos", escreveu Mª do Carmo Nino, no artigo “Aspectos Poéticos de um Processo”, sobre o trabalho de Alice Vinagre. Conheça algumas obras de Alice Vinagre visitando o espaço "ARTISTAS" do nosso site, ou visitem o site de Alice Vinagre e saiba mais sobre seu trabalho: http://www.alicevinagre.com.br/ Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=28 A exposição Auguste Rodin - Homem e Gênio chega a Salvador apresentando 62 obras originais do grande escultor francês. Esta é a primeira vez que elas saem do Museu Rodin, em Paris (França). As obras ficarão por três anos no Palacete das Artes - Rodin Bahia, em regime de comodato inédito no mundo. Esculturas como "O Beijo", "O Pensador" e outras que compõem "A Porta do Inferno" estarão na exposição, que será aberta no dia 26 de outubro, em um evento para convidados. As obras de Rodin foram cedidas em comodato de três anos pelo governo francês para a realização da exposição e devem voltar a Paris, podendo ser feito um novo contrato com outras coleções do autor. As peças expostas são originais registradas no inventário das coleções públicas francesas, sendo consideradas propriedades inalienáveis do Estado Francês. As 62 peças foram esculpidas em gesso, em uma tradução da técnica de Rodin, que costumava trabalhar com este material, deixando que seus assistentes fundissem o metal para finalização e reprodução de suas obras. Para Rodin, somente o gesso era capaz de moldar sobre o que já fora criado, o metal ou o mármore impediam as torções e contornos necessários a sua representação artística. Entre os destaques da exposição, estão obras como “O Beijo”, “O Pensador”, “O Escultor e Sua Musa”, “Eva”, “A Defesa”, “O Desespero”, “Terceira Maquete para a Porta do Inferno”, “Glaucus”, “O Sono”, “A Meditação”, “A Eclesiástica” e a “Danaide”. Diversas medidas de segurança foram tomadas para garantir a integridade das obras. Para a visitação (que é gratuita e acontece de terça-feira a domingo, das 10h às 18h) solicita-se que os convidados não usem saltos. O piso do Palacete, datado do século XIX, foi totalmente recuperado para a abertura da exposição. O Projeto Rodin é uma iniciativa do governo do Estado da Bahia, através da Secretaria de Cultura e do Instituto do Patrimônio Artístico e Cultural do Estado, e conta com o apoio do Governo Federal do Brasil, da República Francesa e do Museu Rodin Paris. Para mais informações, acessem http://palacetedasartesrodinbahia.blogspot.com/ SERVIÇO Auguste Rodin - Homem e Gênio Abertura para convidados: 26 de outubro, às 19h Local: Palacete das Artes – Rodin Bahia (Rua da Graça, 284 – Salvador) Visitação: terça-feira a domingo, das 10h às 18h Entrada gratuita   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=27 O Espaço Galeria de Arte, coordenado pelo terceiro ano consecutivo por Fabio Pena Cal, mostra ao público da 15ª edição da Casa Cor, em Salvador, a exposição individual de Braz Marinho, Orizontimaginario. Nela, o artista pernambucano apresenta um recorte de uma de suas principais obras, Processo Construtivo, reciclando o próprio conceito de seu trabalho. Uma idéia que segue o mesmo espírito da Casa Cor, que este ano aposta em projetos sustentáveis e materiais reciclados. Processo Construtivo foi montado em 2000. Agora, na versão da Casa Cor Bahia, o público vai poder conferir uma nova versão deste trabalho. “Temos obras de Braz aqui na Galeria que foram desconstruídas para o Espaço da Casa Cor inclusive em seu tamanho, como Celerator, que originalmente possui 4m. Ele foi mexendo nas cores, nas dimensões, reciclando conceitualmente seu próprio trabalho”, afirma Fabio Pena Cal, presente ainda em 16 dos 37 espaços do evento, incluindo a Casa da Árvore, de Rogério Menezes, um dos principais destaques desta edição, com obra ícone de José Patrício. Por tudo isso, a Galeria Fábio Pena Cal firma-se como o principal parceiro artístico do evento, que acontece este ano no Espaço Solaire, construído na ladeira da Barra, até o dia 15 de outubro. Para Fábio, a Casa Cor é um evento que se traduz como oportunidade para difundir a arte contemporânea em um mercado específico. “Participar de um evento como esse, que atrai um público de quase 50 mil pessoas, é uma forma de popularizar a arte contemporânea, divulgando o trabalho de grandes artistas”, afirma. O projeto geral desta edição da Casa Cor é assinado pelo arquiteto José Raimundo Marcelino. O paisagístico, por Alex Sá Gomes, homenageando Burle Marx. Em 2008, na edição do Hotel da Bahia, Fabio Pena Cal levou ao Espaço Galeria de Arte uma exposição coletiva de artistas pernambucanos por ele representados. Em 2007, na Associação Atlética, expôs trabalhos de Fátima Tosca e Leonel Matos. Casa Cor 2009 - Espaço Galeria de Arte – Braz Marinho | Até 15 de outubro Espaço Solaire - Ladeira da Barra, 235, Av. Sete de Setembro - Salvador Visitação: das 16h às 22h Ingresso: R$ 25   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=26 A Tate Modern comemora o centenário do Futurismo com uma exposição inovadora. Este movimento de arte foi lançado pelo poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti em 1909, com a publicação do Manifesto do Futurismo, na primeira página do jornal parisiense, Le Figaro. Os futuristas, inspirando-se em elementos do cubismo, criaram um novo estilo, que rompeu com as velhas tradições e expressa o dinamismo, a energia e o movimento da vida moderna. A exposição na Tate Modern, uma das mais importantes galerias de arte contemporânea do mundo, sediada em Londres, apresenta o trabalho de futuristas reconhecidos como Giacomo Balla, Umberto Boccioni e Gino Severini. Por outro lado, explora também os movimentos artísticos que reagiram ao futurismo. Os destaques da exposição incluem obras de Boccioni, Picasso, Braque, Malevitch e Duchamp. Futurismo | Até 20 de setembro Tate Modern - Bankside – Londres - Inglaterra Segunda a quinta das 10h às 18h – Sexta e sábado das 10h às 22h Gratuito Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=25 Até o dia 13 de setembro, os irmãos Campana visitam o MAM de São Paulo com a exposição Jardim de infância: Irmãos Campana visitam o MAM. Reconhecidos internacionalmente por seu trabalho, Fernando e Humberto passaram de designers a curadores, fazendo um recorte pessoal das 5mil peças do acervo do MAM. A leitura dos dois possibilitou uma visão do design nas obras de arte do Museu. Ao todos, estão expostos 60 trabalhos de artistas como Vik Muniz, Geraldo de Barros, Keila Alaver, Farnese de Andrade, Leda Catunda, Chelpa Ferro, Lia Mena Barreto, entre outros. Jardim de Infância: Irmãos Campana visitam o MAM | Até 13 de Setembro MAM – Parque do Ibirapuera – São Paulo Terça a domingo das 10h às 18h Grátis aos domingos.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=24 Salvador ganha um novo espaço expositivo, especialmente dedicado a difundir e valorizar a produção artística em cerâmica. O Museu da Cerâmica Udo Knoff - o primeiro do gênero, em todo o país – foi reaberto em junho pela Diretoria de Museus do Instituto do Patrimônio Histórico e Cultural da Bahia, no Pelourinho. Agora, apresenta duas exposições: Azulejos de Udo e Keramike. Azulejos de Udo apresenta as principais peças do artista e colecionador alemão, após passarem pelo olhar apurado da curadoria realizada pela ceramista e historiadora Caroline Harari. Os azulejos portugueses, espanhóis, franceses, ingleses, holandeses e italianos coletados por Udo Knoff nos casarões da Bahia, entre as décadas de 60 e 70, são expostos ao lado das peças produzidas por alguns dos mais representativos artistas plásticos locais. Obras de Jenner Augusto, Genaro de Carvalho, Sante Scaldaferri, Calasans Neto e Carybé foram criadas no ateliê de Udo e adicionadas a sua coleção. Em Keramike - termo grego de onde se origina a palavra cerâmica -, a manipulação arcaica das matérias primordiais (terra, água, ar e fogo), a massa mole, o cozimento e a combustão sofrem releituras contemporâneas na produção de Adriana Araújo, Áurea Madeira, Cecília Menezes,  Conceição Fernandes, Rosângela Costa e Sarah Hallelujah. Para estas artistas, que transitam também por outros suportes, a escolha da técnica está intrinsecamente ligada ao conteúdo, ao conceito ou ao discurso presente em suas obras. Azulejos de Udo & Keramike | Longa duração Museu da Cerâmica Udo Knoff – Pelourinho – Salvador - Bahia Terça a sexta das 10h às 18h – Sábado, domingo e feriado das 13h às 17h Gratuito   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=23 A obra de Florian Raiss, artista carioca representado pela Galeria Fabio Pena Cal desde 2004, passeia pela pintura, pelo desenho e escultura. Com abordagem extremamente contemporânea, Raiss imprime em suas obras uma força e, ao mesmo tempo, delicadeza, nos remetendo tanto ao barroco quanto à arte clássica, mitológica, greco-romana. Em sua série Quadrúpedes, de esculturas em bronze, ele revela um lado mais rústico do ser humano. Sugere o embate civilização versus natureza, grotesco versus sutileza, deixando evidente o lirismo, a fantasia.  “Ao posicionar seus homens e mulheres de quatro, como um animal, ele nos remete ao lado mais selvagem da humanidade. Mas faz isto de maneira sutil, delicada, com sensibilidade, ao dotar suas feições de traços finos e expressões suaves”, disse Fabio Pena Cal, que destaca ainda a forte sensualidade das obras de Raiss, que se dedica à alma humana, à expressão de sentimentos. De 73 a 75, o artista carioca passou pelas academias de Belas Artes de Florença e de Roma, na Itália. Depois, pela Academia de San Carlos, na Universidade Nacional Autônoma do México, onde estudou até 1977. Daí vem sua formação. Participou de diversas mostras individuais e coletivas. Já expôs em Long Beach, nos EUA, na Venezuela, Portugal, Suécia e Alemanha.  “Florian Raiss encontrou uma linguagem contemporânea ao executar uma escultura que se fundamenta nos princípios básicos da modelagem e na fundição em bronze sem se perder nos efeitos provocativos da escultura figurativa do começo do século vinte. Sabiamente desprendeu da modelagem os efeitos tentadores da gestualidade da matéria, para adotar uma feitura macia, transformando a matéria num amalgama de quem tem um prazer quase erótico, delicado, sutil e sensível, um prazer de quem acaricia pacientemente o barro e o transforma no domínio de suas formas lisas e tentadoras, cúmplices de seu desejo.” (trecho de “Um Escultor a Caminho do Humano”, de Emanoel Araujo) “Ao deparar-me então com os desenhos de Florian Raiss, a primeira impressão diante daquele “diário íntimo sensual” – pois é assim que vejo o ato de desenhar, um gesto muito pessoal e sensível, e a mais direta e sincera das linguagens plásticas, foi a de que estava diante de um arquivo “infernal”, pleno de erotismo.” (Trecho de “Volúpia”, de Ricardo Rezende) Mais sobre o artista: www.florianraiss.com.br)   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=22 Eudes Mota é um dos mais representativos artistas pernambucanos da contemporaneidade. Representado em Salvador por Fabio Pena Cal, Eudes recentemente ganhou as páginas do jornal Diário de Pernambuco, com matéria especial sobre sua obra. “Eudes Mota sugere a identificação de nossas raízes sócio-antropológicas. Para isso, contribuem também confessionários, portas antigas recuperadas, casas artificiais de pombos, rifas de venda de fogos de festas juninas que encantaram o imaginário infantil. Embasa a arte de Eudes um misto de provocação e tranquilidade, a primeira refletindo um irrequieto processo criativo e a segunda, a forma cavalheiresca com que se relaciona com o mundo”, disse o jornalista Cleofas Reis. Leia matéria na integra, a seguir: A arte de Eudes Mota Por Cleofas Reis (Diário de Pernambuco) É possível não ser familiarizado com a arte plástica contemporânea, mas entendê-la e expressá-la? Penso que a resposta é positiva, conseguindo-se penetrar algo do introspectivo do artista. Há os que facilitam esse processo. Eudes Mota faz esse tipo. Com um histórico de mais de 40 anos de carreira, passou por várias fases, o que é comum nesse ofício. Seu dom brotou ainda menino, atraído pelas mulatas e carregadores de Portinari, se sensibilizando com o cubismo de Vicente do Rego Monteiro e a produção geométrica de Mondrian e outros abstracionistas. A Escolinha de Artes, nas Graças, serviu-lhe de laboratório inicial para a combinação infantil mas já indicativa do seu jogo de cores, formas, sombras e luzes. A acomodação desses elementos, porém, não lhe impediu depois manifestação quase heterodoxa à vista dos meios tradicionais de expressividade. Chegando a um de ponto de bifurcação da caminhada, mesmo já laureado com prêmios e destaque de críticos, Eudes Mota decidiu, podemos dizer até ousadamente, enveredar pelo que ele chama de "arte geométrica conceitual contemporânea". Suas últimas exposições e amostras (estas no seu atelier, na Capunga), dizem da sua criação mais do que quaisquer palavras. Entretanto, ele alerta que não se tenha essa arte geométrica conceitual como uma escola, motivo por que arrisco a conceituá-la como um estado de espírito. Imagine-se uma iniciativa de se valer de uma página de anúncios classificados de jornal para se produzir algo provocante. Obter o mesmo resultado com base numa folhinha de calendário, auxiliando-se de inexpressivos códigos de barras ou usando a imagem de um tabuleiro de xadrez. Tudo como uma ponte de ligação do observador e a razão de ser da inventiva artística. A elaboração de Eudes Mota pode nos transportar também a ambientes culturais formadores na nossa nacionalidade, lembrando a obra de Gilberto Freyre, quando nos defrontamos com trabalhos que têm madeira como matéria-prima. Uns, como escumadeiras, sugerem opapel da culinária no relacionamento da casa-grande com a senzala. Já "bandeiras" nos reportam ao componente indígena e até à arte pré-colombiana. Assim, Eudes Mota sugere a identificação de nossas raízes sócio-antropológicas. Para isso, contribuem também confessionários, portas antigas recuperadas, casas artificiais de pombos, rifas de venda de fogos de festas juninas que encantaram o imaginário infantil. Embasa a arte de Eudes um misto de provocação e tranquilidade, a primeira refletindo um irrequieto processo criativo e a segunda, a forma cavalheiresca com que se relaciona com o mundo. Tanto é que a eventualidade de ter imitadores ele encara filosoficamente estóica: "a arte não é monopólio de ninguém, muito dela se firma na experiência de antecessores."   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=20 De 1º de agosto a 21 de setembro, a capital baiana será palco do A Gosto da Fotografia – 5º Festival Nacional, que ocupará os mais importantes espaços culturais da cidade com exposições, palestra, oficinas, exibições de filmes e documentários e feiras de livros. O evento busca contribuir para inserir o Estado no roteiro nacional e internacional das grandes mostras. Em cartaz na Galeria Acbeu e no Goethe Institut - ICBA. Este ano, o festival tem como destaque a inédita parceria com a Pinacoteca do Estado de São Paulo, que cedeu mostras de destacados fotógrafos latino-americanos.  Ao todo, são nove exposições, em cartaz em períodos distintos, que contemplarão o trabalho de 13 conceituados fotógrafos. A lista, que inclui profissionais com os mais diferentes estilos, é formada por German Lorca, Carlos Moreira, Lúcia Guanaes, Lucille Kanzawa, Pablo di Giulio, Roberto Linsker, Hirosuke Kitamura, Ricardo Alcaide, a família Chambi (nome dos mais representativos da fotografia peruana), além do emblemático Pierre Verger, especialista na cultura afro-brasileira. Núcleos Temáticos O A Gosto da Fotografia – 5º Festival Nacional este ano se organiza a partir de três núcleos temáticos: História e Memória, Identidade e Ensaio e suas possíveis derivações na imagem contemporânea. No núcleo Memória estarão dialogando as obras de dois nomes definitivos para a compreensão da fotografia no Brasil: German Lorca e Carlos Moreira (que tiveram suas obras expostas no MAM Bahia, em 2008). Numa série produzida entre 1950 e 2000, poderão ser observadas as mudanças de um país em seus usos e costumes, na poética do gestual e na vida cotidiana em séries (cor/ preto e branco). Completando esse diálogo, a exposição "Retratos e Paisagens de um Século: quatro gerações Chambi", que reúne o grande fotógrafo peruano Martin Chambi (1891-1973), ao lado da sua filha Julia Chambi (1920-2003), do neto Teo Allain Chambi e do bisneto Andrés Fernando Allain. O núcleo Identidade acentua ainda mais as questões contidas nos retratos a partir das imagens da fotógrafa brasileira radicada em Paris, Lucia Guanaes, na série Transfigurações, feitas em Salvador e também já apresentadas no MAM. O fotógrafo venezuelano Ricardo Alcaide mostra Azul de Noturno Mar— feita em Londres entre 2000 e 2004. Esse núcleo se completa com a presença do fotógrafo Pablo di Giulio, que com seus retratos triplos de personagens anônimos. O núcleo Ensaio apresenta Hirosuke Kitamura —japonês radicado na Bahia. Nesta série, a vida cotidiana em Salvador, seus recortes e seus gestos aparecem numa fotografia ora surreal, ora como resultado da busca de uma identidade mais existencialista. Informações no site:/www.agostodafotografia.com.br Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=19 No mês em que a Bahia recebe as exposições do festival nacional A Gosto da Fotografia - principal evento local voltado para esta linguagem artística – a Galeria Fábio Pena Cal comemora as novas aquisições de seu acervo: fotografias de Pierre Verger e Christian Cravo. Em comum entre os dois, a singularidade do olhar de viajante, a delicadeza da expressão em preto e branco, a sensibilidade em captar o homem comum e o respeito pelas manifestações religiosas. Pierre Verger foi um etnólogo, um viajante fascinado por países distantes e diferentes culturas. Registrou, além da Bahia, no Brasil, a África, Europa, Ásia o Japão, a América Latina, sempre com um apurado senso estético e um rigor antropológico. “Para mim, Verger é história. A aquisição de suas obras, através da Fundação Pierre Verger, é fruto do desejo de preencher uma lacuna no acervo da Galeria, com trabalhos de um dos mais importantes artistas que já passou por nosso estado, registrando a história de nosso povo, a história da Bahia.” Christian Cravo, por outro lado, é um artista que dialoga com o mercado, inclusive, o internacional. “Ele é um artista jovem, cujo trabalho já tem seu valor artístico reconhecido. Além disso, seu nome já carrega em si uma grife que, agora, está se expandindo para o exterior. Ele mora mais tempo em Nova York do que em Salvador”, conta Fabio Pena Cal. Em suas fotos, Christian apresenta sua visão sobre a religiosidade em diferentes sociedades. Já fotografou manifestações religiosas ligadas à água na Índia, o Círio de Nazaré em Belém do Pará, procissões no interior da Bahia, além de outros eventos na Costa da África em diferentes países do Oriente.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=18 Pelo terceiro ano consecutivo, a Galeria Fábio Pena Cal participa do Espaço Galeria de Arte na Casa Cor. Em 2009, Fabio vai apresentar ao público uma exposição individual do artista pernambucano Braz Marinho, que recentemente esteve na cidade para conferir o espaço e acertar detalhes da montagem. Para Fábio Pena Cal, a Casa Cor é um evento que se traduz como oportunidade para difundir a arte contemporânea em um mercado específico, que é da arquitetura e design de interiores. São cerca de 40 mil visitantes, um público, em sua maioria, sem muita informação ou conhecimento sobre arte. “Participar de um evento como esse é uma estratégia para formar clientes e consumidores e, principalmente, para popularizar o trabalho de grandes artistas”, afirma Fabio. Em 2008, na edição Casa Cor do Hotel da Bahia, Fabio Pena Cal levou ao Espaço Galeria de Arte uma exposição coletiva de artistas pernambucanos por ele representados. Em 2007, na Associação Atlética, expôs trabalhos de Fátima Tosca e Leonel Mattos.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=16 A exposição itinerante Legado Sagrado e Retratos Yanomami chega a Salvador depois de percorrer várias cidades brasileiras. Na mostra, que a Caixa Cultural de Salvador exibe até o dia 08 de agosto, os trabalhos do fotógrafo norte-americano Edward S. Curtis e da suíça naturalizada brasileira Claudia Andujar se aproximam e articulam, traçando um paralelo entre a cultura indígena dos Estados Unidos e a do Brasil. Em Legado Sagrado, 60 fotografias apresentam o trabalho do americano EdwardS.Curtis, pioneiro em revelar os costumes dos índios de seu país, no início do século passado. As imagens exibem passagens da vida cotidiana e rituais dos peles-vermelha. Já em Retratos Yanomami, de Claudia Andujar, que dedica décadas de sua vida aos índios Yanomami, 30 imagens retratam a luta do povo indígena brasileiro pela preservação. Sempre entre a razão e a intuição, os cortes, enquadramentos e personagens de Claudia se arredondam para falar de uma incessante busca pelo entendimento e diálogo. Além da temática, Andujar e Curtis tem em comum uma espécie de militância pacífica. Eles representaram estes povos e buscaram, através da fotografia, contribuir para a preservação destas comunidades. A principal diferença entre eles é a estética, que reflete não apenas diferenças de estilos, intenção, mas a própria natureza dos equipamentos empregados. Mais informações, acessem os links: sobre a exposição, sobre o trabalho de Claudia Andujar e sobre Edward S. Curtis. Sobre a exposição, sobre o trabalho de Claudia Andujar, sobre Edward S. Curtis Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=15 A exposição Cuide de Você, uma das mais famosas e polêmicas mostras da artista conceitual francesa Sophie Calle, está em cartaz no galpão do SESC Pompeia, em São Paulo. A exposição, inédita na América Latina, tem como ponto de partida um evento da vida da própria artista, uma carta de rompimento que Calle recebeu de seu ex-namorado, o escritor Grégoire Bouiller. Ela distribuiu a mensagem para outras 107 mulheres – desde celebridades a anônimas – para que cada uma a interpretasse à sua maneira, com sua linguagem. A exposição Cuide de Você (uma referência à frase final da carta), faz parte do calendário oficial do Ano da França no Brasil e ficará em cartaz na capital paulista até 7 de setembro. Em seguida, chega em Salvador, onde ficará exposta no Museu de Arte Moderna da Bahia entre 22 de setembro e 22 de novembro. Entre as mulheres que interpretaram o final do romance de Sophie Calle, considerada por muitos a principal artista contemporânea da França, estão desde a sua mãe, a compositora Laurie Anderson, a DJ Miss Kittin, as atrizes Jeanne Moreau, Victoria Abril e Maria de Medeiros, além de profissionais como linguísta, revisora, sexóloga, juíza, delegada, taróloga, antropóloga, designer, assistente social, criminologista e clarividente. O resultado final do trabalho da artista consiste em um inovador exercício de reflexão, no qual diferentes linguagens, profissões, expressões artísticas e pontos de vista interagem em torno de um tema cotidiano e universal. O diálogo que a mostra estabelece com o público é o grande atrativo da exposição, inclusive, para os não iniciados em arte contemporânea. Mais informações, no site da exposição Cuide de Você. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=14 Até 23 de setembro, Roma acolhe as belas e monumentais obras do escultor costa-riquenho, Jiménez Deredia. A Rota da Paz é um projeto que prevê nove grandes complexos de esculturas, expostos desde o Canadá à Terra do Fogo, passando pelos EUA, México, Yucatan, Costa Rica, Colombia, Perú e Chile , em exposição até o dia 13 de setembro, em Roma. No Palácio das Exposições, um dos principais espaços culturais da cidade – que até setembro sedia ainda a impactante exposição Bulgari – Eternidade e História: 125 anos de Jóias Italianas, serão expostos desenhos arquitetônicos, esculturas em miniatura e monumentais obras em bronze que pertencem ao grupo do Genesis. A exposição de Deredia também vai ocupar o Fórum Romano, que pela primeira vez acolhe uma mostra de arte contemporânea, as praças Barberini e São Lorenzo, os arredores do Coliseu, Parque da Musica, o Museu Romano e o Museu Altemps. Nas esculturas de Deredia, a simbologia ligada à esfera descreve tanto a transmutação da matéria, quanto a busca de si mesmo. Em seu trabalho, a esfera é um elemento que aponta para uma concepção unificada e abrangente da vida e do universo, e que remete a valores ancestrais. Deredia reiterpreta um símbolo presente na cultura antiga pré-colombiana, apresentando esculturas em pedra, criações dos antigos índios Boruca, de 2000 anos atrás. Desta forma, ele cria uma ligação entre o elemento esférico de cada um destes nove complexos de esculturas e as principais costelações das cidades que fazem parte da Rota da Paz, fazendo, inclusive,  uma conexão das esferas com estrelas. Para conhecer mais sobre a obra de Deredia, visite o site do escultor. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=13 É ou não um Michelangelo? Essa é a questão em estudo por especialistas em arte depois que o governo italiano investiu 3,3 milhões de euros na compra de um pequeno crucifixo de madeira atribuído ao gênio da Renascença, no ano passado. Obras de Michelangelo não costumam ser colocadas à venda, mas já houve desenhos que obtiveram valores de até US$ 20 milhões em leilão. Em comparação, o preço do crucifixo, vendido por Giancarlo Gallino, um negociante de antiguidades de Turim, parece uma pechincha. Mas eis a questão. Caso não se trate de um Michelangelo - algo que muitos críticos da aquisição alegam -, o governo pode ter desperdiçado seus minguados recursos na compra de uma obra menor, ainda que atraente, e em meio a uma crise econômica que resultou em corte de mais de um bilhão de euros nas projeções orçamentárias do Ministério da Cultura para os próximos três anos. O que alimentou ainda mais o debate foi o tratamento cerimonioso dado à aquisição. Definido por funcionários do Ministério da Cultura como "embaixador da cultura italiana junto ao mundo", o crucifixo fez sua estréia pública em dezembro durante uma rara visita do Papa Bento 16. Depois, foi colocado em exibição na Câmara dos Deputados, em Roma, onde atraiu 30 mil visitantes, de acordo com a imprensa italiana, antes de se tornar a peça central de uma exposição promovida pela diocese católica de Trapani, na Sicília. De lá, depois de passar por Palermo, o crucifixo chegou ao Palácio Sforzesco, em Milão, onde está exposto ao lado da Pietá Rondanini, na qual Michelangelo estava trabalhando ao morrer, em 1564. Existe uma "estratégia política por trás da operação", disse Tomaso Montanari, professor de história da arte na Universidade de Nápoles e autor de diversos editorais em jornais e revistas especializadas nos quais critica a maneira "exagerada e incomum" pela qual a delicada escultura entalhada de 40cm de altura foi alardeada em toda a Itália. A peça não inclui a cruz contra a qual o corpo de um Cristo jovem e esbelto supostamente se apoiaria. Montanari é apenas um entre os diversos especialistas em arte de todo o país que protestaram contra as ações do ministério e divulgaram uma carta aberta contra o "uso propagandístico" da escultura pelo governo. "Para nós, a história parecia pouco mais que uma operação de marketing cujo ojetivo é demonstrar ao país que o Ministério da Cultura existe", disse Maurizia Migliorini, professora da Universidade de Gênova que ajudou a redigir a carta. "Mas enquanto isso o patrimônio cultural do país está em urgente necessidade de reparo, o pessoal do ministério ganha mal e as verbas são escassas. O gasto foi alto para uma peça de atribuição dúbia. Talvez tivesse sido melhor gastar esse dinheiro na restauração de alguma coisa ou para manter aberto um museu que enfrenta dificuldades." Os promotores do Serviço Nacional de Auditoria italiano estão estudando a aquisição a fim de determinar se o Estado pagou demais, e especialistas em arte da Renascença serão consultados para determinar se a peça é ou não um Michelangelo. Muitos já se pronunciaram. "A atribuição desonra Michelangelo e a história de Florença no século 15, onde existia ao menos uma dúzia de artesãos capazes de produzir um crucifixo da mesma qualidade", diz Francesco Caglioti, especialista em escultura renascentista, que acredita que o crucifixo seja um produto típico de um desses ateliês, e que valha cerca de 100 mil euros. "Infelizmente meus colegas se esqueceram disso, e sempre que surge algo de belo o atribuem a um nome famoso. Parece que tudo que foi feito na Florença do Renascimento pode ser atribuído a 10 pessoas de mil mãos." Quando o marchand Gallino ofereceu o crucifixo para exposição na Casa Buonarroti, o museu florentino dedicado a Michelangelo, há alguns anos, o conselho recusou a peça. Luciano Berti, então presidente da fundação que administra o museu, "considerou que era uma bela peça, mas não de Michelangelo", disse Pina Ragioneri, hoje diretora da instituição. Não existem documentos que vinculem o crucifixo a Michelangelo, e os biógrafos contemporâneos do artista, Ascanio Condivi e Giorgio Vasari, não mencionam que tenha produzido trabalhos de pequena escala em madeira. Os defensores da atribuição, entre eles Giancarlo Gentilini, especialista em arte florentina, Cristina Acidini Luchinat, superintendente dos museus estatais de Florença, e Antonio Paolucci, diretor dos museus do Vaticano, acreditam que o crucifixo tenha sido produzido por volta de 1495, quando Michelangelo tinha cerca de 20 anos, e apontam para sua semelhança com outros trabalhos da era. A execução demonstra domínio firme da anatomia humana. Vasari, que escreveu uma biografia de Michelangelo no século 16, conta que o artista "muitas vezes estudava cadáveres para descobrir os segredos da anatomia". "Para sobreviver, um jovem artista teria de produzir trabalhos desse tipo", diz Gentilini. "Não se pode associar Michelangelo apenas a obras-primas." FONTE: Portal Terra Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=12 A mostra do artista plástico e fotógrafo Vik Muniz chega ao Masp (Museu de Arte de São Paulo) na próxima sexta-feira. Ao todo, a retrospectiva da carreira possui 131 obras - compostas por 200 imagens - de trabalhos realizados a partir de técnicas variadas e materiais quase sempre inusitados, como como a Mona Lisa feita de pasta de amendoim ou o retrato de Elizabeth Taylor montado a partir de centenas de pequenos diamantes. » Veja fotos de algumas obras de arte de Vik Muniz A arte de Vik possibilita várias leituras e compreensões, desde a interpretação de imagens até as sofisticadas referências estéticas, teóricas e intelectuais que a sustentam. "Procuro fazer um trabalho que agrade de uma criança como minha filha a um graduado de Harvard", afirma Vik. As fotografias terão o suporte de três vídeos produzidos por um colaborador de Muniz, o fotógrafo Fabio Ghivelder. O recurso ajuda o visitante a entender como é a construção das obras de Muniz, como se fosse uma espécie de making of. Uma das telas que vão exibir esses vídeos ficará no chão. A idéia é que os espectadores tenham a real sensação que o fotógrafo teve ao congelar imagens da série Pictures of Garbage (Imagens do Lixo, em uma tradução livre). "Minha intenção inicial é conseguir uma reação física do espectador, atraí-lo, cativá-lo. A partir do momento em que consigo isso, posso comunicar a informação que quero passar. Meu sonho é mudar a forma elitista com a qual a arte é encarada. Não acredito na separação entre o popular e o inteligente, como se fossem coisas antagônicas", completou o artista. Serviço: Exposição 'Vik' Retrospectiva com 131 obras do artista plástico Vik Muniz Local: Museu de Arte de São Paulo - MASP Endereço: Av. Paulista, 1578 Telefone: (11) 3251 5644 Classificação etária: livre Estacionamento pago no local Acesso a deficientes Exposição: de 24 de abril a 12 de julho Horário de visitação: terça a domingo e feriados, das 11h às 18h; às quintas, das 11h às 20h. Ingresso: Inteira - R$ 15,00; Estudantes - R$ 7,00 Menores de 10 anos e maiores de 60 anos - Gratuito Às terças-feiras a entrada é gratuita FONTE: Portal TERRA Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=11 As pinturas de Antonio Peticov estão em exibição na exposição A Contemporaneidade de uma Tradição no Artestudio Mauro Chaves em Pinheiros, zona oeste de São Paulo. No total, são 39 trabalhos em acrílico sobre tela produzidos sobretudo entre os anos de 2008 e 2009. A mostra vai até o dia 23 de maio e a entrada é gratuita. » Veja as fotos das obras de Antonio Peticov As primeiras expressões artísticas da carreira de Peticov, nos anos 60, mostravam que o artista tenderia para o construtivismo, com uma pintura baseada na forte conotação geométrica. Depois que se muda para a Europa, no início da década de 1970, é que sua obra toma posição e pende para o "realismo mágico". Quase metade dos trabalhos de Peticov da mostra tem como foco a pintura geométrica - segundo ele, uma tendência do trabalho da maioria dos artistas brasileiros e, sobretudo, os paulistas. Apaixonado pela matemática, o artista deixa explícito seu interesse por formulações exatas que determinam universos abstratos e as relações com a natureza. Serviço: Local: Artestudio Mauro Chaves - Rua Mourato Coelho 941, Vila Madalena Ingresso - entrada gratuita Horário - Segunda à sexta das 10h às 20h Contato - 3031-1811/3814-4481 Quando - até 23 de maio FONTE: Portal TERRA - Arte e Cultura Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT